lunes, 21 de diciembre de 2009

Dos grandes matemáticos que nos hicieron estar aquí. Ada Lovelace y Charles Babbage.

Cuando llego temprano a mis clases en la universidad, no muchas ya que estudio a distancia, me paso por la biblioteca para hacer ejercicios de álgebra y física; antes de eso me encanta leer un artículo o dos de la revista “Investigación y ciencia”, de la cual siempre hay un ejemplar. Este mes tocó una interesante revisión del panorama de los lenguajes de alto nivel, como el Pascal de With o el ADA, así como unas imágenes que me impresionaron de las máquinas analítica y diferencial de Charles Babbage, de las cuales me quede prendado y me hizo pensar de que de mi primer portátil hasta el material informático que se usa para crear montajes de luz y sonido en festivales (serios) de música electrónica o el equipo informático del LHC, que por fin es utilizable, aleluya, derivaron de esta construcción. Gracias a las ideas de Charles y Ada ahora este blog existe y podemos comunicarnos, luego considero justo que les hagamos un pequeño y modesto homenaje.



Grabado de Charles Babbage.

El trabajo de Babbage es más interesante aun. Su pasión por el álgebra lineal y sus conocimientos astronómicos de las tablas de logaritmos, dignas de ser recordada, así como una aberración por el desorden y el caos llevó a construir una máquina de cálculo, como antaño lo hicieron Blaise Pascal y Leibniz, ambos estrellas en el mundo de los números, le llevó a diseñar una máquina que hiciese posible tabular polinomios con un método numérico. Presento esta idea como máquina diferencial en 1822 ante la royal Society, la cual le dio el sí así como una generosa cantidad de dinero. Babbage empezó su construcción inmediatamente, pero se encontró que los engranajes del interior de la máquina y las vibraciones provocaron fallos en el funcionamiento del aparato. Babbage no paraba de cambiar el diseño, luego también esto pudo ser un factor importante del fracaso de su máquina, que produjo un gasto enorme de dinero por parte de la Royal Society.




Fotografía de la máquina diferencial de Babbage. Aunque Babbage no vio su máquina terminada, su hijo hizo esta reconstrucción con los diseños de su padre y las piezas que el mismo elaboró. En el año 1991, el museo de Ciencias de Londres diseñó una máquina con el último diseño de Babbage y con piezas solo como las que pudo hacer el inglés, obteniendo un resultado satisfactorio.

Pero Babbage continuó perfeccionando su invento y durante los años 1833 y 1842, Babbage se vio inmerso en la construcción de un aparato que permitiese la realización de cualquier cálculo. Así pues nació el proyecto de la máquina analítica, precursora de la CPU moderna.



Fotografía de la máquina analítica, expuesta en el museo de Londres, junto a su
hermana “mayor”, la máquina diferencial.

La máquina analítica podía realizar las siguientes instrucciones:

•Calcular diversos resultados de operaciones aritméticas gracias a un procesador aritmético.

•Podía asignar distintas tareas gracias a la unidad de control.

•Tenía un dispositivo de salida y otro que permitía almacenar los números para ser procesados a posteriori.


El sistema utilizado para crear estos comandos fue el de las tarjetas perforadas. Ya el inventor e ingeniero francés Joseph Marie Jacquard vio las ventajas que tenían estas para programar las agujas de los telares automáticos que llevan su nombre y fueron usados en especial por los estudiantes y maestros de la Bauhaus; “El trabajo de un Jacquard es más bello que todos los telares prerrafaelistas.” Dijo Walter Gropius, director y arquitecto de la Bauhaus.



Litografía de Joseph Marie Jacquard tras haber recibido la medalla de la legión de Honor gracias a sus telares de tarjetas perforadas.

Para escribir estos programas, Babbage contó con la colaboración de una de las mejores matemáticas del mundo: la condesa de Lovelace, lady Ada Augusta Byron King,
o bien Ada Lovelace, hija del poeta inglés Lord Byron. Introducida en las matemáticas desde muy joven por el algebrista Augustus de Morgan, cuya labor se es de agradecer para aquellos que estudiamos la teoría de conjuntos, en especial los complementarios, Ada llegó a adquirir un manejo único en el campo del álgebra y mostró una curiosidad especial por los progresos de Jacquard y Babbage, apoyando tanto intelectual como económicamente el proyecto de la máquina analítica. Así pues, Ada pasó a ser considerada como la primera programadora informática de la historia de la Computación. En su honor, el lenguaje de alto nivel creado por el departamento de Defensa de los Estados Unidos lleva su nombre.



Retrato de Ada Lovelace como condesa de Lovelace.

Aunque el programa obtuvo resultados muy interesantes, hubo fallos en la precisión del cálculo de cifras altas. Esto hizo que Babbage dejase el proyecto, aunque Ada continuase escribiendo programas para su máquina y apoyando y comunicando a todos sus conocidos el trabajo de Babbage. Después de que ambos dejasen el trabajo, Ada continuaría con sus investigaciones en el álgebra lineal compaginándolo con su trabajo de difundir los avances de Babbage a otros sitios de Europa gracias a su influencia como condesa, y Babbage realizaría numeroso trabajos: criptógrafo, profesor de matemáticas en Cambridge, inventor del sistema de correos londinense y de la bocina para trenes, así como el creador de varias asociaciones científicas, centradas en la criptografía y la astronomía. También llevó durante sus últimos años una guerra abierta contra todo tipo de músicos callejeros, no obstante, estos se manifestaron delante de la puerta de su casa y tocaron todo lo alto que pudieron. Babbage salió al balcón con una “camisa blanca atada a su bastón” y dijo que se rendía, pero que “tocasen algo más tranquilo”, según un amigo que estaba con él.

No obstante, hemos de recordar a ambos como dos visionarios de algo que hoy es la herramienta en la sociedad de la comunicación y la ciencia, la computadora. Así como dos grandes y originales matemáticos, únicos en el campo del álgebra.

viernes, 18 de diciembre de 2009

Pintura para pensar. Barnett Newman.



Fotografía de Barnett Newman.

Una referencia de Brian Eno, un cuadro reproducido en un libro de matemáticas como ejemplo de creación de espacios vectoriales unidos y ya me despierta las ganas de saber más. Así es como me adentré en la obra de Barnett Newman, artista americano expresionista abstracto y minimalista, el cual se funda con un carácter místico y reflexivo muy curioso.

Pero Newman no ha de ser observado como dicen los críticos, sino como lo sugiere él.
Tras haber destruido unos cuadros expresionistas propios de su primera etapa y tras abandonar el lenguaje surrealista de Masson, que dominaba en sus composiciones a gran escala, Newman empieza su pintura de campos de color. En lienzos de formato considerable trabajaba con campos de color o uniformes o bien que creasen sus discrepancias, ya que al trabajaba de una manera muy diversa, sin equilibrar las distintas partes del todo compositivo, dejando que aflorasen discrepancias en el color y la textura. Estos campos de color se veían separados por una línea vertical, que recorría toda la altura del cuadro, conocida como “zip”. Los “zip” podían ser de colores y anchura ajenos, lo importante era que cumpliesen la separación de colores, y que equilibrase estas composiciones.



“Jericho”; una muestra de los zip.

Las composiciones de Newman se fueron alejando mucho de la de sus compañeros de trabajo de los años 50, como Jackson Pollock o Tony Smith, y se aproximaron cada vez más a las de Frank Stella, el pintor pre minimalista por excelencia, salvo que él seguía conservando la regularidad de los formatos, y admitía una experiencia del vacío en sus composiciones.





Fotografía donde se ve a (en orden de izquierda a derecha) Barnett Newman, Jackson Pollock y Tony Smith, durante una exposición y de la escultura por excelencia de este periodo de transición: El obelisco partido (abajo). Aunque la primera obra de Newman estuvo marcada con la de Pollock y el surrealismo francés, pronto Newman buscaría un estilo más depurado y menos “rococó” y muy poco denso. Así pues, entraría a trabajar con los campos de color y los zip.

Tampoco recargaba sus cuadros, ya que, en su fusión de ascetismo judío y de búsqueda zen de la situación artística, opinaba que el elemento regular debería siempre de estar presente en la obra, ya que si no lo hacía, esta perdía todo sustento arquitectónico y formal, y no conseguía transmitir al espectador esa claridad que el pintor había alcanzado en su actividad. Para él la claridad era fundamental, incluso composiciones tildadas de oscuras, como “Abraham” se aprecia una estructura meditativa sobre la obra a priori. El efecto causado es de una claridad y una espacialidad en dos dimensiones envidiables.



