viernes, 27 de noviembre de 2009

Un mago utilizando la ciencia. Harry Houdini

La prestidigitación, el escapismo, la telepatía, la lectura de la mente, la desaparación y la metamorfósis… Un buen espectáculo de magía siempre lleva algo de esto, a veces todo, pero esto no es magia, es mecánica, habilidad, e incluso matemáticas (muchos trucos de cartas y los que utilizan números se basan en ellas). Aunque parezca evidente, hay gente que piensa que esto y otro montón de cosas más, son en realidad productos dehabilidades y fuerzas sobre humanas. Lo que pasa es que hace ya casi un siglo que nadie ha dicho a estas personas que se equivocan, tal como hizo Harry Houdini, a la sociedad de finales del XIX.

Erich Weiss, el nombre que Houdini empleó al llegar a los Estados Unidos, de origen húngaro, cuyo padre era rabino, designado en América para dirigir una nueva congregación. Aunque el joven Houdini tuvo que trabajar desde muy joven para ayudar a su padre, madre y cinco hermanos con la cantidad de , descubriría muy pronto que los números circenses eran su vida, al ver una actuación del mago Dr. Lynn, y entonces comenzaría a hacer una seríe de espectáculos callejeros de contorsionísmo. Harry Houdini, nacería cuando cayo en sus manos un libro de memorias del mago Eugéne Robert-Houdin, y comenzaría una dedicación ya casi total al mundo de la magía, antes de una temporada como trapecista, durante la cual pudo desarrollar su resistrencia física de una manera importante, y que sería uno de los puntos clave para su trabajo posterior. Ya desde el comienzo, actuando como un prestidigitador chistoso, Houdini rechazaba que el mundo de lo sobre natural era el que determinaba o tenía que ser necesario para realizar el espectáculo; para él, era un medio de contaminar la mente de sus espectadores. En sus espectáculos de escapismo y desaparción, lo que se denomina entre magos “metámorfosis”, el consideraba que lo importante era la resistencia física y el conocimiento sobre las propiedades físicas y estructurales de las cadenas, baules y cántaros gigantes de leche, en donde se sumergía hasta el fondo. Su habilidad para hacer cerraduras trucadas la consiguió mediante el estudio de textos sobre estructuras que obtenía en los libros de sobre las propiedades físicas de estos, además de una asombrosa capacidad de ocultar las llaves en cualquier parte de su cuerpo.



Fotografía de Harry Houdini y los candados que abría sin dudar dos veces. Con el tiempo, el escapismo no tuvo ningún secreto para él.

No obstante,sería al morir su madre, a quien mostraba un afecto especial y cuya pérdida hizo que cayese en una depresión profunda, cuando se propondría de verdad luchar contra los falsos mediums que venían hacía el para ofrecerle la oportunidad de ponerse en contacto con ella, y contra aquellos que utilizaban sus supuestos poderes sobrenaturales para llenar sus bolsillos. Saboteando espectáculos de espiritismo, poniendo falsos códigos, como el que le propuso a su mujer en su lecho de muerte en el año 1926, y que, a pesar de esperar diez años después de su fallecimiento, no ningún medium que se propusiese conectar con él, consiguío más que ponerse en ridículo gracias a la trampa que Houdini había dejado al morir, o bien poniendose en contacto con la comunidad científica inglesa y americana, ayudándose de sus publicaciones en la revista “Scientific American”, en cuya redacción era siempre bienvenido y muy admirado por los autores y los colaboradores de la revista, que a veces era citado como el “paladín de la causa positivista”, alguno cuales llevó hasta el congreso de los Estados Unidos, para que apoyasen sus argumentos frente al Tribunal. No obstante, su actitud materializó amistades como rechazo, por ejemplo el escritor Sir Arthur Conan Doyle, que sí creía que los fenómenos paranormales estaban rodeandonos, le parecío muy molesto el trabajo de su amigo, así como a otros escritores como Charles Baudelaire, que le acusó de trabajar para las colonias británicas, y también fue anatemizado como espía de los Estados Unidos en los paises que visitaba, como Francía, Rusia o Alemanía.



Cartel de la película “El último gran mago”, estrenada en el año 2007 por Gillian Amstrong, y que cuenta en el reparto con un genial Guy Pearce, Timothy Spall y Catherine Zeta –Jones. También se hace algunos guiños a Houdini, en especial a su colaboración con científicos e ingenieros, en la película “The Prestige”, que cuenta con Hug Jackman, Christian Bale y Scarlett Johansson en reparto. Aunque ambas no son al 100% verídicas, es cierto que muestran mucho parecido con su vida, además de ser todo un homenaje al mismo mago, que adoraba el cine, los procesos de elaboración de una película y que luego participaría en varias de ellas, ya que siempre había sentido una atracción hacía el género de aventuras.

Cierto o no, lo importante es que Houdini sí que realizó un trabajo muy importante, y fue darle a una sociedad que, inadaptada aun a los progresos tecnológicos a los que había llegado aun creían en mitos y fenómenos que eran propios del más profundo medievo, y le dio a la ciencía, en especial a las matemáticas, la física y la ingeniería, que contaba con el trabajo de Maxwell, Riemman, Felix Klein, Poincaré o Watts, y decir que eran productoras de bellezas y capaces de generar espectáculos maravillosos, donde el hombre podían hacer lo que quisiese, apoyandose en la misma realidad. Con Houdini lo imposible, lo que nos genera expectación, como el salir de un recipiente lleno de agua, o caer de un rascacielos mientras se desabrocha una camisa de fuerza, es posible gracias al entendimiento de las leyes que hacen posible esos movimientos, esos efectos. Para resumir, nos mostró que con los conocimientos correctos, aquellos que nos hacen reflexionar sobre los hechos y no solo contemplarlos, podemos hacer lo que queramos.

jueves, 26 de noviembre de 2009

Charlie Parker: un pájaro fugaz.


Charlie Parker y Dizzy Gillespie, izq.
Charlie Parker (1920-1955), es considerado uno de los mayores saxofonistas del jazz y un precursor del bop o jazz moderno. Conocido como Bird, Parker era hijo de una enfermera y de un bailarín y cantante que abandonó a su familia cuando Charlie tendría apenas 10 años. Dejo pronto el colegio, a los 13 o 14 años, y fue tocando allí y allá, sin tener un rumbo fijo, participando en algunas orquestas. Es cuando conoce a Dizzy Gillespie, en 1940, estando con la orquesta de Jay Mcshann, y en el 44 los dos músicos empiezan a trabajar juntos. En sus grabaciones, se puede escuchar como Bird rompe con los esquemas de la Musica de aquel entonces. Los repetitivos temas de swing, que eran siempre los mismos interpretados por diferentes orquestas, habian anclado el destino del jazz, convirtiendolo en un estilo soso que tan solo servia para que los blancos de clase acomodada bailaran bebiendo martinis, en sus clubs de campo, donde habian mayordomos negros. No seria en ese ambiente, no, donde la verdadera musica moderna empezaria a nacer. Seria en los garitos oscuros y marginales donde los negros y blancos pobres irian a ahogar sus penas en whisky y a pasar un buen rato antes o despues de volver a sus trabajos como barrendero o camarero. Serian unos jovenes musicos afroamericanos y latinos los que construirian la musica tal como la conocemos hoy, que por sus ganas de cambiar la musica y su condicion ( estos musicos se empezaban a quedar sin trabajo en las orquestas de swing y no tenian donde ir). Por eso surgio lo que hoy conocemos como be- bop o jazz moderno, que Kenny Clarke tuvo la amabilidad de contarnos su significado :
" En realidad, la palabra be-bop no significa nada, solo es una etiqueta que pusieron los periodistas a nuestra musica. A nosotros nos habria bastado con llamarlo moderno."
Otros lo explicaban diciendo que era el sonido de la cabeza de un negro al ser aporreada por un policia blanco, uno de sus principales enemigos junto con los politicos conservadores. Sea como fuere, Parker revoluciono toda la musica de aquel entonces. Y como no, hubo voces que decian que el be-bop no era jazz ni era musica... claro que, entonces, ¿ que es para ellos el jazz? ¿El swing blanco, acaso? Por supuesto que se equivocaron, y fue gente como esa la que puso a Nixon o a Reagan en el poder.
Siguiendo con Parker, el pobre vio frustrada su carrera por culpa a su adiccion a la cocaina. Estuvo una epoca en rehabilitacion, y salio en 1947. A partir de entonces, dio numerosas giras en Europa y America, grabando discos, etc. Hasta que, en 1954, a los 3 años de edad, su hija Pree Parker muere por una neumonia. Es entonces cuando Parker empieza una etapa autodestructiva, tomando grandes cantidades de alcohol y drogas. Se intenta suicidar dos veces y, en 1955, muere finalmente, a los 35 años de edad, por un colapso cardiocirculatorio.
Discipulos y admiradores de Charlie Parker:
Parker tuvo numerosos discipulos, entre ellos, uno en especial, Jackie Mclean, pudo hablar con Parker una semana antes de morir. Cuenta Mclean que Parker, despue de un concierto le dijo algo como esto:
" Mirame, Jackie Mclean. Soy Charlie Parker y estoy pidiendo unos centavos para beber algo (...)
Dame una patada en el culo,"
Jackie Mclean se puso nervioso y le dijo que no, pero Parker siguio y le dijo:
"Quiero que me des una patada en el culo por haberme dejado llevar hasta este estado..."
Mclean le da la patada y Parker le recomienda lo siguiente:
" Jackie Mclean, nunca dejes que te hagan esto."
Seria la vida de Parker lo que haria que Julio Cortazar escribiera El Perseguidor, libro donde un tal Johny Carter, saxofonista de jazz, muere por las mismas circunstancias que Parker...
Tambien, Clint Eastwood dirigio una pelicula llamada Bird, que trata de lo mismo.
Bird y Miles Davis, derch.

