martes, 30 de junio de 2009

Tratado de análisis sobre las características y fundamento del arte experimental.

Tratado de análisis sobre las características y fundamento del arte experimental.

¿Qué es el arte experimental?, ¿Una etapa en la carrera de un artista en la que obtiene ciertos resultados y descubrimientos que usará en su obra consolidada, tal como hicieron muchos pintores cubistas?, ¿estos artistas tienen obras “definitivas, “de exposición”? Estas son algunas de las preguntas que se me han hecho cuando hablo de mi trabajo con gente que tiene un numero bastante notable de conocimientos artísticos. Ellas, sobre todo la primera, me pueden servir como guía para crear unas características que determinen este estilo artístico, muy próximo al constructivismo, al suprematismo, al arte cinético y óptico y al minimalismo mas que no comparte ciertos valores de ellos y busca otras cosas. Podríamos hablar de arte experimental con los siguientes argumentos:

· En primer lugar, esto no solo incluye una etapa de la carrera de un artistas, sino que, cuando alguien se consagra a esta experimentación lo hace para toda su vida, al igual que el científico, en donde la experimentación sobre ciertos axiomas, aspectos o fenómenos es el 99% de su vida y labor.

· Es un arte que reflexiona a su vez de meta-arte y metafísica; lo primero porque se reflexiona sobre las bases y fundamentos de cualquier lenguaje artístico, explorando sus limitaciones y sus aciertos, dándoles un respuesta racional, que no ha sido formulada de manera correcta anteriormente. Cuando menciona “metafísica” no lo hago con fines ni místicos, ni religiosos; aquí quiero expresar lo que no nos es visible por su naturaleza teórica, tal como pueden ser las figuras imposibles, los cuerpos geométricos perfectos o simplemente aquello que no percibimos con el aspecto irracional de la mente. Todo ello no es quimérico, parte siempre de las ideas y conceptos matemáticos.

· Los argumentos manejados en este estilo son los matemáticos y físicos, y los que se elaboran con el fin de explicar o esclarecer el trabajo, han de ser construidos como estos, pues permiten la multiplicidad de argumentos con el fin de entender un axioma y permite incluirlos de manera que ninguno sea falso o inútil. Esta capacidad de integración, la lógica indudable de los axiomas y su rigor, hace que podamos barajar tanto principios matemáticos como aquellos que hemos elaborados de manera racional y acorde con la situación, por lo que ninguno de ellos ocupa un orden de preferencia, ya sea de superioridad o inferioridad entre ellos.

· La belleza no queda excluida de las composiciones, incluso aquellas que se intente dar un toque crítico o satírico; mas no se habla de una belleza orgánica aleatoria, ni basada en los cánones modernos o antiguos. La belleza viene dada por la armonía y el orden, siempre matemático. Así pues, la armonía y el orden que hace posible esta belleza, no se encuentra en el orden y belleza natural, en la canónica de no importa que siglo, puesto que esto representa todo lo contrario de lo que aquí se persigue e impide una meditación sobre sus fundamentos.

· La belleza que se persigue, las conclusiones y algunos de los argumentos, no proceden de la aplicación del número a nuestras ideas, sino que estas se construyen “desde el número”, al hacer esto, libramos a la obra de arte de los argumentos y procedimientos de creación clásica. Cuando tomamos como punto de origen el mismo número o el argumento, podemos hacer un análisis del problema de manera detallada y dar las respuestas convenientes. Mas para ello, es necesario entender la naturaleza, las capacidades y límites y el lenguaje sobre el que se construyen estos axiomas y no quedarse con su aplicación practica o su representación visual, con el fin de hacer más ágil y fácil la investigación.

· En esta rama, no se obtienen obras “definitivas”, destinadas a su exposición y venta y mucho menos a la creación de “obras únicas”. Qui, el serialismo en la producción de obras, tal como el estilo Bauhaus, el minimalismo o el constructivismo, permite explorar y describir con todo detalle el proceso de elaboración de la obra y el de experimentación, que han dado resultado a esa pieza. Por otra parte, la posibilidad de que otra persona que tenga unas observaciones sobre un aspecto de la investigación distinto y quiera partir de alguno de los resultados a planteamientos a los que se llego, es totalmente libre de hacerlo, sin ninguna serie de inconvenientes legales ni jurídicos, es decir, existe una “Ley de cambios” (Oteiza) común a toda producción de este estilo y sería la siguiente: todo objeto o trabajo producido como método de investigación puede ser continuado por otro artista que utilice una serie de argumentos lógicos que justifiquen su aportación y que no altere el propósito perseguido hasta transformarlo totalmente, aunque esto se anula inmediatamente cuando se ve la posibilidad de investigar sobre otros aspectos a los que el primer trabajo puede dar resultados.