Dibujo a tinta china con “zips” de distinto grosor. El efecto obtenido nada envidia a una de las composiciones arquitectónicas o escultóricas más importante del mundo y de la historia del arte.

Pero si es algo que se presta a hacer pensar y sobre lo que pensar, es la serie de “dieciocho cantos”, todas litografías sobre distintos papeles de distinto grosor y combinando distintos colores de tintas. En cada uno de estos dibujos, Newman emplea zips y planos de color todos diferentes para crear ritmos, de acuerdo con los tempos musicales. Son obras maravillosas, ya que la espiritualidad, la serenidad y el gusto por la paz, permitiendo al espectador una actividad de reflexión y no solo contemplativa. Una auténtica belleza tanto formal como espiritualmente.






Serigrafías y litografías de “Cantos”. Las dieciocho composiciones de este trabajo indagan en el uso de unos elementos mínimos situados en el espacio y los cuales han de ser comprendidos como elementos arquitectónicos. La calma que respiran y la claridad de la que hable antes, hace que podamos obtener una experiencia semejante a la creación de una demostración geométrica. Elegante, activa, reflexiva y armónica.

miércoles, 16 de diciembre de 2009

Brillante a la española. Leonardo Torres Quevedo.

Llevando por nombre el de uno de los genios del Renacimiento y como apellido el de uno de los mejores poetas del Barroco español uno está condenado a ser grande; este es el caso del matemático e ingeniero Leonardo Torres Quevedo. Español de nacimiento y educado en varias escuelas, tanto hispanas como francesas, desarrolló una carrera tan prodigiosa como veloz, además de muy variada.



Fotografía de Leonardo Torres.

Gracias a él se creó el Centro de ensayos de aeronáutica de Madrid en el año 1904, y luego, el Laboratorio de mecánica aplicada, en donde fue director de ambos. Esta oportunidad se le dio gracias al Telekino, sistema de control remoto que hacía uso de las ondas hertzianas y que perfeccionó en el año 1906 hasta que él supuso que estaba acabado. Su invento causó un gran asombro, así como una cierta reputación, la cual le permitió asistir a dar conferencias a las mejores universidades y academias de Europa. También estuvo al cargo de un diseño para un dirigible trilobulado, que le llevó mucho de su tiempo durante los años 1902 y 1909.



Fotografía de Leonardo trabajando en su despacho del Centro de ensayos aeronáuticos durante el año 1906 y 1908. Su reputación como ingeniero y un matemático excepcional le hizo ganarse el respeto de la comunidad científica española y europea.

Pero su pasión secreta era la mecánica aplicada a la construcción de máquinas de cálculo, como la de su querido Leibniz. Mediante sistemas mecánicos y electromecánicos, así como por la información que recibía de Inglaterra sobre los experimentos de Charles Babbage y lady Ada Lovelace, construyó una máquina para calcular polinomios de cualquier grado, que funcionó con relativo éxito. También se vio inmerso en la construcción de un autómata capaz de jugar al ajedrez y vencer a un rival humano, en el año 1912. A uno le sorprende lo antiguo que fueron sus hallazgos hoy, que las máquinas de ajedrez nos parecen algo de otra onda de conocimiento, de una complejidad absoluta. No obstante, y como lo defendía Torres Quevedo, “sabiendo crear algoritmos con una soltura más o menos reseñable no hay nada de la naturaleza que se escape a nuestros razonamientos abstractos”, como el mismo dijo en una conferencia.







Máquina de calcular de Torres Quevedo (arriba); de un diseño muy parecido a la de Babbage, la máquina tenía como objetivo calcular polinomios de n grado, dando preferencia a las ecuaciones diofánticas. Su máquina de ajedrez (abajo) cumplía con las funciones de cualquier programa de ordenador de partidas premeditadas o como los tableros “Atenas”, los cuales parten de diseños muy semejantes a los de Torres Quevedo. En la imagen se le ve a él (izquierda) y un jugador profesional (derecha) dando los últimos retoques al aparato.

Pero Leonardo aun no había mostrado todo su potencial en el campo de las matemáticas, y mucho menos aún en las aplicadas a la ingeniería del transporte. Así pues, empezó el diseño y la construcción del teleférico que atraviesa las cataratas del Niágara, apoyado tanto por el Gobierno español como nicaragüense, y siendo su sistema tan efectivo que aun hoy se sigue empleando.



Fotografía del teleférico diseñado por Torres Quevedo para atravesar las cataratas del Niágara.

Pocas veces uno siente una sensación de orgullo patrio, especialmente cuando aparecen casos de corrupción política, estafas de los propios alcaldes a su mismos vecinos o la violencia y el desprecio que muestra la población hacía los llegados de otros países o los que viven de una manera distinta, pero al contemplar los logros de gente tan buena y aplicada en lo suyo como Torres Quevedo o Juan Gris, uno se siente orgulloso del lugar en que trabajaron y vivieron, ya que está a la altura, a pesar de lo que pase en un futuro ya sea lejano o próximo, tanto evitable como inevitable, del resto del mundo, y que siempre se puedrán hacer cosas.

Duro con la especulación del arte contemporáneo. Ben Lewis



Fotografía de Ben Lewis.

Aunque se diga que todos los documentales son aburridos, Ben Lewis siempre resulta muy ameno. Director, escritor y, como el mismo dice, ocasionalmente presentador, este crítico de arte realizó hará ya un tiempo un documental fantástico, cuyo título es “The great art contemporany bubble” en el que critica como el arte contemporáneo se estaba convirtiendo en pura moneda de cambio en manos de unos pocos millonarios, que, paradójicamente, apenas sabían nada de arte. En este trabajo Lewis muestra como las obras de arte estaban vistas y destinadas ahora a obtener cotizaciones bursátiles seguras y el espíritu de lucha, de innovación o estudio ya eran “opcionales para aquellos que no querían ser buenos artistas” como expuso un supuesto experto en arte que trabajaba para la casa de subastas Christie.
También nos muestra como algunos artistas y críticos de arte estaban dejando resbalar el poco interés y justicia que quedaba en el mundo del arte, dejando a gente como Andy Warhol o Richard Prince como meros fabricantes de un producto semejante a las latas de conserva, como las que pinto Andy, si se me permite la ironía.



Anuncio de la BBC del documental de Lewis.

Siguiendo un estilo crítico y muy agudo propio de documentales anteriores como “Art safari”, que se convirtió en un ensayo de éxito, Ben Lewis muestra como el resultado de las mejores mentes dentro del arte y los lugares de peregrinación intelectual (museos, galerías, salas de exposiciones, etc.) no son más que prejuicios puestos por una sociedad que tienen como fin supremo el ganar más dinero, cosa que entra en contradicción con la idea de arte moderno (pensemos en Van Gogh, Juan Gris o Nauman). Es un buen comienzo para saber cómo el mundo artístico combinado con el de la ciencia o la filosofía produce cosas geniales, pero que cuando se sumerge en el campo del dinero, se convierte en algo tan monstruoso, desproporcionado y caro, destinado solo hacer ganar dinero y que cada vez se va convirtiendo en un escaparate de productos de lujo. Si se quiere ser un buen artista, es obligatorio verlo.

Aquí tenéis un adelanto del documental. Espero que os guste y os entre la curiosidad.

http://www.youtube.com/watch?v=gth8_3msnIk

miércoles, 9 de diciembre de 2009

El leonard cohen más interesante. I´m your man.

Quisiera agradecer la ayuda de Fran, vecino de Madiedo y el que más sabe de Leonard Cohen, en todas sus facetas, de los dos. Muy agradecido por toda la ayuda y material prestado.

Los cristales tienen un orden muy característico. La simetría y la proporción reinan en su ser. La música de Leonard Cohen, al menos de la de años antes de 1985, no parecía tener esa estructura; su música era como su poesía, un fluir de ideas, de sensaciones y de visiones. Difícil era decir hasta aquí, y más decir cómo deberían de acabar estas, o como empezar. Cuando los acordes se ajustaban como un guante a sus letras, estos apenas sufrían una variación. Pero esto cambió con la aparición del álbum “I´m your man” aproximadamente en 1988. El primer sonido nada más comenzar el disco es de un sintetizador, un infernal instrumento que el Cohen habitante de Hydra o el de discos más folks como “Songs for a room” rechazaría emplear, pero comienza, en ese tema cargado de ironía y burla llamado “First we take Manhattan”, llegando en la misma canción, a reírse tras pronunciar “quiero darte las gracias por los regalos que me enviaste” después de quedarse sin nada. Sonidos que Cohen había dicho anteriormente que no eran lo suficientemente bellos para ser incluidos en una canción. Además el mismo Cohen también cambió, ya no era ese poeta barbudo beat, lleno de problemas a causa de las drogas y de las mujeres, preocupado casi todo su tiempo por cuestiones estéticas y heroicas muy convencionales. Ahora es un hombre sutil, muy agudo en los temas que trata y cómo los trata y que se atreven a mirar la realidad y decir, sin un argumento que les haga huir por la tangente (en este caso espacial o temporal): “Sí, yo vivo aquí y ahora”.