La faceta minimalista de Mark Knopfler. Cal



Fotografía de Mark Knopfler y sus guitarras.

Grande, muy grande, es este músico, siempre con ganas de experimentar con lo que la gente cree que no sirve para nada en especial, o simplemente pasa de ellos porque son muy dificiles de usar. Pero hay un trabajo de sus muchos discos de estudio que alcanza un nivel de complejidad y belleza como muy pocos consiguen al menos desear. Se trata del disco “Cal”, que recoge las piezas grabadas por Knopfler para la película del mismo nombre del director irlandes Pat O´Connor, basada en la novela de Bernard MacLaverty y que narra las aventutras de y desdichas del joven Cal, interpretado por John Lynch, miembro del IRA, que desarrolla una relación amorosa con Marcella, con una agil Hellen Mirren en su piel, una mujer extremadamente católica y viuda de un agente protestante del orden muerto a manos de la banda.



Portada del vinilo y del actual Cd de “Cal”, grabado en el año 1984.


Aparte del interesante planteamiento de la película y la denuncia de la violencia y desorden acaecidos en ese país por culpa de la intolerancia religiosa y la alienación de sus habitantes, incomprendidos por el estado centralista inglés y que lleva a muchos jóvenes a entrara en el círculo del IRA, la banda sonora de la película muestra una característica muy peculiar en la tradición del cine en dar preferancía a las grandes orquestas y los sonidos titánicos, o bien en emplear música que se escucha con mucha frecuencía, como hacen las comedias adolescentes y amorosas; con un grupo muy reducidos de músicos (creo que una gaita, un violin, alguna flauta y una bateria en contadas ocasiones), llegando el mismo Mark a ejecutar las melodias para la guitarra como solo él puede hacerlo, con una suavidad y un estilo muy depurado y fresco, mas sin caer en la pomposidad y lo recargado, llegó a elaborar unas piezas muy bellas e inteligentes, que no abandonan el espiritu alegre y muy melódico que es el que posee la música irlandesa. También es muy interersante ver como se plantea el disco: partiendo de un mismo tema, comenzado siempre por el violín, se va aumentado o acortando progresivamente, de una manera organizada y serial, como si fuese una sucesión de términos matemáticos. Se hizo una cosa muy parecida con la banda sonora de “El último mohicano” mas no tiene el mismo y genial efecto que “Cal”, además de no usar melodias tan complejamente sencillas (si seguimos a Morris) que utiliza el genial músico . El resultado de ellos es como una pieza para cámara de Mozart, muy intima, hogareña, pero con un componente intelectual que la hace única y que muestra como determinará el trabajo de Mark para el futuro, siendo uno de los rockeros con untrabajo muy interesante e inteligente, que nos dejaría joyas como “Sailing to Philadelphia”, uno de los discos más interesantes del rock que existen, ya que ofrece una música muy meditada y elaborada, proxima al minimalismo más formal..




Lista de los temas del disco “Cal” y la fotografía de un joven Knoplfer, año 1984.

Joyas para pensar. Elizabeth Sandoval.

Me gustaría agradecer a la propía artista, Elizabeth Sandoval, el apoyo y revisión de los textos, así como le facilitamiento de las imágenes, para terminar con éxito este ejercicio de pensamiento.

En mis vacaciones en Pamplona, a veces suelo ver los escaparates de joyas, ya que la disposición de los elementos que hay en ellos es siempre muy atractiva, ya que se colocan de tal manera que se generen reflejos y brillen con mucha fuerza, creando una serie de campos de color y de reflejos muy llamativos. Es muy bello ver como esas piezas generan estos colores, mas pasa como un televisor; es bonita la imagen que sale de ellos y no el objeto. Las joyas llenas de pomposidad y de ornamentos y de materiales tan nobles que solo su presencia resultan empalagosas. No obstante, también la bisutería siempre ha resultado como algo tan cuestionable que a veces parece como si el que hiciese algo con eso estuviese desganado. Así pues, tenemos dos campos muy distintos y a la vez que se destruyen; la joyería cara y muy elevada, pero cargada y muy poco “honesta” en sentido artístico (si a ello le sumamos la cantidad de sufrimiento ajeno que lleva obtener diamantes, oro, plata de gran valor, platino, etc.) Y luego tenemos un esperpento de creación, ordinario y que hace que la misma persona que lo lleva sea auto cuestionada por un objeto, lo cual a veces resulta tan irónico.

Mas estas reflexiones no son caprichos de alguien que se propone hacer un ejercicio de razón para pasar el tiempo. La joyeria siempre ha resultado una rama de la escultura. Desde las coronas visigodas hasta las creaciones de Calder en el campo del diseño, muestran que la capacidad de detalle y de la conjugación formal pueden ser muy rigurosas a contemplarse a escala reducid, y generar unos efectos especiales muy ricos e interesantes. Así pues tenemos que una joya puede ser un objeto desencadenante de una reacción intelectual, y tener la misma importancia que una escultura. Y hoy en día encontrar a alguien que consiga crear una joya escultórica es muy difícil, por eso me gustaría hablar hoy de Elizabeth Sandoval.



Fotografía de Elizabeth Sandoval.

Esta artista, formada en la escuela Llotja y graduada en Artes Plásticas y Diseño en la especialidad de joyería, ha conseguido depurar un estilo muy semejante al de Calatrava y respondiendo al lema del arte minimalista “Menos es más” de Mies Van Der Rohen, es capaz de crear unas bellas estructuras utilizando materiales tales como la plata y las más variadas técnicas de modelaje para crear bellos detalles. Es interesantísimo ver cómo, abandonando el prestigio de los diamantes y el uso de geodas y sus correspondientes formas, consigue usar las superficies onduladas de una manera casi única, ya sea ondulándolas hasta obtener formas semejantes a peces o flautas, o superponer laminas con una determinada forma, creando unas superficies perfectamente armonizadas en tamaños y detalles, o bien empleando elementos lineales, tales como varillas de plata, siempre bien vistos a ojos de los minimalistas y artistas conceptuales, que rompen con la pomposidad del oro. Así pues, en vez de cegarse uno con las propiedades de la joya, le permite reflexionar sobre el espacio y la materia, como en la simetría y en la armonía de los elementos que se usan, recuperando las propiedades escultóricas de los elementos. Esto se puede ver en algunos momentos de su método de trabajo, en el que almacena varias formas elaboradas antes de tener una finalidad dentro del proceso de fabricación del objeto decorativo, tal como hacía Jorge Oteiza con las cartulinas que recortaba para sus collages, guardadas muchas de ellas sin usar en un estuche.




En esta pieza vemos como la forma se asemeja a las estructuras de Calatrava, utilizando múltiples pliegues, superficies onduladas y un bruñido especial en las piezas.

Pero a diferencia de muchos artistas de este campo, no solo se queda en mejorar un aspecto a trabajar dentro de la ontológica del arte, sino que con su labor, colabora con varios proyectos solidarios, por ejemplo, con la Asociación de Arte Ocre y Oro para recaudar fondos y destinarlos a la Fundación Alcer, que ayuda a los enfermos de riñón, y donando piezas para la para apoyar a los enfermos de esclerosis lateral amiotrófica.

Para conocer a esta curiosa creadora podéis acercaros a ella a través de la página web:

www.elizabethsandoval.es

O

www.asociacionocreyoro.es

Charles Mingus: menos que un perro.


Charles Mingus,1971
Charles Mingus, es una de las personalidades mas famosas en el jazz,no por sus excentricidades, sino por su estilo y por las denuncias sociales (era un activista en contra de la injusticia racial).Nacido en 1922, en Arizona, su ascendencia es variada: asiatica, sueca, inglesa y afroamericana, siendo la ultima la predominante. Estudia diversos instrumentos: trombón, piano, chelo... y se decide por el bajo, instrumento por el cual le conocemos hoy en día. También, siendo joven, compuso varias obras que combinan música clásica y jazz. Toma como referencia a Red Callender, contrabajista en varias orquestas de swing. Mingus empieza a tocar con Satchmo ( Louis Arsmstrong)y Red Norvo, para luego trabajar con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, como su concierto en Toronto, junto con Max Roach y Bud Powell ( 1952). Con Roach, uno de sus mejores amigos, funda Debut records, compañía discografica. Compone Pithecanthropus Erectus, con el sello Atlantic Records, en 1956. Le siguen algunas grabaciones con Eric Dolphy, Duke Ellinghton, etc; y en 1972 escribe su biografía, "Beneath The Underdog", Menos que un perro en español. Es una dura critica a la época racista que le toco vivir. Muere finalmente en 1979, a causa de una enfermedad degenerativa muscular.
Izquierda: Charles Mingus, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Max Roach y Bud Powell, 1952.