· El lenguaje empleado en los medios de expresión tanto plásticos (escultura, pintura y también fotografía o cine) ha de ser el geométrico, pues permite trabajar con mayor claridad y sencillez formal los problemas que nos proponemos, además de que estos representan la armonía y el orden que nos permite crear la belleza que buscamos.

· Toda disciplina artística, sin excepciones, permite crear campos y herramientas de investigación. No obstante, la elección de que medio desarrollar de manera más frecuente y el que será clave en la investigación, estará determinado por el medio que nos de más capacidad de abstracción. Así pues, el nivel de abstracción de los medios artísticos viene dado de la siguiente manera:

1. La pintura, puesto que su carácter bidimensional permite desarrollar todo lo que nos propongamos. El aspecto negativo de este medio es su gran cantidad de limitaciones físicas y técnicas.

2. La escultura, pues aunque se vea sometida a las leyes de la física y esto no permita explorar al máximo ciertas preocupaciones propuestas en los diseños bidimensionales, sí es cierto que ofrece posibilidades imposibles en la pintura al incorpora una dimensión más. Aparte de eso, la posibilidad de incorporar el vacío físico en la composición y darle un carácter tridimensional hace que la obra sea comprendida y admirada por más gente, generalmente, que en una pintura.

3. La poesía y la novela, pues aunque a veces rocen lo puramente ideal e incomprensible, el lenguaje hace que dependan de la concepción de la realidad de manera más rigurosa que en la pintura y la escultura por la doble composición del lenguaje de “significado”/”significante”.

4. La fotografía, pues permite trabajar con entidades abstractas utilizando cámaras de rayos X, fotografiando cuerpos simétricos o simetrías naturales o usando el fotocollage. No obstante, es un medio que permite una abstracción muy limitada y no tan interesante como la pintura y la escultura, puesto que su naturaleza no es analítica (eso fue posible gracias a la incorporación de las cámaras especiales de Marey y Muybridge, y su uso es muy limitado), sino descriptiva, por lo que habría que replantearse otra vez lo que es la fotografía.

5. El teatro, aunque existan toda clase de experimentos vanguardistas de renovación, en la escena es necesario la presencia humana y esto hace que no se produzca una obra de teatro abstracta en su naturaleza. No obstante, se podría hacer un esfuerzo para crear una obra de teatro donde no tuviesen nada que ver los actores y las palabras no sean el único elemento de progresión de la obra.

6. El cine, este creo que es el medio que menos abstracción ofrece, pues, al igual que la cámara de fotografía su función es puramente representativa y no analítica; así pues se han buscado distintas formas de explorar la imagen grabada ya sea deformándola, creando historias de reflexión o jugando con el tiempo, mas es muy difícil abstraer con los resultados de la investigación.

Mas ahora, que se ha discutido sobre la capacidad de los medios de expresión y se ha caracterizado este estilo, nos toca ver hacía donde se dirige nuestra investigación, cuales van a ser las señales que seguir nuestra labor y sobre que va a basar el uso de las teorías científicas y nuestras propias teorías y leyes; es decir sobre que fundamentos vamos a trabajar y vamos a investigar. En cualquier labor científica, la investigación se centra en unos objetivos. Nosotros, además de explorarlos, vamos a utilizarlos para centrar en unos parámetros determinados nuestras obras, además de lo que podemos obtener en nuestros experimentos. Claro, otro problema que solucionar es que fundamentos vamos a tratar. Después de muchas meditaciones, he encontrado cuatro que afectan tanto en el arte y en la ciencia como en la realidad cotidiana de cada día. Estos son el Tiempo, la Forma, el Espacio y el Color. De la Forma de las cosas, de la sociedad y de los componentes de los seres vivos así como de los elementos más ideales, científicos, artistas y filósofos han buscado siempre distintas respuestas. El Tiempo es la magnitud física que más ha llevado a los artistas y los científicos de cabeza, en especial en este último siglo, con la aparición de la teoría de la relatividad y el principio de incertidumbre, por ejemplo. No obstante no hace falta ser un erudito para percatarse de cómo el tiempo nos influye, pues su paso, su entendimiento y también su malgaste nos presenta una serie infinita de conocimientos y frustraciones de los más variadas. No obstante, ninguno de los cuatros puede excluirse de los restantes, puesto que entre ellos existe una dependencia entre ellos, totalmente necesaria. Por ejemplo, aunque siempre se ha reconocido la Forma y el Color como pilares básicos de la pintura, pero se descubrió en el siglo XX que el Espacio y el Tiempo están conectadas con las anteriores de forma recíproca; y con la escultura pasó lo mismo.