Leonard Cohen durante la gira de I´m your man. Esta es del año 1992, aproximadamente.

El uso de una mayor instrumentación y de un interés por la capacidad de la ciencia en la mejora de estos instrumentos, no es hecho insignificante; también forma parte de la asimilación de que en el mundo contemporáneo hay cosas que merece la pena. En una entrevista se aprecia este cambio, cuando al ser preguntado por qué en vez de estar varías horas con la guitarra componiendo, lo hacía con un sintetizador de escaso tamaño que había adquirido recientemente, la respuesta fue la siguiente:

“He estado trabajando con esos sintetizadores de juguete [se entiende como sencillo, sin muchas complicaciones en su uso] durante los últimos años porque quería hacer canciones con ritmos que no podía tocar con la guitarra. No sé como tocar esos ritmos, pero los he oído en canciones de otra gente y me gustan. Pero con mi pequeño aparato puedes tocar un botón y tienes un sonido de tango, un rock lento o un rock rápido, un paso doble, una polca y un reggae y con todas esas ventajas, la verdad es que hace de ese instrumento un encanto, acabas cogiéndole cariño y sintiéndote muy unido a tu sintetizador de juguete.”

Este mismo problema lo tuvieron músicos como Ray Charles, Philip Glass o Brian Eno; vieron que los instrumentos clásicos se les quedaban corto y tuvieron que buscar nuevos, como estos sintetizadores, o instrumentos que tratan el viento de una manera digitalizada, como los que diseño Peter Gabriel y aun hoy se siguen usando, como el propio Cohen hace en sus escenarios, llegando también a tocar el teclado eléctrico o bien la guitarra, aplicando todas las estructuras nuevas que aprendió usando el sintetizador, y llegando a unos ritmos muy curiosos que rompen con el simple acompañamiento, como bien lo demostró en la gira del misma álbum y en la reciente “Live in London” aquí recomendado en la anterior entrada.



Carátula del álbum “I´m your man”. Ya la fotografía de la carátula muestra el tono de seriedad “mistico-poética” que Cohen muestra en este álbum; ninguna y si la usa es con fines irónicos.

Mas este cambio siempre viene, o suele venir, acompañado por otro más; el interés por el orden, la simetría musical y los nuevos sistemas de composición. En piezas como “I´m your man”, “Ain´t no cure for love” o “Tower of songs” ya se ve como la composición es más rígida, y los sonidos están mejor dispuestos que en discos anteriores. También puede verse como la música vocal encuentra un eco con esta “cristalización” melódica, muy apoyada por el trabajo de la artista experimental Anjani Thomas, que arregló varias veces los coros en canciones como “Everybody knows” y que estuvo junto a él en toda la gira. El efecto producido es un disco genial, lleno de armonía y de composiciones variadísimas, donde podemos encontrar tangos, melodías de jazz y valses, como el de la canción “Take this Waltz”, cuya letra es de Federico García Lorca, a quien Cohen admiraba muchísimo.

También es interesante ver como el humor negro, obtenido de un largo estudio de la obra de Edgar Allan Poe, es el que acompaña este disco, así como un reencuentro con el último y más meditativo Rimbaud, de cuya “Temporada en el infierno” se inspira para crear esa situación apocalíptica del tema “Everybody knows”, así como con el ejercicio de la meditación zen, el cual le permitió reflexionar sobre si de verdad su arte musical quería llegar hasta el final. La alegría y el humor, en especial el que nos hace reírnos de nosotros mismos y tomar conciencia si de verdad todos nuestros actos cambian de verdad el universo, si son tan importantes como para que todo el mundo sepa qué es lo que hemos hecho, afloran por todas partes en este trabajo. Mejor canción que “Ain´t not cure for love”, toda una crítica a todas las locuras de juventud que hizo por las mujeres, y como de viejo descubre que hay otros intereses, no hay en todo el disco.

Pero hay que escucharlo para tomar una decisión, por ello os acerco esto, para que contrastéis lo que digo:

http://www.youtube.com/watch?v=UUtgjjj75_Q
http://www.youtube.com/watch?v=E6asMGoX2DY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=TKJ-gQVJkek&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=E8vAH57hLNU
http://www.youtube.com/watch?v=97WoBfMAqMA

Entrada 99. Isaac Newton y resumen.

En el mismo día que se escribió este blog, hará ya unos cinco meses, en una tarde de finales de junio, camino a casa, le dije a mi hermano que no aguantaríamos ni a la entrada número 99, me apasiona este número, aun no sé por qué; no obstante, me equivoqué y la ganó, por ahora, mi hermano, que dijo que llegaríamos hasta la 110. Así pues, decidimos hacer algo especial para esta ocasión, y ambos escribimos dos entradas; mi hermano se decantó por hacer un resumen de todo lo que hemos hecho, y yo por una que me llevó cierta lucha, sobre uno de los científicos más grandes de la historia; Isaac Newton. Así pues hemos visto que aun hay material para mucho tiempo, y lo más importante, gente que, como todos los que s interesáis por el blog, los que habéis colaborado y los que aun seguís mandándonos sugerencias, información, halagos, consejos, a los que poder contar todo lo que nos interesa. Así pues, antes de ponernos a empezar a escribir, os queremos dar gracias, de verdad por vuestro tiempo, ayuda e interés. Muchas gracias a todos.

Como al león por sus garras. Isaac Newton.

Por Alejandro Maiza

Es sabido ya que hay cosas por las que los hombres nos sentimos orgullosos; un trabajo artístico, un acontecimiento histórico, un fenómeno. Pero sentirse satisfecho con una persona, la cual se ha entregado totalmente a su trabajo y ha llegado a unos límites tan extraordinarios es difícil; no obstante, con Newton es obligatorio sentirse orgullosos y grande a la vez.



Grabado de un joven y prometedor Isaac Newton.

Mi primera proximidad a un científico de manera extra escolar fue justamente con Newton, cuando tenía quince años, en el último año de la educación secundaría; me fascinó lo sencillas que eran las leyes de Newton en su expresión y lo compleja que fue su planteamiento, y como se puede explicar todo un universo entero con ellas. En cuanto salí de la escuela me puse a navegar por internet y topé con parte de un estudio de José Manuel Sánchez Ron, titulado “Como al león por sus garras”. A partir de ahí, mi interés y devoción por él no ha hecho más que aumentar con el paso de los años, y aun sigue fascinándome todo lo que sale sobre él, en especial desde que uno lo ve como una construcción bella matemática que nada tiene que envidiar con las grandes composiciones arquitectónicas, pictóricas o literarias del Barroco, resultando el doble de honesta que todas estas gracias al dominio de los elementos matemáticos y su expresión vacía de ornamentos y que llega a una expresión del mundo mucho más depurada que otras.

Esta expresión salió de los labios del matemático Johan Bernouilli, cuando un cuarenta ñero Newton (el cual gran parte de los matemáticos europeos creían fracasado) dio respuesta a un complejo problema (el camino por el que un cuerpo muy pesado descendería más rápidamente desde un punto a otro que no estuviera directamente debajo) planteado a los mejores matemáticos de Europa, y salvo Newton (se rumorea que también L ´Hôpital también llegó a una solución congruente, pero aceptó que la de Newton fue mejor.)

Y es que Newton fue un auténtico león; la ciencia pasó con él a un nivel estelar. Su teoría de la gravitación universal, capaz de ser expresada con una ecuación matemática muy elegante y fina, llega a actuar sobre todo el universo. Sea cual sea el lugar donde se esté, esta ecuación no presenta discordias entre física teórica y experimental. Pero también resumir toda la dinámica en sus tres leyes del movimiento, auténticas joyas del pensamiento científico.






Portada de los “Principia” newtonianos (arriba), una de las obras maestras de Newton. En ella expone las leyes y fundamentos matemáticos geométricos y analíticos (centrados especialmente en el cálculo; hasta Euler, el análisis matemático se diferenciaba mucho al de ahora) que usó para crearlas. También se su ley de la gravitación universal, donde aquí vemos sus fundamentos esquematizadas (abajo). La idea de “fuerzas a distancias, que en la actualidad sabemos que también están presente en el electromagnetismo y en las radiaciones, fue toda una ruptura con el pensamiento aristotélico que aun se negaba a abandonar el lugar que ocupaba en la ciencia.