Una familia con talento. Mike, Sally y Terry Oldfield

Esta entrada fue más que posible gracias a la colaboración de Abel, de “Jazz y Saxofón”. Muchísimas gracias por todo

Si hay un tema de la música experimental que ha llegado a un reconocimiento bastante cálido han sido todas las partes de Tubular Bells, compuestas por el músico irlandes Mike Oldfield. La combinación de estilos y la cantidad de ritmos y tonos que emplea, además de su excelente dominio de la guitarra, hace una composición muy curiosa, así como titánica de más de cuarenta minutos de música, si solo consideramos las Tubular bells I y Tubular bells II, cercanas a las grandes composiciones de su admirado compositor Jean Sibelius, y tomando como referencia la música experimental y un acercamiento a las matemáticas menos conocidas, como a la geometria no euclidiana. Luego también mostraria intereses en la astrofísica, en donde se ve su efecto con la publicación de su album “Voyager” y la evolución de la informática, en especial el tratamiento de la imagen por ordenador y el uso de sintetizadores y métodos de mezcla.

No solo las campanes tubulares fueron su gran éxito. Temás como “Traccia” de fuerte orígenes celtas, “Guilty” donde hace un guiño a la música proxima al disco, “Incantions”, algo denso y abigarrado pero muy interesante,los temas “Shadows in the wall” y “Moon light Shadows”, todo un clásico en la música pop rock, y las composiciones del disco “Guitars”, no tan admiradas por el público más fiel de Oldfield debido a su carácter casi minimalista, donde consigue sacar unos sonidos y utilidades a las guitarras muy interesantes, además de ser todo un homenaje a su padre, que también tocaba la guitarra e introdujo al joven Mike en su aprendizaje; además, gracias al trabajo de Mike se pudo experimentar el poder de las pastillas MIDI, y obtener sonidos de guitarras más limpios y mejor registrados.




Fotografía de Mike Oldfield.

Pero los Oldfield no son solo reconocidos por el talento de Mike; sus dos hermanos mayores, Sally y Terry también hicieron cosas muy interesantes; tenemos el grupo Sallyangie”, de clara influencia folck-hippie, en donde Mike mostró sus dotes precoces con la guitarra y Sally su talento como cantante, grabando temas como “baloons” y el album “Children of the sun”, y que tras dejar ambos el proyecto en 1970 se dedicaría a la música vocal de influencías de su tierra natal; Irlanda, publicando el tema “Mirrors” en el año 1980 y definiendo su estilo con esta pieza.



Carátula de “Absoluty chilled”, de Sally Oldfield (en la portada).

Terry Oldfield, famoso por sus composiciones para documentales así como su colaboración en la música “new age”, cuyo proyecto fue tan ambicioso como el de su hermano Mike; crear una música que, mediante el uso mínimo de sonidos, los cuales provienen de instrumentos o bien modificados, como las flautas diseñadas por él, o exóticos, tales como shitares indios, guitarras japonesas y usando sintetizadores muy potente, sea algo especial.



Fotografía de Terry Oldfield.

Su música, como bien él ya a propuesto en más de una ocasión, siempre se ha visto siguiendo un objetivo muy concreto; crear resonancias anímicas mediante la armonía, la progresión delicada y el uso de ondas que, apenas audibles para nuestro oido, nos situan en estados emociales muy claros y relajados, permitiendo a nuestra mente la oportunidad de pensar en cosas totalmente difíciles, pero que siempre son interesantes, ya que siempre mostró, como su hermano, un interes por la ciencia y sus efectos sobre el hombre. Siguiendo con la típica pregunta: “Si estuvieses en una isla desierta y tuviese que llevarte solo tres Cds (cosa que siempre me a parecido ridícula, a no ser que también te dejen una radio solar) , ¿Cuáles serian?”, mi respuesta sería: “La música instrumental de Brian Eno, recogido en un Cd editado por él, algo de Bob Dylan o Philip Glass, aun no lo sé, pero probablemente a Glass, y el disco “Yoga Harmonys”, de Terry Oldfield, que llevo escuchando desde años atrás.” y es que ese disco es de una claridad y una belleza que solo un problema de matemática discreta puede tener.

lunes, 23 de noviembre de 2009

Thelonious Monk+John Coltrane= Monk-Trane

Monk/Coltrane
Estos articulos sobre estrellas del Jazz son un pequeño homenaje a aquellos que son olvidados por el paso del tiempo, su poca gloria ,etc.
John Coltrane: A love supreme, un regalo para Dios.
John Coltrane es posiblemente el mas grande saxofonista de la Historia, junto con Bird, Pres y Bean.Nacido en 1926, Coltrane tuvo una infancia bastante humilde, puesto que era hijo de costureros. En el instituto fue donde aquel joven encontraría su afición: la Música, tocando en la banda del lugar el saxo. En los años cuarenta no le va especialmente bien, tocando en orquestas como la de Dizz y algunos grupos pequeños. Creo que es cuando conoce a Miles Davis, en 1955, cuando su carrera empieza a ser lo que hoy admiramos. El primer grupo se separo y conoció, en el 57, a Monk, aun hoy habiendo varias grabaciones de su encuentro en el "Five Spot". Vuelve a juntarse con Miles en el 58 y un año después graban el mas grande de los discos del Jazz, la obra clásica por excelencia, el disco que todas las familias tendrían que tener en su casa y no un feo televisor de plasma: Kind of Blue. Pero no es Kind of blue el disco que le daria fama a Trane, sino A love supreme.Junto con el joven McCoy Tyner (conocido también como Sulaimon Saud para sus colegas sunnies y hermano de Jarvis Tyner, del Partido Comunista.), Jimmy Garrison y Elvin Jones. Según John, ese es su regalo a Dios ( la historia es que Trane tuvo muchos problemas con las drogas y al parecer hizo lo que hacen mucho adictos: refugiarse en la Religion. Su abuelo tambien habia sido pastor...) y no podeis imaginaros que regalo tan sencillo: una suite, de tan solo 4 partes (de 10 minutos o mas cada una, algo natural en John), como lo haria una persona que verdaderamente creeria en Dios. Desgraciadamente, Coltrane apenas pudo disfrutar de la fama pues muere en 1967, unos 8 años despues de sacar el disco,de un cancer de higado.
Thelonious Monk: Abyde with me y Monk-Trane:
Thelonious Monk, nacido en 1917, sea tal vez uno de los mejores pianistas del bebop. Su cercania a la religion se debe posiblemente a que trabajo como organista en la Iglesia Baptista, aparte de actuar para un pastor alrededor del mundo. Pero todo cambia cuando trabaja con Kenny Clarke, el legendario bateria y pionero del bebop. Trabajo
tambien con musicos jovenes que empezaban a tener cierta reputacion, como Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Milt Jackson, Sonny Rollins... Y como cualquier musico, tuvo problemas con las drogas (lo detuvieron en 1951, por posesion de droga.Al parecer, esta pertenecia a su colega Bud Powell. Solo cuando conocio a Coltrane empezo a considerarle el publico el maestro que es en realidad.En las grabaciones de John y de Monk se muestra su religiosidad, especialmente en el pequeño himno Abyde with me. Por eso, Monk empezo a conseguir admiradores pero, como todos los musicos de verdad, murio en la mas profunda soledad, recluido por una enfermedad mental.

Humpty Dunty y determinantes. El gran genio de Lewis Carroll

Fotógrafo, pastor anglicano, dibujante, matemático, principal reformista de la lógica aristotélica, propulsor de la lógica del lenguaje y un escritor como muy pocos existen en la historia de la literatura inglesa. Así podríamos hacernos una idea de la flexibilidad que tuvo la capacidad de Lewis Carroll, escritor de, entre sus obras más conocidas, “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia detrás del espejo”, siendo el primero un auténtico clásico de la literatura universal.