Lo que si debemos tener en cuenta durante nuestro proceso experimental es que las variables nos permitan trabajar de forma cómoda, sabiendo a lo que queramos llegar. Por ejemplo, si vamos a estudiar el espacio no recargaremos el experimento con muchos elementos y muy coloridos, sino que emplearemos los elementos que menos complicaciones presenten, tal como pueden ser los polígonos o los sólidos regulares, todos ellos con dos colores o solo uno, etc. así pues, si nuestro objeto de estudio es la forma, no recargaremos con elementos que distraigan la composición principal, y nos limitaremos con el color para que la vista trabaje lo menos posible. A esto lo llamo “Ley del control de variables”, que consiste en la subordinación de las variables para las que estemos trabajando, con el fin de no manipular el fin de nuestra labor. No obstante, no existe una superior o inferior a las otras; todas ellas son necesarias.

Estos cuatro variables-fundamentos-principios los llamo fundamentos básicos o esenciales, pues son los que van a encaminar, delimitar y justificar nuestro trabajo. No obstante, no son los más importantes; existen otros dos sobre los que siempre se han basado el arte: lo positivo y lo negativo. Esto viene ha decir a grandes rasgos “lo que hay porque es” y los que “no es ser”. Podemos reconocer esto en todas las disciplinas artísticas; por ejemplo, en la escultura, los elementos positivos son las formas materiales, los elementos esculpidos; el negativo vendría aquí por lo que no es esculpido, el espacio físico donde la estatua esta situada y el que la engloba. Mejor se percibe esto en la fotografía; lo que deseamos de ella es que capte la luz y eso nos lo muestra el negativo.

No digo que los elementos negativos sean olvidados, sino que se sepan integrar; ya el arte de los siglos pasados se han encargado de imponerles todo tipos de tabúes y normas constrictoras, recargando el arte de elementos y concepciones totalmente inútiles y falsas, y creando un apego por la materia exaltado. Si no llega a ser por el arte moderno, poco habría que comentar. Lo que pretendo es ser conscientes de que la sistematización y control de estos elementos son los que hacen progresar el arte y lo hará evolucionar tal como lo ha hecho hasta el momento. ¿Podría la pintura ser la misma que la de Caravagio, el realismo burgués que sale en los manuales de pintura o el impresionismo tardío, después del paso de Kandinsky?,¿Se debería seguir creando estatuas sin tener en cuenta la labor de Calder, Gabo u Oteiza? La respuesta es no, imposible. Así pues, lo mismo que hemos dicho con los cuatro principios que son, lo mismo pasa con el opuesto a lo que empleamos, siempre con orden y control, haciendo que este consiga añadir a la composición lo que deseamos, pues si no se regula su uso, podemos fallar el experimento. Ambos conceptos juega la misma importancia que el acondicionamiento del lugar del trabajo en la labor científica; si se llena el laboratorio de variables, de magnitudes que no controlamos, no sacaremos ninguna conclusión en claro; por otra parte, si trabajamos con muy pocos elementos y todo ello en un espacio tan pasteurizado que nuestra labor se ve reducida a lo más básico, no podremos explotar al máximo nuestra creatividad. Como todo, hemos de hacer que ambos tipos de fundamentos interactúen correctamente sin que ninguno de ellos entre en problemas ontológicos.

Disciplina artística

Elementos positivos

Elementos negativos

Pintura

Rectas, puntos, planos, espacios formado por ambos. El color contribuye.

El color de la superficie. Insinúa que no hay nada

Escultura

Material esculpido

El vació físico. La atmósfera.

poesía / narrativa

La palabra, los signos las imágenes, los símbolos.

El soporte. También todas las construcciones lingüísticas en las que se haga ilusión a el vacío o la nada.

Teatro / cine

El color, las formas, la materia de los objetos usados y la de los actores, el tiempo de los diálogos, la palabra, los actores.

El silencio y el vacío de elementos visuales. El vacío en la escena.

Fotografía

Las formas, los colores, la luz.

Vacío de elementos y la presencia del soporte de la imagen.

Música

Todos las estructuras musicales, el tiempo de los sonidos.

El silencio.

Tabla que recoge los elementos que son y no son de las disciplinas artísticas expuestas al principio.

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