Pero en los “Philosophiae Naturalis Principia Mathematica”, publicados en el año 1687, no solo contribuyó a la física con las tres leyes de la dinámica (ya antes planteadas por René Descartes y Galileo Galilei, pero que no llegaron a obtener las expresiones matemáticas de Newton) y la ley de la gravitación universal. En este magnífico texto también desarrollo las matemáticas, las cuales no presentaban ningún secreto para él, y podemos ver su estudio en los binomios, así como en el cálculo diferencial, el cual le llevó una lucha por la autoría de este con el matemático y filósofo alemán Federico Godofredo Leibniz, llegando a vencer este, ya que su lenguaje y articulación son mucho más manejables que el del inglés. En esta batalla, llama la atención el carácter duro, egoísta, bastante mezquino y déspota de Newton, que ya aflora en los Principia cuando dijo arrogantemente “yo no hago hipótesis”, y lo mucho que le costaba publicar sus descubrimientos. Pero queda irrisorio con el ejercicio de meditación que le llevo hasta la creación de estas, consiguiendo superior dificultades titánicas, y tener que hacerlo sin contar con las herramientas necesarias para crear su obra. Para hacernos una idea, Newton fue como Calder, a pesar de que en su tiempo ya había muchas teorías y ejemplos de arte cinético, Calder tuvo que encontrar herramientas y materiales nuevos, además de un estilo propio. Aunque ya existían unas buenas teorías sobre la gravitación y el movimiento de los planetas, observados al detalle por genios como Kepler y Galileo, faltaba un rigor matemático y conceptual que justificase los movimientos de los planetas.

Pero Newton no solo es conocido por sus contribuciones a la mecánica y la dinámica; mientras estuvo en su finca de Woolsthorpe, en cuyo manzanar nació la leyenda de que Newton llegó a la conclusión de que la gravedad actuaba por que le cayó una manzana en la cabeza, durante todo el año de 1666, año en el que la universidad de Cambridge, donde Newton estuvo dando clases e investigando, cerró a causa de una epidemia, Newton realizó varios experimentos con prismas de cristal y lentes que él mismo talló, haciendo incidir la luz sobre ellas y estudiando la forma en la que los rayos se refractaban o reflexionan sobre las superficies de los espejos.



Sello expendido por las oficinas de Correos de Alemania donde se ve a Newton y un esquema de la refracción de colores al inferir en los prismas con los que trabajaba.

Todas estas investigaciones dieron como resultado un libro muy ameno e interesante de leer, que lleva como título “Opticks, or a Teatrise of the Reflexions, Refractions, Inflexions and Colours of Light”, en donde Newton explora un sistema empírico-deductivo muy curioso, así como sus esquemas geométricos, considerado por todo buen científico como unas de las más bellas creaciones dentro de este ámbito. A partir de estos trabajos, Newton fundamentó su teoría corpuscular de la luz, que compitió durante varios siglos con la de otro gran físico, Christian Huygens, hasta que el siglo XX, donde Einstein o Louis de Broglie dieron algunas respuestas que fusionaban ambos procesos, Broglie con los electrones con masa pero con una onda asociada, y Einstein con el fenómeno fotoeléctrico.




Ilustración del siglo XVIII donde se ve a Newton estudiando la luz con sus prismas. Durante la Ilustración el trabajo de Newton se ensalzó hasta límites impensables. Grandes pensadores como Kant, D´Alembert, Diderot, Lagrange, Laplace, Euler… e incluso Haydn y Mozart estudiaron la naturaleza o la filosofía y la música siguiendo el método newtoniano; usando gran parte del tiempo las matemáticas, en especial el cálculo y la geometría, y mediante serios planteamientos conceptuales.


De Groupius a Charlie Parker, 99 entradas ya.

Por Mikel Maiza

Hace casi cuatro meses, a Alejandro se le ocurrió montar su blog, un lugar donde poder exponer sus ideas, sus dibujos, sus gustos... Algo que no creiamos que fuera a durar tanto. Pero, por curioso que parezca, ya hay escritas 99 entradas. En estas 99 entradas, se han hablado de muchos temas, la mayoría de matemáticas, pero también de Leonard Cohen, de Bob Dylan, de Darwin e incluso de Lewis Carroll, pasando por músicos de jazz como Charlie Parker o Jackie Mclean. La mayor parte de las entradas se las debemos a Alejandro, por supuesto, que ha sido el que mas ha trabajado en sus temas. Yo, Mikel Maiza, tan solo me limite a exponer los dibujos que a mi estrambótica mente se le ocurría. Y hoy; ¡la entrada 99! (cuanto la estoy repitiendo, se debe a que no me lo puedo creer) El tiempo pasa muy rápido, y es que, como diría Basho, “los días son viajeros de la eternidad”.



El violín.





hipérbolas moradas sobre fondo gris.

viernes, 27 de noviembre de 2009

Un mago utilizando la ciencia. Harry Houdini

La prestidigitación, el escapismo, la telepatía, la lectura de la mente, la desaparación y la metamorfósis… Un buen espectáculo de magía siempre lleva algo de esto, a veces todo, pero esto no es magia, es mecánica, habilidad, e incluso matemáticas (muchos trucos de cartas y los que utilizan números se basan en ellas). Aunque parezca evidente, hay gente que piensa que esto y otro montón de cosas más, son en realidad productos dehabilidades y fuerzas sobre humanas. Lo que pasa es que hace ya casi un siglo que nadie ha dicho a estas personas que se equivocan, tal como hizo Harry Houdini, a la sociedad de finales del XIX.

Erich Weiss, el nombre que Houdini empleó al llegar a los Estados Unidos, de origen húngaro, cuyo padre era rabino, designado en América para dirigir una nueva congregación. Aunque el joven Houdini tuvo que trabajar desde muy joven para ayudar a su padre, madre y cinco hermanos con la cantidad de , descubriría muy pronto que los números circenses eran su vida, al ver una actuación del mago Dr. Lynn, y entonces comenzaría a hacer una seríe de espectáculos callejeros de contorsionísmo. Harry Houdini, nacería cuando cayo en sus manos un libro de memorias del mago Eugéne Robert-Houdin, y comenzaría una dedicación ya casi total al mundo de la magía, antes de una temporada como trapecista, durante la cual pudo desarrollar su resistrencia física de una manera importante, y que sería uno de los puntos clave para su trabajo posterior. Ya desde el comienzo, actuando como un prestidigitador chistoso, Houdini rechazaba que el mundo de lo sobre natural era el que determinaba o tenía que ser necesario para realizar el espectáculo; para él, era un medio de contaminar la mente de sus espectadores. En sus espectáculos de escapismo y desaparción, lo que se denomina entre magos “metámorfosis”, el consideraba que lo importante era la resistencia física y el conocimiento sobre las propiedades físicas y estructurales de las cadenas, baules y cántaros gigantes de leche, en donde se sumergía hasta el fondo. Su habilidad para hacer cerraduras trucadas la consiguió mediante el estudio de textos sobre estructuras que obtenía en los libros de sobre las propiedades físicas de estos, además de una asombrosa capacidad de ocultar las llaves en cualquier parte de su cuerpo.



Fotografía de Harry Houdini y los candados que abría sin dudar dos veces. Con el tiempo, el escapismo no tuvo ningún secreto para él.

No obstante,sería al morir su madre, a quien mostraba un afecto especial y cuya pérdida hizo que cayese en una depresión profunda, cuando se propondría de verdad luchar contra los falsos mediums que venían hacía el para ofrecerle la oportunidad de ponerse en contacto con ella, y contra aquellos que utilizaban sus supuestos poderes sobrenaturales para llenar sus bolsillos. Saboteando espectáculos de espiritismo, poniendo falsos códigos, como el que le propuso a su mujer en su lecho de muerte en el año 1926, y que, a pesar de esperar diez años después de su fallecimiento, no ningún medium que se propusiese conectar con él, consiguío más que ponerse en ridículo gracias a la trampa que Houdini había dejado al morir, o bien poniendose en contacto con la comunidad científica inglesa y americana, ayudándose de sus publicaciones en la revista “Scientific American”, en cuya redacción era siempre bienvenido y muy admirado por los autores y los colaboradores de la revista, que a veces era citado como el “paladín de la causa positivista”, alguno cuales llevó hasta el congreso de los Estados Unidos, para que apoyasen sus argumentos frente al Tribunal. No obstante, su actitud materializó amistades como rechazo, por ejemplo el escritor Sir Arthur Conan Doyle, que sí creía que los fenómenos paranormales estaban rodeandonos, le parecío muy molesto el trabajo de su amigo, así como a otros escritores como Charles Baudelaire, que le acusó de trabajar para las colonias británicas, y también fue anatemizado como espía de los Estados Unidos en los paises que visitaba, como Francía, Rusia o Alemanía.