Tras hablar de varios autores importantes, no nos podíamos olvidar de este gran monstruo, cuyo nombre en realidad era Charles Lutwidge Dodgson, pero que fue sustituido por el que hemos hecho mención antes al empezar a publicar. Y no nos podíamos olvidar de él ya que toda su obra, daba igual en que campo, siempre replanteaba lo que se había hecho hasta el momento. Y si eso no es arte, no sé qué más puede ser, ya que, como buen kantiano que soy, no se me podía pasar por alto aquellos que, como decía Baudelaire sobre su método de escribir poesía, sacado de palabras de Edgar Allan Poe, “es tan aberrante para muchos, y tan agradable y placentero para pocos.” En unos muy escasos 66 años de vida (ya lo he dicho siempre y no me canso de decirlo; a uno lo tiene que llamar viejo a partir de que cumpla 200 años. Todo lo que ha vivido antes, es de adolescente.) Dejó su huella en varios métodos de resolución de matrices de mayor orden que tres mediante adjuntos y en varios campos del algebra lineal, promovió de una manera alucinante el desarrollo de la fotografía, llegando él ha realizar muchos retratos, en especial de niños, pero que no son vistos con muy buenos ojos por la sociedad actual, por lo cual me entenderéis que no ponga imágenes de ellos. Lo hago por el respeto a todos aquellos que esas imágenes le violenten y no tener problemas que censuren este pequeño lugar. No obstante, me gustaría decir que, como dijo el mismo Carroll, en esos retratos no se mira a los niños con ojos lujuriosos, sino como seres, muy pequeños e inconscientes en un mundo que resulta a veces muy confuso y dañino.




Retrato fotográfico de Lewiss Carroll con una lente. La fotografía suponía para él un campo artístico tan curioso como la literatura o las matemáticas.

Aunque estas imágenes replantearon el hecho de tomar las fotografías, ya que se daba preferencia a la naturaleza y el retratado tenía como objeto siempre expresar algo más de lo que su imagen daba, hay gente, considerada equívocamente experta, que ven en ellas un oscuro rasgo de Lewis, que fue la pederastia, mas yo creo, en siempre mísera opinión, que están muy lejos de tener un haz, por muy pequeño que sea, de lascivia, y se ofrece una visión muy dulce de algo que hoy se escapa en nuestras manos, que es el respeto, el enardecimiento y la alegría que se ve solo en los niños, y no solo como embarazos no deseados, bocas para alimentar y lugar donde poner frustraciones, deseos no realizados y cánones morales que son imbéciles. Para que la imagen de Carroll no queden olvidadas en el rechazo y la aspereza me gustaría recordar una anécdota de la boca de Roger Water, guitarrista y uno de los fundadores de la banda Pink Floyd, y es que él uso como influencia para hacer el perfil de niños que no les dejaban en paz, ni en la escuela, a los que aparecían en las imágenes de Carroll, y pensaba que esas imágenes representaban la infancia como muy pocos lo han hecho, “ni siquiera Dickens” sentenció.

Mas centrándonos en asuntos más trascendentales, el trabajo del Lewis escritor también es más que digno de recordar. Aunque siempre se ha sostenido que las obras de Carroll no son más que historias para que los niños pasen las horas aburridas de verano, escuchándolas debajo de los sauces, tal como Carroll recitaba a los niños que lo acompañaban en sus excursiones, guardan una rebelde y muy gamberra visión del mundo y de las herramientas del



Dibujo de John Tenniel. Aunque la primera edición fue ilustrada por la misma mano de Carroll, Tenniel hizo los dibujos de “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia detrás del espejo” colaborando directamente con el escritor.

intelecto, además de un cuestionamiento sobre los principios lógicos que sostienen todo el planteamiento y estructura de nuestra vida, tanto intelectual como social. No se pueden olvidar escenas como la variación de tamaño de Alicia al ingerir un determinado alimento, o como la Reina de los naipes y la joven jugaban al cricket con flamencos y puerco espines, en vez de palos y pelotas, con lo cual se plantea que toda proyección que hace la mente no son más que tabulaciones que quedan siempre en ridículo cuando se plantea con otros elementos, rompiendo la invulnerabilidad de los principios logísticos aristotélicos. Y qué decir de cómo se ríe de la retórica, en las conversaciones de conejo y sombrero mientras tomaban el té (todo un puntapié a las tradiciones anglosajonas, siempre llenas de pomposidad.) en donde sombrero perdía toda cordura argumentando sobre lo que él consideraba como lógico. Cuantos momentos inteligentes. Lástima que la mala comercialización de las obras de este y la constante visión infantil y problemática, siempre incorrecta y exagerada del todo, sobre la obra y persona de Carroll, la aparten de las manos de adultos y jóvenes, cayendo estas, tal como le pasó al trabajo de otro escritor fantástico, James Barry, y su obra teatral “Peter Pan”, que en vez de tomarse en serio se consideraron durante mucho tiempo (y aun hoy sigue siendo como “demasiado ocioso”) como libros para niños a veces “deficientes” de seriedad y argumento lógico, sometidos a dichosos cánones estéticos. Lástima que se enfoque así.




Dibujo de Lewiss para la primera versión de “Alicia en el país de las maravillas” en el capítulo del torneo de cricket con flamencos y puercoespines, que llevo por nombre “Alicia bajo el subsuelo”. Si queréis ver más dibujos y fotografías de Lewiss, lo podéis hacerlo en la página web: www.guiascostarica.com/alicia

miércoles, 18 de noviembre de 2009

“Mamá quiero ser Bruce Nauman”

Hará ya un tiempo atrás, en el penúltimo urbano que me lleva a casa después de salir de la universidad, me encontré en el autobús con una madre y su hijo pequeño, tendría unos siete años, y, regañándole la madre al niño, este le salta, sin ton ni son (creo que ella le decía algo relacionado con portarse bien en el autobús o no pelear con sus compañeros de clase, no lo recuerdo bien), diciendo que “quería ser como Picasso, para hacer lo que yo quiero”. Esta expresión me llamó mucho la atención, como un retaco de menos de un metro va y dice que quería ser como Picasso, y más aun para hacer lo que quisiese, no llegaba a entender por qué lo dijo. Después de una torta monumental, la madre le explicaba a la que iba a su lado que el niño tenía una profesora “muy joven e inconsciente”, puntuó, que les había enseñado que Picasso hacía lo que quería y todos los escándalos donde se metió, además de darles fotocopiadas una obras de él “el colmo de lo grosero y lo atrevido” dijo bastante sufrida la madre. Esto me hizo plantearme dos cosas: saber quién era esa mujer y conocer sus intenciones, y la otra fue qué le diría yo a esa mujer si yo fuese el niño. La respuesta me llegó en un nanosegundo: “Mama, quiero ser como Bruce Nauman.” Y probablemente el argumento sería el mismo.
El trabajo de Nauman me ha hecho antes escribir sobre él. Ya sabéis por leer un artículo anterior que su formación en matemáticas, física y música, antes de dedicarse al arte, me llamo mucho la atención, pues adquirió una sólida base lógica y formal que luego le haría destacar por encima del resto de artistas conceptuales.




Curiosísimo retrato de un ya mayor Bruce Nauman.

Trabajo con diversos materiales, entre los que se encontraba las estructuras minimalistas, el video arte y los performance. Mención aparte merecen sus estructuras de neón, en donde emplea los juegos semánticos, al igual que Kosuth, o bien adquieren un toque más expresionista, mas en donde existe una profunda reflexión sobre lo que le rodea y que es lo que como artista y persona, se encuentra día a día.

Mención en especial merece la obra “Dead and sex” en donde aparece un grupo de siluetas luminosas de figuras separadas en dos grupos en donde cada uno de ellos se hacen daño y realizan actos obscenos, en un estúpido bucle infinito. Esta obra, más irónica que obscena y grotesca, podría representar perfectamente los primeros versos del tema “The Future” de Leonard Cohen o una de Dylan, como “Desolation row” o “Tombstone blues”, pues representa como el dinero, la codicia y las ganas de obtener todos los placeres que la sociedad dicen que son buenos, llevan al hombre social, porque está en grupos, donde apenas pueden separase los contornos de una figura y otra, a hacerse daño y destruirse. Toda una crítica que muestra como el pensamiento marxista crítico había influido en el trabajo de artistas conceptuales, dejándole un importante puesto en su producción.



“Sex and Dead” obra en neon.

El trabajo de Nauman abre una reflexión muy importante. Generalmente, el arte experimental y muy especial el matemático, se considera como un “algo” siempre separado o inconsciente de los problemas que nos afectan a diario, siendo su trabajo como un resultado alienante. Nauman demostró, como Duchamp, que si su trabajo, fundamentado en los principios físicos y lógicos de la matemática tenían su utilidad social, y era la de la crítica, con o sin ironía, de todo aquello que no le gusta en nada al artista y que sin embargo reina en el mundo, tal como mes la violencia, la corrupción, el destrozo del medio ambiente, el abuso del poder y todo aquello que está relacionando con esto. La matemática y la ciencia no están separadas de la realidad que les ha tocado vivir, ya que de sus cambios y transformaciones dependerán la orientación temática y los medios que vayan a obtener para su perpetuación. Lo mismo pasa con el arte experimental. Todo lo que se ha dice sobre esto resulta ser siempre un poco dudoso e infantil, ya que no existe ninguna base, y más de la mitad de las explicaciones se basan en prejuicios tan irracionales que dan vergüenza escucharlos. Cuando Nauman decidió, dentro del grupo de artistas conceptuales, tratar con temas ya relacionados con las imposiciones físicas que se nos imponen constantemente en la sociedad moderna y qué es lo que debería hacer un artista.