Cartel de la película “El último gran mago”, estrenada en el año 2007 por Gillian Amstrong, y que cuenta en el reparto con un genial Guy Pearce, Timothy Spall y Catherine Zeta –Jones. También se hace algunos guiños a Houdini, en especial a su colaboración con científicos e ingenieros, en la película “The Prestige”, que cuenta con Hug Jackman, Christian Bale y Scarlett Johansson en reparto. Aunque ambas no son al 100% verídicas, es cierto que muestran mucho parecido con su vida, además de ser todo un homenaje al mismo mago, que adoraba el cine, los procesos de elaboración de una película y que luego participaría en varias de ellas, ya que siempre había sentido una atracción hacía el género de aventuras.

Cierto o no, lo importante es que Houdini sí que realizó un trabajo muy importante, y fue darle a una sociedad que, inadaptada aun a los progresos tecnológicos a los que había llegado aun creían en mitos y fenómenos que eran propios del más profundo medievo, y le dio a la ciencía, en especial a las matemáticas, la física y la ingeniería, que contaba con el trabajo de Maxwell, Riemman, Felix Klein, Poincaré o Watts, y decir que eran productoras de bellezas y capaces de generar espectáculos maravillosos, donde el hombre podían hacer lo que quisiese, apoyandose en la misma realidad. Con Houdini lo imposible, lo que nos genera expectación, como el salir de un recipiente lleno de agua, o caer de un rascacielos mientras se desabrocha una camisa de fuerza, es posible gracias al entendimiento de las leyes que hacen posible esos movimientos, esos efectos. Para resumir, nos mostró que con los conocimientos correctos, aquellos que nos hacen reflexionar sobre los hechos y no solo contemplarlos, podemos hacer lo que queramos.

jueves, 26 de noviembre de 2009

Charlie Parker: un pájaro fugaz.


Charlie Parker y Dizzy Gillespie, izq.
Charlie Parker (1920-1955), es considerado uno de los mayores saxofonistas del jazz y un precursor del bop o jazz moderno. Conocido como Bird, Parker era hijo de una enfermera y de un bailarín y cantante que abandonó a su familia cuando Charlie tendría apenas 10 años. Dejo pronto el colegio, a los 13 o 14 años, y fue tocando allí y allá, sin tener un rumbo fijo, participando en algunas orquestas. Es cuando conoce a Dizzy Gillespie, en 1940, estando con la orquesta de Jay Mcshann, y en el 44 los dos músicos empiezan a trabajar juntos. En sus grabaciones, se puede escuchar como Bird rompe con los esquemas de la Musica de aquel entonces. Los repetitivos temas de swing, que eran siempre los mismos interpretados por diferentes orquestas, habian anclado el destino del jazz, convirtiendolo en un estilo soso que tan solo servia para que los blancos de clase acomodada bailaran bebiendo martinis, en sus clubs de campo, donde habian mayordomos negros. No seria en ese ambiente, no, donde la verdadera musica moderna empezaria a nacer. Seria en los garitos oscuros y marginales donde los negros y blancos pobres irian a ahogar sus penas en whisky y a pasar un buen rato antes o despues de volver a sus trabajos como barrendero o camarero. Serian unos jovenes musicos afroamericanos y latinos los que construirian la musica tal como la conocemos hoy, que por sus ganas de cambiar la musica y su condicion ( estos musicos se empezaban a quedar sin trabajo en las orquestas de swing y no tenian donde ir). Por eso surgio lo que hoy conocemos como be- bop o jazz moderno, que Kenny Clarke tuvo la amabilidad de contarnos su significado :
" En realidad, la palabra be-bop no significa nada, solo es una etiqueta que pusieron los periodistas a nuestra musica. A nosotros nos habria bastado con llamarlo moderno."
Otros lo explicaban diciendo que era el sonido de la cabeza de un negro al ser aporreada por un policia blanco, uno de sus principales enemigos junto con los politicos conservadores. Sea como fuere, Parker revoluciono toda la musica de aquel entonces. Y como no, hubo voces que decian que el be-bop no era jazz ni era musica... claro que, entonces, ¿ que es para ellos el jazz? ¿El swing blanco, acaso? Por supuesto que se equivocaron, y fue gente como esa la que puso a Nixon o a Reagan en el poder.
Siguiendo con Parker, el pobre vio frustrada su carrera por culpa a su adiccion a la cocaina. Estuvo una epoca en rehabilitacion, y salio en 1947. A partir de entonces, dio numerosas giras en Europa y America, grabando discos, etc. Hasta que, en 1954, a los 3 años de edad, su hija Pree Parker muere por una neumonia. Es entonces cuando Parker empieza una etapa autodestructiva, tomando grandes cantidades de alcohol y drogas. Se intenta suicidar dos veces y, en 1955, muere finalmente, a los 35 años de edad, por un colapso cardiocirculatorio.
Discipulos y admiradores de Charlie Parker:
Parker tuvo numerosos discipulos, entre ellos, uno en especial, Jackie Mclean, pudo hablar con Parker una semana antes de morir. Cuenta Mclean que Parker, despue de un concierto le dijo algo como esto:
" Mirame, Jackie Mclean. Soy Charlie Parker y estoy pidiendo unos centavos para beber algo (...)
Dame una patada en el culo,"
Jackie Mclean se puso nervioso y le dijo que no, pero Parker siguio y le dijo:
"Quiero que me des una patada en el culo por haberme dejado llevar hasta este estado..."
Mclean le da la patada y Parker le recomienda lo siguiente:
" Jackie Mclean, nunca dejes que te hagan esto."
Seria la vida de Parker lo que haria que Julio Cortazar escribiera El Perseguidor, libro donde un tal Johny Carter, saxofonista de jazz, muere por las mismas circunstancias que Parker...
Tambien, Clint Eastwood dirigio una pelicula llamada Bird, que trata de lo mismo.
Bird y Miles Davis, derch.

La faceta minimalista de Mark Knopfler. Cal



Fotografía de Mark Knopfler y sus guitarras.

Grande, muy grande, es este músico, siempre con ganas de experimentar con lo que la gente cree que no sirve para nada en especial, o simplemente pasa de ellos porque son muy dificiles de usar. Pero hay un trabajo de sus muchos discos de estudio que alcanza un nivel de complejidad y belleza como muy pocos consiguen al menos desear. Se trata del disco “Cal”, que recoge las piezas grabadas por Knopfler para la película del mismo nombre del director irlandes Pat O´Connor, basada en la novela de Bernard MacLaverty y que narra las aventutras de y desdichas del joven Cal, interpretado por John Lynch, miembro del IRA, que desarrolla una relación amorosa con Marcella, con una agil Hellen Mirren en su piel, una mujer extremadamente católica y viuda de un agente protestante del orden muerto a manos de la banda.



Portada del vinilo y del actual Cd de “Cal”, grabado en el año 1984.


Aparte del interesante planteamiento de la película y la denuncia de la violencia y desorden acaecidos en ese país por culpa de la intolerancia religiosa y la alienación de sus habitantes, incomprendidos por el estado centralista inglés y que lleva a muchos jóvenes a entrara en el círculo del IRA, la banda sonora de la película muestra una característica muy peculiar en la tradición del cine en dar preferancía a las grandes orquestas y los sonidos titánicos, o bien en emplear música que se escucha con mucha frecuencía, como hacen las comedias adolescentes y amorosas; con un grupo muy reducidos de músicos (creo que una gaita, un violin, alguna flauta y una bateria en contadas ocasiones), llegando el mismo Mark a ejecutar las melodias para la guitarra como solo él puede hacerlo, con una suavidad y un estilo muy depurado y fresco, mas sin caer en la pomposidad y lo recargado, llegó a elaborar unas piezas muy bellas e inteligentes, que no abandonan el espiritu alegre y muy melódico que es el que posee la música irlandesa. También es muy interersante ver como se plantea el disco: partiendo de un mismo tema, comenzado siempre por el violín, se va aumentado o acortando progresivamente, de una manera organizada y serial, como si fuese una sucesión de términos matemáticos. Se hizo una cosa muy parecida con la banda sonora de “El último mohicano” mas no tiene el mismo y genial efecto que “Cal”, además de no usar melodias tan complejamente sencillas (si seguimos a Morris) que utiliza el genial músico . El resultado de ellos es como una pieza para cámara de Mozart, muy intima, hogareña, pero con un componente intelectual que la hace única y que muestra como determinará el trabajo de Mark para el futuro, siendo uno de los rockeros con untrabajo muy interesante e inteligente, que nos dejaría joyas como “Sailing to Philadelphia”, uno de los discos más interesantes del rock que existen, ya que ofrece una música muy meditada y elaborada, proxima al minimalismo más formal..




Lista de los temas del disco “Cal” y la fotografía de un joven Knoplfer, año 1984.

Joyas para pensar. Elizabeth Sandoval.

Me gustaría agradecer a la propía artista, Elizabeth Sandoval, el apoyo y revisión de los textos, así como le facilitamiento de las imágenes, para terminar con éxito este ejercicio de pensamiento.

En mis vacaciones en Pamplona, a veces suelo ver los escaparates de joyas, ya que la disposición de los elementos que hay en ellos es siempre muy atractiva, ya que se colocan de tal manera que se generen reflejos y brillen con mucha fuerza, creando una serie de campos de color y de reflejos muy llamativos. Es muy bello ver como esas piezas generan estos colores, mas pasa como un televisor; es bonita la imagen que sale de ellos y no el objeto. Las joyas llenas de pomposidad y de ornamentos y de materiales tan nobles que solo su presencia resultan empalagosas. No obstante, también la bisutería siempre ha resultado como algo tan cuestionable que a veces parece como si el que hiciese algo con eso estuviese desganado. Así pues, tenemos dos campos muy distintos y a la vez que se destruyen; la joyería cara y muy elevada, pero cargada y muy poco “honesta” en sentido artístico (si a ello le sumamos la cantidad de sufrimiento ajeno que lleva obtener diamantes, oro, plata de gran valor, platino, etc.) Y luego tenemos un esperpento de creación, ordinario y que hace que la misma persona que lo lleva sea auto cuestionada por un objeto, lo cual a veces resulta tan irónico.

Mas estas reflexiones no son caprichos de alguien que se propone hacer un ejercicio de razón para pasar el tiempo. La joyeria siempre ha resultado una rama de la escultura. Desde las coronas visigodas hasta las creaciones de Calder en el campo del diseño, muestran que la capacidad de detalle y de la conjugación formal pueden ser muy rigurosas a contemplarse a escala reducid, y generar unos efectos especiales muy ricos e interesantes. Así pues tenemos que una joya puede ser un objeto desencadenante de una reacción intelectual, y tener la misma importancia que una escultura. Y hoy en día encontrar a alguien que consiga crear una joya escultórica es muy difícil, por eso me gustaría hablar hoy de Elizabeth Sandoval.



Fotografía de Elizabeth Sandoval.

Esta artista, formada en la escuela Llotja y graduada en Artes Plásticas y Diseño en la especialidad de joyería, ha conseguido depurar un estilo muy semejante al de Calatrava y respondiendo al lema del arte minimalista “Menos es más” de Mies Van Der Rohen, es capaz de crear unas bellas estructuras utilizando materiales tales como la plata y las más variadas técnicas de modelaje para crear bellos detalles. Es interesantísimo ver cómo, abandonando el prestigio de los diamantes y el uso de geodas y sus correspondientes formas, consigue usar las superficies onduladas de una manera casi única, ya sea ondulándolas hasta obtener formas semejantes a peces o flautas, o superponer laminas con una determinada forma, creando unas superficies perfectamente armonizadas en tamaños y detalles, o bien empleando elementos lineales, tales como varillas de plata, siempre bien vistos a ojos de los minimalistas y artistas conceptuales, que rompen con la pomposidad del oro. Así pues, en vez de cegarse uno con las propiedades de la joya, le permite reflexionar sobre el espacio y la materia, como en la simetría y en la armonía de los elementos que se usan, recuperando las propiedades escultóricas de los elementos. Esto se puede ver en algunos momentos de su método de trabajo, en el que almacena varias formas elaboradas antes de tener una finalidad dentro del proceso de fabricación del objeto decorativo, tal como hacía Jorge Oteiza con las cartulinas que recortaba para sus collages, guardadas muchas de ellas sin usar en un estuche.




En esta pieza vemos como la forma se asemeja a las estructuras de Calatrava, utilizando múltiples pliegues, superficies onduladas y un bruñido especial en las piezas.

Pero a diferencia de muchos artistas de este campo, no solo se queda en mejorar un aspecto a trabajar dentro de la ontológica del arte, sino que con su labor, colabora con varios proyectos solidarios, por ejemplo, con la Asociación de Arte Ocre y Oro para recaudar fondos y destinarlos a la Fundación Alcer, que ayuda a los enfermos de riñón, y donando piezas para la para apoyar a los enfermos de esclerosis lateral amiotrófica.

Para conocer a esta curiosa creadora podéis acercaros a ella a través de la página web:

www.elizabethsandoval.es

O

www.asociacionocreyoro.es

Charles Mingus: menos que un perro.


Charles Mingus,1971
Charles Mingus, es una de las personalidades mas famosas en el jazz,no por sus excentricidades, sino por su estilo y por las denuncias sociales (era un activista en contra de la injusticia racial).Nacido en 1922, en Arizona, su ascendencia es variada: asiatica, sueca, inglesa y afroamericana, siendo la ultima la predominante. Estudia diversos instrumentos: trombón, piano, chelo... y se decide por el bajo, instrumento por el cual le conocemos hoy en día. También, siendo joven, compuso varias obras que combinan música clásica y jazz. Toma como referencia a Red Callender, contrabajista en varias orquestas de swing. Mingus empieza a tocar con Satchmo ( Louis Arsmstrong)y Red Norvo, para luego trabajar con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, como su concierto en Toronto, junto con Max Roach y Bud Powell ( 1952). Con Roach, uno de sus mejores amigos, funda Debut records, compañía discografica. Compone Pithecanthropus Erectus, con el sello Atlantic Records, en 1956. Le siguen algunas grabaciones con Eric Dolphy, Duke Ellinghton, etc; y en 1972 escribe su biografía, "Beneath The Underdog", Menos que un perro en español. Es una dura critica a la época racista que le toco vivir. Muere finalmente en 1979, a causa de una enfermedad degenerativa muscular.
Izquierda: Charles Mingus, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Max Roach y Bud Powell, 1952.

Una familia con talento. Mike, Sally y Terry Oldfield

Esta entrada fue más que posible gracias a la colaboración de Abel, de “Jazz y Saxofón”. Muchísimas gracias por todo

Si hay un tema de la música experimental que ha llegado a un reconocimiento bastante cálido han sido todas las partes de Tubular Bells, compuestas por el músico irlandes Mike Oldfield. La combinación de estilos y la cantidad de ritmos y tonos que emplea, además de su excelente dominio de la guitarra, hace una composición muy curiosa, así como titánica de más de cuarenta minutos de música, si solo consideramos las Tubular bells I y Tubular bells II, cercanas a las grandes composiciones de su admirado compositor Jean Sibelius, y tomando como referencia la música experimental y un acercamiento a las matemáticas menos conocidas, como a la geometria no euclidiana. Luego también mostraria intereses en la astrofísica, en donde se ve su efecto con la publicación de su album “Voyager” y la evolución de la informática, en especial el tratamiento de la imagen por ordenador y el uso de sintetizadores y métodos de mezcla.

No solo las campanes tubulares fueron su gran éxito. Temás como “Traccia” de fuerte orígenes celtas, “Guilty” donde hace un guiño a la música proxima al disco, “Incantions”, algo denso y abigarrado pero muy interesante,los temas “Shadows in the wall” y “Moon light Shadows”, todo un clásico en la música pop rock, y las composiciones del disco “Guitars”, no tan admiradas por el público más fiel de Oldfield debido a su carácter casi minimalista, donde consigue sacar unos sonidos y utilidades a las guitarras muy interesantes, además de ser todo un homenaje a su padre, que también tocaba la guitarra e introdujo al joven Mike en su aprendizaje; además, gracias al trabajo de Mike se pudo experimentar el poder de las pastillas MIDI, y obtener sonidos de guitarras más limpios y mejor registrados.




Fotografía de Mike Oldfield.

Pero los Oldfield no son solo reconocidos por el talento de Mike; sus dos hermanos mayores, Sally y Terry también hicieron cosas muy interesantes; tenemos el grupo Sallyangie”, de clara influencia folck-hippie, en donde Mike mostró sus dotes precoces con la guitarra y Sally su talento como cantante, grabando temas como “baloons” y el album “Children of the sun”, y que tras dejar ambos el proyecto en 1970 se dedicaría a la música vocal de influencías de su tierra natal; Irlanda, publicando el tema “Mirrors” en el año 1980 y definiendo su estilo con esta pieza.