“Dead and live” otra obra de Nauman. Aqui se la puede ver apagado, mostrando toda la estructura técnica con la que funciona (arriba) y como resulta ser al iluminarla (abajo). Esta obra muestra, aparte de los dominio de Nauman sobre las herramientas estructurales del material usado y sus conocimeintos en física, como dominaba las matemáticas con bastante soltura. Este es un ejemplo perfecto de “permutaciones”: es decir, si suponemos como conjunto tods los verbos escritos en infinitivo anglosajón y luego otro conjunto de ocho colores, vemos como transmuta estos elementos mas permitiendo que a cada elemento del conjunto anterior le corresponda uno aplicando una función lineal.. delirios matemáticos de uno.

No obstante el trabajo de Nauman no se queda solo en la ironía social. Al igual que Kosuth o Eva Hesse siempre buscó dar al minimalismo una nueva dimensión, acercándose al arte conceptual y entrado por la puerta grande, considerado por sus contemporáneos como uno de los grandes. Entre sus composiciones destacan muchísimas obras de neón donde pone frases o símbolos de apariencia absurdos o redundantes, pero que el concepto y las relaciones que guardan semánticamente o gráficamente tienen todo el sentido del mundo, o que si uno se para a pensar puede ver como el ejercicio de reflexión sobre esa obra le permite crearla y entenderla, haciendo que el espectador también intervenga en el proceso creativo. Esto le acerca a una dimensión más seria del arte, que busca meditar y dar respuestas a antiguos dilemas y teoremas que se han considerado siempre como propios del arte y resultan que son algo insignificantes.



“Yes Bruce Nauman” neón, material textil y electrónico y hierro. Aquí los términos están vacios de un significado propio y apenas tienen algo que ver en una construcción narrativa. No obstante, ahora tienen algo que ver con la escultura y el entorno, ya que les ha dotado de colores y formas distintas.

Música para pensar. Brian Eno



Fotografía de Brian Eno en su estudio. Vemos como emplea siempre más de un instrumento electrónico preparado especialmente para ello.

“Maestros para muchos artistas que quieren hacer de la música algo nuevo”, así lo clasifico Peter Gabriel, cuyo estilo proviene de un marcado Eno. Y es que fue un hombre cuya creatividad genial y muy fértil, cuyo trabajo aun continua fascinando a muchos. Ya sean seguidores del rock, de la música puramente electrónica o bien de la música ambiental; siempre encuentra una pieza de él que se corresponde con su estilo.
Tras haber estudiado bellas artes en parís, Eno comienza una carrera bastante diversa y llena de singularidades. Empezando a hacer experimentos con un sencillo teclado y un magnetófono, fue tratando de una manera la música rock e instrumental (jazz, clásica, minimalista, concreta y rock sinfónico) de una manera distinta. Sería en 1978, cuando le pidieron hablar de su disco “Music for films” cuando formuló los principios de la música “ambient” o música ambiente. A Eno se le ocurrió este término mientras en una de sus comprobaciones de grabaciones, escuchó lo que registraron en un día a volumen bajo y con un solo altavoz, dejando que el sonido exterior se infiltrase con la música. Según las propias palabras de Eno “era una nueva forma de oír la música integrada en el ambiente al igual que lo integran el color de la luz y el sonido de la lluvia”. Así pues, comenzó a depurar su estilo hasta llegar a una música cerebral pero muy llevadera, siempre agradable de oír.



























Carátula de “Music for Film I” y de “Ambients”, dos trabajos donde se aprecia la consolidación de Eno en el campo de la música ambiental e instrumental.

También se aprecia cierto interés a la ciencia, cuya transmutación vendría dada con un disco “Before and after science” bastante interesante, y donde se aprecia una faceta poco conocida de Eno, que es la de dibujante, rama en la que tiende entre la abstracción y el dibujo zen, y en su trabajo “Discreet Music”, con lo cual hace un pequeño guiño a la matemática discreta, que se denomina al rama más visual de esta y contiene temas como los grafos, las sucesiones muy sencillas que dependen básicamente de factoriales y otro montón de cosas más que son muy interesantes más alargarían esto de una manera radical. También, en su música se aprecia un interés por la experimentación con instrumentos nuevos y sintetizadores más potentes y grabadoras de sonido con una capacidad apreciable, y un tratamiento del sonido que le acerca al minimalismo más radical de Glass y Steve Reich. También hay que mencionar su colaboración en el campo de la música experimental con gente tan interesante como el genial Robert Fripp, que interpretó su “An Index of metals”, David Bowie, el cual ejecutó con un prestigio más que notable “Warszawa” y “Moss garden”, el batería Phil Collins, John Cale y su brillante “The River” e incluso el pianista y familiar Roger Eno, llegando a integrar de una manera absolutamente genial el trabajo de todo músico que toca con él e imprimiendo su carácter en las composiciones sin alterar la finalidad del objetivo propuesto. Gracias a ellos y su poderosa capacidad de componer, nos ha dejado discos de la talla “Another day on Earth”, “Another green world”, “Discreet Music”, “Apollo” y “Wrong way up” aparte de muchísimos álbumes de reinterpretaciones y clásicos remasterizados donde muestra que aun tiene ganas de cuestionar todo lo que consideramos como música definitiva.



Fotografía donde se ve en el trabajo de estudio a unos jóvenes Brian Eno (a la mesa), David Bowie (centro) y Robert Fripp (al fondo). Los tres consiguieron que la música ambiental fuese una opción en el complicando mundo del pop comercial.

Mas no solo es recordado por su calidad como músico. Como productor ofreció a músicos emergentes en un océano complejo, donde se le llega a dar la espalda a la calidad y es vendida por unas míseras monedas. Peter Gabriel se apoyó en él para realizar algunos proyectos, por ejemplo. También, más próximo en el tiempo vemos como Eno tendió una mano al grupo de pop rock Coldplay, muy interesante en su trabajo “Viva la Vida”, y dejando el grupo un recuerdo de su trabajo con él en el uso de sonidos del natural y de sintetizador mezclados con la música.



Los integrantes de la banda ColdPlay: Chris Martin, Will Champion, Guy Berryman y John Buckland. Han sido la última apuesta (y muy acertada) de Eno.

Así pues también fue un defensor muy activa de la aceptación de los hábitos de meditación budista o el Fen Suit en sociedades que por aquel entonces no miraba bien ambas posturas. Pero si hay que darle las gracias por algo es por su trabajo original, muy variado e interesante y por crear una música que “ha de cuestionarse sus fundamentos siempre, mas ha de ser accesible a todo el mundo, dando igual la situación social, geográfica, o mental donde este y, a la vez que la disfruta, le permita reflexionar” palabras del propio compositor. ¿Y no es esto lo que se ha buscado desde el minimalismo? Gracias por existir señor Eno.




Brian Eno en uno de sus últimos concierto.

Mas la música de Eno es como cocinar, para disfrutarlo hay que hacerlo. Os acerco esto a ver qué os parece esto:

http://www.youtube.com/watch?v=swQAwnusJVQ&feature=PlayList&p=0B804892B79E039C&playnext=1&playnext_from=PL&index=11
http://www.youtube.com/watch?v=sLEgjBVtdhE
http://www.youtube.com/watch?v=nbnYYwNs6Zg
http://www.youtube.com/watch?v=d4geUoG1gsU&feature=PlayList&p=4E2579D312D05B9D&playnext=1&playnext_from=PL&index=43

Y podeís ver una entrevista fantastica en:
http://www.youtube.com/watch?v=Rm36ZxJboUI

Además de ver su página oficial en:
http://music.hyperreal.org/artists/brian_eno

viernes, 13 de noviembre de 2009

Alfred Wallace (izq.), Charles Darwin (der.)