Carátula de “Absoluty chilled”, de Sally Oldfield (en la portada).

Terry Oldfield, famoso por sus composiciones para documentales así como su colaboración en la música “new age”, cuyo proyecto fue tan ambicioso como el de su hermano Mike; crear una música que, mediante el uso mínimo de sonidos, los cuales provienen de instrumentos o bien modificados, como las flautas diseñadas por él, o exóticos, tales como shitares indios, guitarras japonesas y usando sintetizadores muy potente, sea algo especial.



Fotografía de Terry Oldfield.

Su música, como bien él ya a propuesto en más de una ocasión, siempre se ha visto siguiendo un objetivo muy concreto; crear resonancias anímicas mediante la armonía, la progresión delicada y el uso de ondas que, apenas audibles para nuestro oido, nos situan en estados emociales muy claros y relajados, permitiendo a nuestra mente la oportunidad de pensar en cosas totalmente difíciles, pero que siempre son interesantes, ya que siempre mostró, como su hermano, un interes por la ciencia y sus efectos sobre el hombre. Siguiendo con la típica pregunta: “Si estuvieses en una isla desierta y tuviese que llevarte solo tres Cds (cosa que siempre me a parecido ridícula, a no ser que también te dejen una radio solar) , ¿Cuáles serian?”, mi respuesta sería: “La música instrumental de Brian Eno, recogido en un Cd editado por él, algo de Bob Dylan o Philip Glass, aun no lo sé, pero probablemente a Glass, y el disco “Yoga Harmonys”, de Terry Oldfield, que llevo escuchando desde años atrás.” y es que ese disco es de una claridad y una belleza que solo un problema de matemática discreta puede tener.

lunes, 23 de noviembre de 2009

Thelonious Monk+John Coltrane= Monk-Trane

Monk/Coltrane
Estos articulos sobre estrellas del Jazz son un pequeño homenaje a aquellos que son olvidados por el paso del tiempo, su poca gloria ,etc.
John Coltrane: A love supreme, un regalo para Dios.
John Coltrane es posiblemente el mas grande saxofonista de la Historia, junto con Bird, Pres y Bean.Nacido en 1926, Coltrane tuvo una infancia bastante humilde, puesto que era hijo de costureros. En el instituto fue donde aquel joven encontraría su afición: la Música, tocando en la banda del lugar el saxo. En los años cuarenta no le va especialmente bien, tocando en orquestas como la de Dizz y algunos grupos pequeños. Creo que es cuando conoce a Miles Davis, en 1955, cuando su carrera empieza a ser lo que hoy admiramos. El primer grupo se separo y conoció, en el 57, a Monk, aun hoy habiendo varias grabaciones de su encuentro en el "Five Spot". Vuelve a juntarse con Miles en el 58 y un año después graban el mas grande de los discos del Jazz, la obra clásica por excelencia, el disco que todas las familias tendrían que tener en su casa y no un feo televisor de plasma: Kind of Blue. Pero no es Kind of blue el disco que le daria fama a Trane, sino A love supreme.Junto con el joven McCoy Tyner (conocido también como Sulaimon Saud para sus colegas sunnies y hermano de Jarvis Tyner, del Partido Comunista.), Jimmy Garrison y Elvin Jones. Según John, ese es su regalo a Dios ( la historia es que Trane tuvo muchos problemas con las drogas y al parecer hizo lo que hacen mucho adictos: refugiarse en la Religion. Su abuelo tambien habia sido pastor...) y no podeis imaginaros que regalo tan sencillo: una suite, de tan solo 4 partes (de 10 minutos o mas cada una, algo natural en John), como lo haria una persona que verdaderamente creeria en Dios. Desgraciadamente, Coltrane apenas pudo disfrutar de la fama pues muere en 1967, unos 8 años despues de sacar el disco,de un cancer de higado.
Thelonious Monk: Abyde with me y Monk-Trane:
Thelonious Monk, nacido en 1917, sea tal vez uno de los mejores pianistas del bebop. Su cercania a la religion se debe posiblemente a que trabajo como organista en la Iglesia Baptista, aparte de actuar para un pastor alrededor del mundo. Pero todo cambia cuando trabaja con Kenny Clarke, el legendario bateria y pionero del bebop. Trabajo
tambien con musicos jovenes que empezaban a tener cierta reputacion, como Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Milt Jackson, Sonny Rollins... Y como cualquier musico, tuvo problemas con las drogas (lo detuvieron en 1951, por posesion de droga.Al parecer, esta pertenecia a su colega Bud Powell. Solo cuando conocio a Coltrane empezo a considerarle el publico el maestro que es en realidad.En las grabaciones de John y de Monk se muestra su religiosidad, especialmente en el pequeño himno Abyde with me. Por eso, Monk empezo a conseguir admiradores pero, como todos los musicos de verdad, murio en la mas profunda soledad, recluido por una enfermedad mental.

Humpty Dunty y determinantes. El gran genio de Lewis Carroll

Fotógrafo, pastor anglicano, dibujante, matemático, principal reformista de la lógica aristotélica, propulsor de la lógica del lenguaje y un escritor como muy pocos existen en la historia de la literatura inglesa. Así podríamos hacernos una idea de la flexibilidad que tuvo la capacidad de Lewis Carroll, escritor de, entre sus obras más conocidas, “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia detrás del espejo”, siendo el primero un auténtico clásico de la literatura universal.

Tras hablar de varios autores importantes, no nos podíamos olvidar de este gran monstruo, cuyo nombre en realidad era Charles Lutwidge Dodgson, pero que fue sustituido por el que hemos hecho mención antes al empezar a publicar. Y no nos podíamos olvidar de él ya que toda su obra, daba igual en que campo, siempre replanteaba lo que se había hecho hasta el momento. Y si eso no es arte, no sé qué más puede ser, ya que, como buen kantiano que soy, no se me podía pasar por alto aquellos que, como decía Baudelaire sobre su método de escribir poesía, sacado de palabras de Edgar Allan Poe, “es tan aberrante para muchos, y tan agradable y placentero para pocos.” En unos muy escasos 66 años de vida (ya lo he dicho siempre y no me canso de decirlo; a uno lo tiene que llamar viejo a partir de que cumpla 200 años. Todo lo que ha vivido antes, es de adolescente.) Dejó su huella en varios métodos de resolución de matrices de mayor orden que tres mediante adjuntos y en varios campos del algebra lineal, promovió de una manera alucinante el desarrollo de la fotografía, llegando él ha realizar muchos retratos, en especial de niños, pero que no son vistos con muy buenos ojos por la sociedad actual, por lo cual me entenderéis que no ponga imágenes de ellos. Lo hago por el respeto a todos aquellos que esas imágenes le violenten y no tener problemas que censuren este pequeño lugar. No obstante, me gustaría decir que, como dijo el mismo Carroll, en esos retratos no se mira a los niños con ojos lujuriosos, sino como seres, muy pequeños e inconscientes en un mundo que resulta a veces muy confuso y dañino.




Retrato fotográfico de Lewiss Carroll con una lente. La fotografía suponía para él un campo artístico tan curioso como la literatura o las matemáticas.

Aunque estas imágenes replantearon el hecho de tomar las fotografías, ya que se daba preferencia a la naturaleza y el retratado tenía como objeto siempre expresar algo más de lo que su imagen daba, hay gente, considerada equívocamente experta, que ven en ellas un oscuro rasgo de Lewis, que fue la pederastia, mas yo creo, en siempre mísera opinión, que están muy lejos de tener un haz, por muy pequeño que sea, de lascivia, y se ofrece una visión muy dulce de algo que hoy se escapa en nuestras manos, que es el respeto, el enardecimiento y la alegría que se ve solo en los niños, y no solo como embarazos no deseados, bocas para alimentar y lugar donde poner frustraciones, deseos no realizados y cánones morales que son imbéciles. Para que la imagen de Carroll no queden olvidadas en el rechazo y la aspereza me gustaría recordar una anécdota de la boca de Roger Water, guitarrista y uno de los fundadores de la banda Pink Floyd, y es que él uso como influencia para hacer el perfil de niños que no les dejaban en paz, ni en la escuela, a los que aparecían en las imágenes de Carroll, y pensaba que esas imágenes representaban la infancia como muy pocos lo han hecho, “ni siquiera Dickens” sentenció.