Charles Darwin y Alfred Wallace
(O el arte de la Seleccion natural)
Uno de los grandes acontecimientos del Siglo XIX es probablemente la teoría de la Evolución. Pero, ¿que es?¿Quien y cuando la formulo? Este artículo os ayudara a saber un poco (no mucho) sobre quien postulo esta Teoría que ha afectado tanto a la Ciencia.
Teoría de la Evolución: ¿Que es?
Cuando hablamos de teoría de la Evolución, nos referimos al cambio
de perfil genético de un conjunto o población de individuos, que podría dar como resultado nuevas especies o novedades evolutivas. Un ejemplo podría ser la evolución del mono al hombre. Para este proceso, hemos pasado por Australophitecus, Homo erectus, Homo neanderthalis, Homo habilis,etc.
Charles Darwin, el hombre-mono.
Charles Robert Darwin (1809-1882), botánico y naturalista. Estudio Medicina en la Universidad de Edimburgo (1825), pero luego, en Cambridge, se dedico a su verdadera pasión: las Ciencias Naturales. A la temprana edad de 22 años parte de Inglaterra como medico en el H.M.S Beagle, fragata de guerra de 10 cañones capitaneada por el comandante Fitz-Roy, descendiente de Carlos II de Inglaterra. En este viaje, Darwin recoge cuantiosos especimenes de animales y plantas, aparte de escribir su Viaje de un naturalista alrededor del mundo, a veces separado en dos volúmenes.
En este diario Darwin comenta sus hallazgos paleontológicos, sus especimenes, los distintos mecanismos de vida de seres vivos e incluso los conflictos sociales de los lugares donde va, aparte de sus ideas abolicionistas y las situaciones de los aborígenes .Así ,el viaje de Darwin no lo podríamos definir como de placer, sino como de trabajo intensivo. Pero su trabajo mas famoso posiblemente sea El origen de las especies, obra que no fue publicada hasta 1859, cuando Darwin la empezó a idear en 1840 0 1839. Pero Darwin era un hombre cauto y calculador y fue moldeando poco a poco su teoría. Quien le iba a decir que durante ese tiempo, otro genio, Wallace, iba a llegar a las mismas conclusiones que el...
Alfred Rusell Wallace, un naturalista socialista.
Nacido en el seno de una familia de clase acomodada, Alfred Russell Wallace (1823-1913), es considerado una autoridad en el campo de la botánica. Fue un viajero excepcional, acompañando al también biólogo (entomólogo) Henry Bates al Amazonas. En este viaje, de vuelta a casa, el joven Wallace perdió toda su colección de especimenes debido al naufragio de su barco (1852). En cuanto a Bates, se quedo unos 7 años mas y recogió, con la característica paciencia de un naturalista, mas de 14.000 especimenes , de los cuales unos 8.000 eran inéditos para la Ciencia .Volviendo a Wallace ,escribió algunos artículos verdaderamente importantes como Sobre la ley que ha regulado la aparición de nuevas especies, donde defendía la teoría de la Evolución pero sin atribuirle una causa (1855).En 1858, escribió otro articulo, Sobre la tendencia de las variedades a diferenciarse indefinidamente del tipo original, esta vez muy acertado. Este articulo fue leído por Darwin, y dijo que era un excelente resumen del trabajo que había estado realizando desde hacia mas de 20 años. Se consideraba un socialista.

Un poco sobre la ideología abolicionista de Charles Darwin (extractos de Viaje de un naturalista alrededor del mundo,tomo II.)

“El 19 de Agosto abandonamos en definitiva las costas del Brasil, dando gracias a Dios de no tener que volver a visitar países de esclavos (…)En Río de Janeiro, vivía yo en frente de la casa de una señora mayor, que tenia tornillos para estrujar los dedos de sus esclavas ( …) Pues bien, estas crueldades ocurrían en una colonia española donde se asegura quese trata a los esclavos mejor que lo hacen los portugueses o otros europeos (…) Los que excusan a los dueños de los esclavos y permanecen indiferentes ante la posición de las victimas no se han puesto jamás en el lugar de esos infelices.¡Qué porvenir tan terrible, sin esperanza del cambio mas ligero! ¡Figuraos cual seria vuestra vida si tuvieseis constantemente presente la idea de que vuestra familia, esos seres que las leyes naturales han hecho tan queridos hasta para los esclavos, os han de ser arrancados del hogar para ser vendidos, como bestias de carga, al mejor postor!"

Texto sacado del libro Viaje de un naturalista alrededor del mundo, tomo II. Ediciones AKAL, de bolsillo.

Filosofía para movimientos plásticos. Inmanuel Kant.

La filosofía es un campo lleno de genialidades, y de gente que se encuentra a la altura de los resultados a los que llegan, mostrando una agudeza mental y un talante que muy pocos son capaces de adquirir. Pensemos en Platón, grande de grandes, que consiguió fundamentar la teoría del conocimiento separando dos campos tan simples en formular pero complicadísimos en su distinción, tales como las ideas (ya sea cielo o red) y el mundo de la realidad, en donde no hay más que reflejos, si se les puede llamar así, de lo las ideas. Este principio abrió las puertas a un campo de investigación tan grande como adaptable a cualquier lenguaje y visión. Y qué decir de Baruch de Espinoza y su soberbia mente, capaz de emplear el “more geométrico” en cada hecho, por muy pequeño que sea, de lo cotidiano, poniendo nuestra mente en situaciones totalmente nuevas. Y ya Deleuze, Derrida, Wittgenstein, Russel, Cioran…Tanto de lo que hablar.

Mas ahora me gustaría comentaros algo de otro grande que a veces queda en el olvido, o se cita muy poco, menos de lo recomendado. Ese es Inmanuel Kant, él filósofo de Koninsberg (misma ciudad donde Leonard Euler plantea el problema de los siete puentes y abre una dimensión nueva a la topología matemática.) y supremo en la defensa del idealismo trascendental. Cómo pensador es casi único; pocos han llegado a profundizar como él en la forma en la que la razón estructura las herramientas necesarias para comprender un hecho. Como estudioso de la ética, la moral y los problemas que tiene una sociedad con la religión, no tiene comparación, mas si por algo destacó es por poner lo que durante siglos y siglos, no se había dudado de que era infalible: Nuestra razón. En su obra “Crítica a la razón pura”, Kant muestra que la distinción creada entre empiristas y racionalistas no era en el fondo más de una pelea de niños; con una habilidad muy propia de un relojero o un matemático (cosas que ambas le interesaba, en especial las matemáticas y a la física también.) consiguió demostrar que todo acto mental es una composición de análisis que hace la mente, utilizando unos “parámetros”, propios de ella, que son el tiempo y el espacio, de un objeto captado en el exterior entrando aquí las matemáticas, construyendo una “sensación” que después, atribuyéndole un concepto, consigue ser expresado; este hecho estaba muy cerca de la física. Claro que esto no es exactamente así. De un plumazo he intentado resumir, muy burdamente, por cierto, los dos primeros bloques de la obra, que son la “estética trascendental” y la “analítica trascendental”. Lo que quiero hacer es apresurarme para llegar a lo que importa de este artículo: cuál ha sido la influencia de Kant en el mundo de las artes.



Retrato de Inmanuel Kant.

A partir de la segunda mitad del siglo XX tenemos una aplicación kantiana casi a “infra venosa” en nuestra cultura. Artistas cansados de la tradición tales como Jackson Pollock, o los minimalistas, tales como Donald Judd, Eva Hesse, Richard Serra, Robert Morris o Philip Glass, mostraron en su trabajo como el arte debía de cumplir la función que decía Kant en esa obra que es la “Crítica a la razón pura”: “El arte siempre ha de cuestionar sus fundamentos y replantearlos.” Ya sea usando menos de la mitad de notas que de costumbre, dejando que el material se muestre, con sus imperfecciones y detalles o acabando con las categorías tradicionales tales como “pintura”, “escultura”, “teatro”, “poesía”, etc. Muchísimos más agudos y kantianos fueron los artistas conceptuales. Aparte de asumir la estética minimalista, también fueron más allá de lo que había hecho el minimalismo, tocando ya temas como el lenguaje y los métodos de su construcción, además de esos fundamentos que la razón hacía propios y necesarios para actuar, de los que hablábamos al principio: el tiempo y el espacio.

Nombres como Sol Lewitt y Lawrence Weiner, ambos minimalistas consumados en los albores de sus carreras, o ya artistas con una sólida base científica como Bruce Nauman, o filosófica como Joseph Kosuth o Hanne Darboven, por no hablar de genios como Matta Gordon-Clark, Victor Acconci, o Robert Barry. El nivel a donde llevaron ellos el arte es muy difícil de pensar y de entender, que exigen más conocimientos para entenderlos que al resto de la mayoría, mas sabiendo que provienen del pensamiento kantiano y de movimientos intelectuales muy semejantes a este como puede ser la filosofía del lenguaje de Wittgenstein o la fenomenología de Husserl.
Aparte de un literato sorprendente, Kant fue un personaje extraordinario. Su sentido del humor, del orden, del rigor y de la voluntad ante el trabajo son cualidades propias incomparables. Cómo se cita en muchas ocasiones, Kant tenía una pasión por llevar cierto control, a veces rayando lo excesivo, sobre todos los factores de su vida. Se dice que salía siempre a pasear por la mañana con tal exactitud, que los relojeros aprovechaban para poner la cuerda en sus relojes, salvo por una vez, que tan absorto en la lectura del “Emilio” de Rousseau, se olvido de salir. Pero aparte de estos pequeños chismes, es más que honroso ver como su pasión por el conocimiento no lo aparto de las ciencias, en especial, por las matemáticas y la física, como ya dije antes. En su biblioteca también había libros sobre Kepler, Galileo, los matemáticos griegos, y muy especial, de Isaac Newton, del cual era más que un seguidor, utilizando su método mismo para crear su estilo de reflexionar sobre los acontecimientos que más le preocupaban. También realizó más de un experimento galileniano y de los que propuso Newton en su tratado sobre la óptica.
Así pues, después de ver qué gran personaje fue; ¿Cómo se va a dejar de lado en el proceso creativo y en el desarrollo intelectual de una persona?

Yo, como Judd, Nauman o Glass, propongo que, en el difícil camino del arte experimental, se tome a Kant como un modelo a seguir en todos los aspectos. Pues enseña que da igual que tipo de lenguaje desees usar y que campo investigar. Las matemáticas siempre estarán presentes, y siempre es será necesario replantearte tanto tu posición temporal y espacial como artista, así como tu trabajo. Luego Kant, y en especial su filosofía, hacen de motor tanto intelectual como espiritual, en el sentido menos embarazoso de la palabra, y es su forma de pensar la que genera todo avance en el camino de una persona.

lunes, 9 de noviembre de 2009

Arquitecturas, muy, muy pequeñas. Richard Smalley.

Dedicado a Abel. Que me hace ver lo bonito que es lo más invisible, y a todos los que, leyendo esto, contribuyan a mirar todo desde una perspesctiva nueva.

Es curioso, mas en este espacio solo hemos citado a un premio Nobel, y fue el fantástico Feynman recordando su trabajo en electromecánica cuántica. Aprovechando la ocasión me gustaría hablaros de un hombre cuyo talento era muy semejante al de este genio alejado de toda categoría y atributo. Se trata de Richard Smalley.
Smalley fue un químico norte americano, además de profesor universitario cuya capacidad de comunicar fue más que destacable, haciendo memorables sus clases doctorales y de presentación del curso. Smalley trabajó a partir de las observaciones de Harold Kroto sobre los patrones geométricos de cristalización en las partículas de carbono. Junto con su colaborador, Robert Curl, descubrió que en las síntesis químicas de esta sustancia se generaban unos espacios geométricos de características claramente reconocibles en una escala muy pequeña. A estos cuerpos se le dio el nombre de fulerenos, en honor al arquitecto Buckminster Fuller, del cual ya hablamos de él con anterioridad, famoso por la creación de sus cúpulas geodésicas, que permitió la creación tanto de grandes construcciones así como casas
de fabricación barata y el diseño de coches más espaciosos.





Fotografía de smalley con un modelo de fulereno.


El descubrimiento de ambos les hizo merecedores del premio Nobel de química en el año 1996, en cuya victoria también participó Kroto. En la actualidad el descubrimiento de Smalley y sus compañeros de laboratorio ha conseguido tener un eco muy fuerte. Gracias al conocimiento de las propiedades de los fulerenos se ha conseguido mejorar los microprocesadores de aparatos de música, reproductores de video, las nuevas pantallas de ordenadores y las televisiones de plasma que emplean lo último en micro LED s. mención aparte merece experimentos realizados en la investigación molecular, cuyo ejemplo, sino importan te mas sí muy curioso y muy “artístico”, fue la creación del primer vehículo a escala “nano técnica” (el nanómetro es la expresión de dividir un metro en unas 100 millones de marcas y suele representarse en notación científica como 10^-9 metros.), que consiste en una cadena de moléculas de carbono alas cuales se les han adherido unas “buckyesferas” como ruedas. Una aplicación, como dije antes, la mar de llamativa. Este experimento fue realizado en la Universidad de Rice, en Houston, en donde Smalley daba clases, y donde siguió encantado el proyecto. Mención aparte son las aplicaciones de la nanotecnología en el campo de la medicina, pues se ha permitido crear remedios para erradicar tumores en su fase inicial, como bien demostró Jennifer West en varios ratones usando nano esferas de oro. Lamentablemente todo esto ocurrió mucho después de que Smalley, que ya había buscado varías aplicaciones para lo que había descubierto, muriese de leucemia, a la cual no habían encontrado ningún tratamiento, en el año 2005.




Ilustración donde se muestra varios elementos estudiados por Smalley. Buckyesferas, nanotubos... y las relaciones que guardan entre sí.

Como científico, como todos los que citamos aquí, se aleja mucho de un tecnócrata, buscando solo aplicaciones prácticas a un hecho descubierto. Smalley quería llegar a demostrar que cualquier fenómeno de dimensiones pequeñas, muy pero que muy pequeñas, podía causar un efecto a gran escala de proporciones impensables, o bien tan cotidianas como es nuestro cuerpo. Smalley quería legar a demostrar esto, y una vez que lo hizo, descubriendo las características geométricas de los fulerenos, y la capacidad de generar nuevos espacios con ellos, tales como los nanotubos de carbono, ideales para transportar electricidad a grandes cantidades, siendo muy resistentes, con los cuales Smalley soñaba hacer un tejido para llevar electricidad y datos codificados a países subdesarrollados y reducir en el resto de países el número de torretas, metros y metros de cable y centrales que existen y no generan ningún beneficio y no hacen más que dañar el medio ambiente. Pero esto quedo, a pesar de todo como un simple sueño. El respeto hacía el mundo vivo de Smalley no era solo científico; la naturaleza, como bien nos lo ha demostrado su investigación, es una caja llena de muy dulces sorpresas y fenómenos, además de un sinfín de bellas estructuras dignas del mejor arquitecto y que se originan gracias a la combinación de sustancias que actúan mediante patrones basados en las matemáticas y regulado por las leyes de la física. Lo que Smalley hizo por abrirnos los ojos a este mundo de formas, energías y espacios, es tan importante como los logros que se le reconocieron: nos demostró con la ciencia que hay siempre un nivel de belleza más llamativo, más interesante y más racional que el que crea el mejor arquitecto, y el del que a la vez, puede beneficiarse el hombre, ya sea para crear nuevos edificios, nuevos materiales de arte o herramientas médicas, siempre y cuando sea capaz de asumir un cambio en la visión menos “antropocéntrica” de las cosas.

El edificio no como obra, sino como soporte. Matta-Clark.




Retrato de Gordon trabajando en la remodelación de un edificio. Hacía 1972-1973.







Unos tres o cuatro excelentes artículos de Abel sobre arte conceptual, que lleva un magnífico blog llamado JAZZ Y SAXOFÓN, lleno de buen jazz, cine y arte, escrito siempre con amabilidad en las respuestas a los comentarios, cariño por los temas e inteligencia, me llevó a escribir sobre los artistas conceptuales que más me gustan, centrándome en aquellos más que familiarizados con el arte geométrico y las matemáticas. Esto me lleva a hablar de Bruce Nauman (cuya entrada todavía sigue, después de dos semanas, pasando por revisión.) y de Gordon Matta-Clark para comenzar.


Gordon Matta-Clark es uno de esos personajes tan encantadores como inteligentes. Muy aficionado a la música rock y al jazz, y dotado de una fuerte ironía, estudió arquitectura en la Universidad de Cornell y después se fue a Nueva york, donde entró en contacto con miembros del movimiento “Anarchitecture” en el que sería el miembro más característico del grupo.
Entre sus trabajos aparecen un amplía serie de estilos y registros. Entre proyectos de arquitecturas propiamente dichos se encuentra su colaboración para la exposición alternativa “Grenne Street”, así como la creación de un restaurante cooperativista en el Soho, que tenía por nombre Foods. También realizó varias obras de influencia de los artistas conceptuales predominantes y por la obra de Duchamp, en donde frió con aceite varias fotografías para ver como la tinta se corría o cambiaba de color, o bien en su obra “Cherry tree”, donde fotografío un joven cerezo situado en la ventana de su estudio durante el tiempo que permaneció sano, terminando su serie al morir este.







































Ruptura para el edifico de una exposición e intersecciones cónicas en un eduficio a punto de ser demolido. los conocimientos de Gordon de arquitectura le permitieron manejar con flexibilidad las posibilidades de los materiales.



Luego llegaría su mejor serie de obras, en las que jugaba ya con algo más interesante, los edificios. Matta siempre se había interesado en los métodos de construcción modernos. En sus últimas obras trabajó como si todos esos métodos eran igual que los que se usan para hacer papel sobre el que dibujar, ya que, en edificios abandonados o a punto de demoler, hacía escisiones en las paredes, levanta el suelo y lo colocaba en el techo, o bien rompía todo lo que se le pusiese dentro del volumen de una figura geométrica que escogía, como un hiperboloide, un cono o un paralelepípedo y que solo se percibía por las escisiones que hacía, sino nadie distinguía que es lo que había hecho.