Mas centrándonos en asuntos más trascendentales, el trabajo del Lewis escritor también es más que digno de recordar. Aunque siempre se ha sostenido que las obras de Carroll no son más que historias para que los niños pasen las horas aburridas de verano, escuchándolas debajo de los sauces, tal como Carroll recitaba a los niños que lo acompañaban en sus excursiones, guardan una rebelde y muy gamberra visión del mundo y de las herramientas del



Dibujo de John Tenniel. Aunque la primera edición fue ilustrada por la misma mano de Carroll, Tenniel hizo los dibujos de “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia detrás del espejo” colaborando directamente con el escritor.

intelecto, además de un cuestionamiento sobre los principios lógicos que sostienen todo el planteamiento y estructura de nuestra vida, tanto intelectual como social. No se pueden olvidar escenas como la variación de tamaño de Alicia al ingerir un determinado alimento, o como la Reina de los naipes y la joven jugaban al cricket con flamencos y puerco espines, en vez de palos y pelotas, con lo cual se plantea que toda proyección que hace la mente no son más que tabulaciones que quedan siempre en ridículo cuando se plantea con otros elementos, rompiendo la invulnerabilidad de los principios logísticos aristotélicos. Y qué decir de cómo se ríe de la retórica, en las conversaciones de conejo y sombrero mientras tomaban el té (todo un puntapié a las tradiciones anglosajonas, siempre llenas de pomposidad.) en donde sombrero perdía toda cordura argumentando sobre lo que él consideraba como lógico. Cuantos momentos inteligentes. Lástima que la mala comercialización de las obras de este y la constante visión infantil y problemática, siempre incorrecta y exagerada del todo, sobre la obra y persona de Carroll, la aparten de las manos de adultos y jóvenes, cayendo estas, tal como le pasó al trabajo de otro escritor fantástico, James Barry, y su obra teatral “Peter Pan”, que en vez de tomarse en serio se consideraron durante mucho tiempo (y aun hoy sigue siendo como “demasiado ocioso”) como libros para niños a veces “deficientes” de seriedad y argumento lógico, sometidos a dichosos cánones estéticos. Lástima que se enfoque así.




Dibujo de Lewiss para la primera versión de “Alicia en el país de las maravillas” en el capítulo del torneo de cricket con flamencos y puercoespines, que llevo por nombre “Alicia bajo el subsuelo”. Si queréis ver más dibujos y fotografías de Lewiss, lo podéis hacerlo en la página web: www.guiascostarica.com/alicia

miércoles, 18 de noviembre de 2009

“Mamá quiero ser Bruce Nauman”

Hará ya un tiempo atrás, en el penúltimo urbano que me lleva a casa después de salir de la universidad, me encontré en el autobús con una madre y su hijo pequeño, tendría unos siete años, y, regañándole la madre al niño, este le salta, sin ton ni son (creo que ella le decía algo relacionado con portarse bien en el autobús o no pelear con sus compañeros de clase, no lo recuerdo bien), diciendo que “quería ser como Picasso, para hacer lo que yo quiero”. Esta expresión me llamó mucho la atención, como un retaco de menos de un metro va y dice que quería ser como Picasso, y más aun para hacer lo que quisiese, no llegaba a entender por qué lo dijo. Después de una torta monumental, la madre le explicaba a la que iba a su lado que el niño tenía una profesora “muy joven e inconsciente”, puntuó, que les había enseñado que Picasso hacía lo que quería y todos los escándalos donde se metió, además de darles fotocopiadas una obras de él “el colmo de lo grosero y lo atrevido” dijo bastante sufrida la madre. Esto me hizo plantearme dos cosas: saber quién era esa mujer y conocer sus intenciones, y la otra fue qué le diría yo a esa mujer si yo fuese el niño. La respuesta me llegó en un nanosegundo: “Mama, quiero ser como Bruce Nauman.” Y probablemente el argumento sería el mismo.
El trabajo de Nauman me ha hecho antes escribir sobre él. Ya sabéis por leer un artículo anterior que su formación en matemáticas, física y música, antes de dedicarse al arte, me llamo mucho la atención, pues adquirió una sólida base lógica y formal que luego le haría destacar por encima del resto de artistas conceptuales.




Curiosísimo retrato de un ya mayor Bruce Nauman.

Trabajo con diversos materiales, entre los que se encontraba las estructuras minimalistas, el video arte y los performance. Mención aparte merecen sus estructuras de neón, en donde emplea los juegos semánticos, al igual que Kosuth, o bien adquieren un toque más expresionista, mas en donde existe una profunda reflexión sobre lo que le rodea y que es lo que como artista y persona, se encuentra día a día.

Mención en especial merece la obra “Dead and sex” en donde aparece un grupo de siluetas luminosas de figuras separadas en dos grupos en donde cada uno de ellos se hacen daño y realizan actos obscenos, en un estúpido bucle infinito. Esta obra, más irónica que obscena y grotesca, podría representar perfectamente los primeros versos del tema “The Future” de Leonard Cohen o una de Dylan, como “Desolation row” o “Tombstone blues”, pues representa como el dinero, la codicia y las ganas de obtener todos los placeres que la sociedad dicen que son buenos, llevan al hombre social, porque está en grupos, donde apenas pueden separase los contornos de una figura y otra, a hacerse daño y destruirse. Toda una crítica que muestra como el pensamiento marxista crítico había influido en el trabajo de artistas conceptuales, dejándole un importante puesto en su producción.



“Sex and Dead” obra en neon.

El trabajo de Nauman abre una reflexión muy importante. Generalmente, el arte experimental y muy especial el matemático, se considera como un “algo” siempre separado o inconsciente de los problemas que nos afectan a diario, siendo su trabajo como un resultado alienante. Nauman demostró, como Duchamp, que si su trabajo, fundamentado en los principios físicos y lógicos de la matemática tenían su utilidad social, y era la de la crítica, con o sin ironía, de todo aquello que no le gusta en nada al artista y que sin embargo reina en el mundo, tal como mes la violencia, la corrupción, el destrozo del medio ambiente, el abuso del poder y todo aquello que está relacionando con esto. La matemática y la ciencia no están separadas de la realidad que les ha tocado vivir, ya que de sus cambios y transformaciones dependerán la orientación temática y los medios que vayan a obtener para su perpetuación. Lo mismo pasa con el arte experimental. Todo lo que se ha dice sobre esto resulta ser siempre un poco dudoso e infantil, ya que no existe ninguna base, y más de la mitad de las explicaciones se basan en prejuicios tan irracionales que dan vergüenza escucharlos. Cuando Nauman decidió, dentro del grupo de artistas conceptuales, tratar con temas ya relacionados con las imposiciones físicas que se nos imponen constantemente en la sociedad moderna y qué es lo que debería hacer un artista.








“Dead and live” otra obra de Nauman. Aqui se la puede ver apagado, mostrando toda la estructura técnica con la que funciona (arriba) y como resulta ser al iluminarla (abajo). Esta obra muestra, aparte de los dominio de Nauman sobre las herramientas estructurales del material usado y sus conocimeintos en física, como dominaba las matemáticas con bastante soltura. Este es un ejemplo perfecto de “permutaciones”: es decir, si suponemos como conjunto tods los verbos escritos en infinitivo anglosajón y luego otro conjunto de ocho colores, vemos como transmuta estos elementos mas permitiendo que a cada elemento del conjunto anterior le corresponda uno aplicando una función lineal.. delirios matemáticos de uno.

No obstante el trabajo de Nauman no se queda solo en la ironía social. Al igual que Kosuth o Eva Hesse siempre buscó dar al minimalismo una nueva dimensión, acercándose al arte conceptual y entrado por la puerta grande, considerado por sus contemporáneos como uno de los grandes. Entre sus composiciones destacan muchísimas obras de neón donde pone frases o símbolos de apariencia absurdos o redundantes, pero que el concepto y las relaciones que guardan semánticamente o gráficamente tienen todo el sentido del mundo, o que si uno se para a pensar puede ver como el ejercicio de reflexión sobre esa obra le permite crearla y entenderla, haciendo que el espectador también intervenga en el proceso creativo. Esto le acerca a una dimensión más seria del arte, que busca meditar y dar respuestas a antiguos dilemas y teoremas que se han considerado siempre como propios del arte y resultan que son algo insignificantes.



“Yes Bruce Nauman” neón, material textil y electrónico y hierro. Aquí los términos están vacios de un significado propio y apenas tienen algo que ver en una construcción narrativa. No obstante, ahora tienen algo que ver con la escultura y el entorno, ya que les ha dotado de colores y formas distintas.