La obra de Gordon tiene dos interpretaciones: la primera es como altera el concepto de arquitectura, generalmente considerada como el arte de levantar espacios bellos, llenos de formas estéticas y a veces, llenos de elementos pomposos. Cuando Matta-Clark propone que en vez de levantarse se modifique uno que ya está hecho, diciendo que el resultado sigue siendo el mismo objeto más que sus nuevas propiedades le hacen pertenecedor a un nuevo conjunto, tal como ocurre con el producto cartesiano de 2 conjuntos distintos, que un elemento y otro de un conjunto distinto al primero, al aplicarle una ley de composición externa cualquiera, perteneciendo el resultado tanto al primero como al segundo, que en este caso son los de escultura, espacio de calle, trozo de paisaje, obra de arte. Lo cual es, aparte de una extensión del término y de la técnica artística, es poner la arquitectura como medio artístico, tal como si fuera una cantidad de masa con una forma ya hecha que permitiese hacer una escultura distinta, o uno de los objetos que Duchamp usaba como “ready-mades” (pensemos que Gordon empleaba fotografías, collages con materiales de construcción extraídos del lugar donde trabajaba.). Esto supone destruir ya casi por completo muchas jerarquías entabladas por los críticos para separar las disciplinas artísticas y atribuirles un orden de preferencia despreciativo e irracional, que no permite que haya un clima de igualdad entre los artistas. También hace que el lenguaje abstracto, en especial el geométrico, sea valorado con atención, ya que es el que sustenta todo.


También hay una crítica social, ya que al hacer evidente que esos edificios están vacios, demuestra como el horrible y frenético ritmo con el que la sociedad americano construía casas y edificios para especular con ellos y hacer que los inmuebles de los propietarios del barrio valgan más, consiguiendo mayor dinero en bancos y cajas del estado. También quiere hacernos ver que si esperamos estabilidad, intimidad y que el valor de una casa depende tanto de sus materiales como del lugar donde está situada, estamos totalmente equivocados.



exposición de obras de Gordon. vemos como combina la diversidad de géneros. aruitectura, fotografía, collage... todo para una obra en global: su idea.


miércoles, 4 de noviembre de 2009

“Siempre hay algo más que matemáticas en la ciencia”. Michael Faraday.

Como estudiante de matemáticas y amante de las leyes de la física, en especial la cuántica, a uno le cuesta asumirlo, mas esto demuestra que la ciencia también depende en gran medida de cómo se utiliza la lógica, de una manera valiente o únicamente para repetir una y otra vez lo que se ha hecho, sin llegar a avanzar más. Esto viene a propósito de un texto sobre un personaje tan genial como Bob Dylan, Feynman u Oteiza. Se trata de Michael Faraday.
De orígenes muy humildes, trabajó como aprendiz de encuadernador y como portero de la Royal Institution, Faraday recibió lecciones de Humphry Davy, catedrático de Química de esa misma institución, el cual lo nombró su ayudante. Durante el año 1821, Faraday conoció el trabajo de Oersted, y sin saberlo del todo, Faraday mencionó el principio de un motor eléctrico: si por un hilo por el que pasa una corriente eléctrica, podía girar de manera continua con un imán, obteniendo movimientos mecánicos. Además de este fantástico hecho, Faraday contribuyó con la física con el desarrollo intuitivo de la teoría de campos, en especial en los campos magnéticos y eléctricos. También realizó varias aportaciones en la química experimental y en la termodinámica, en una serie de magníficas conferencias por Inglaterra.



Retrato de Faraday sosteniendo un imán con los que experimentaba. Alrededor de 1857-1860.


Lo que sorprende de este gran genio, aparte de la más que mencionada humildad, sinceridad y caridad, por su seguidor más fiel, James Clerck Maxwell, era su habilidad natural y muy aguda, como experimentador; según uno de sus alumnos, Farady “se movía por el laboratorio como un experimentado director de orquesta, eligiendo con cuidado y precisión cada matraz, vela o imán” y que mientras “trabajaba, siempre sonreía o esbozaba algún pensamiento sobre un papel, y si no lo entendía me lo explicaba con una paciencia y agilidad como muy pocos sabrían hacerlo” y que cuando lograba demostrar algún principio, “llamaba a todo el mundo a su laboratorio, fuese la hora que fuese, y nos hacía una preciosa demostración, respondiendo a todas nuestras dudas con un lenguaje lejano del que uno se encuentra en los libros de texto, siempre con alegría y simpatía”.
Apenas era un erudito en Matemáticas, ya que no tuvo una formación del todo completa, mas eso no le impidió llegar a los resultados y conclusiones con mucha precisión, además de otorgarles un rigor tan sólido como el que lo aportaría una ecuación matemática, que tan necesarías fueron para la ciencia moderna. El mismo Maxwell, todo un genio en las matemáticas, reconocería el gran talento de Faraday para la experimentación y como a veces era incapaz de seguir sus planteamientos. La verdad es que yo admiro más a Maxwell y su capacidad de reducir el mundo a una simple y bella expresión, no obstante soy consciente de que Faraday logró algo muy difícil de cuestionar, ya que demostró que la lógica y la creatividad no estaban reñidas con la ciencia, sino que eran una constante fuente de herramientas más que útiles para crear una auténtica teoría científica, por lo que el que se considera un lego en ellas no debe apartarse del genial y fantástico mundo de la Física o la Química, e incluso de las matemáticas. Tal vez la mala reputación que tiene las ciencias es por no entender que existen otras posturas de enseñanza, como las de Faraday o Feynman, pues se centran en que el alumno aprenda y aplique una serie de principios matemáticos y físicos, mas sin experimentar, sin ver de dónde proceden, que autor los formuló y cómo podrían usarlos de una manera creativa.
Su legado es muy difícil de olvidar. Hoy Faraday llega a través de sus textos, muchos de ellos complejos manuales de laboratorio, mas también con colecciones de ensayos más que originales, como el famosísimo libro “Historia química de una vela” de 1861, uno de los libros favoritos de Feynman, muy ameno de leer, ya que indaga más en los fundamentos que hacen posible este fenómeno y otros relacionados sin buscar una aplicación práctica. También cabe destacar el bello y entrañable artículo que Maxwell escribió sobre él en la novena edición de la “Encyclopaedia britannica”, que es más que recomendable leer.

¿Cuántas notas a de tener una melodía para ser considerada como tal? Philip Glass.

El excelente artículo de mi hermano sobre la música minimalista (el cual se lo reservó hasta el momento de la publicación.) y un alentador comentario suyo: “¿Por qué no te animas a escribir una entrada sobre Glass?, ya que te gusta tanto.” Me animó a redactar esta entrada.
Como a mi hermano, la música de Glass me llena de admiración y asombro, ya que con pocos elementos consigue crear unos arpegios tan prodigiosos que uno no puede creérselo, aunque lo tengas delante.




Retrato de Philip ante el piano.

Mi admiración por él empezó hará ya unos 7 meses, cuando vino a Gijón a tocar su fantástica música con la violonchelista Wendy Sutter y el batería Mick Rossi y su inconfundible estilo de tocar el piano. Yo no pude asistir a verlo, lo cual me sienta como una patada en el vientre cada vez que lo pienso ahora, mas pude ver un pequeño reportaje sobre su obra, unas tres semanas antes de que fuese el concierto. Me llamó la atención su pasión por las matemáticas y la filosofía, además de por la música contemporánea. Luego, investigando un poco, descubrí que antes de ir a Paris, a estudiar bajo la tutela de Nadia Boulanger, e incluso después, estuvo investigando en como las matemáticas, en especial el álgebra, podía utilizarse para componer música. También me gustó los experimentos que realizó con el músico indio Ravir Shankar durante sus primeros años, en los que viajó por la India, se hizo budista y conoció a grandes de la literatura como el genial Allen Ginsberg o la obra de Samuel Beckett, otro que se merece una buena entrada, así como al Dalai Lama.
En los años 70, Glass formaría una pequeña banda, la Philip Glass Ensemble y tocaban composiciones propias de Glass en galerías de arte, teatros, etc. No obstante, se vio obligado a trabajar como reparador de electrodomésticos y taxista, ya que no obtenía el suficiente dinero para subsanar sus gastos. En este periodo, su música, bastante densa formalmente, repetitiva, que exigía una atención especial del oyente, sentó las bases del futuro trabajo de Glass, algo más relajado, y que encontró su resonancia y apoyo en la colaboración con artistas tales como David Bowie orquestando en algunas piezas de su disco “Low and heros”, componiendo para varias bandas sonoras para películas como “Kundum” de Scorsese, “brief history of time” de Errol Morris y basada en el libro de Stephen Hawking, y más próximas en el tiempo como “El show de Truman” y “El ilusionista” de 1998 y 2006, respectivamente.



La Glass Ensemble al completo antes de uno de sus conciertos. Alrededor de 1974-1976.

También compuso óperas, de la cabe destacar “Einstein on the beach”, donde la coreografía fue planteada por Robert Wilson y un libreto que se ha convertido en todo un alegato antinuclear que replanteó toda la tradición operística hecha hasta el momento.

Entre sus discos, no se nos puede olvidar los geniales “Glass Works” de 1982, “Music in twelves parts” y la versión musical del libro de Leonard Cohen “Book of longing” del año 2007, donde se aprecia una simbiosis entre la música extremadamente cerebral de sus primeros años con el resto de su carrera, el cual ha sido bastante criticado y tachado de oportunismo comercial, mas en el fondo, ni en la superficie, hay nada de eso. Es un ejemplo perfecto de cómo una idea, una buena idea, da igual si demasiado científica, o poco, o muy poética, o nada, es siempre una buena idea.

Aunque la música de Glass es muy complicada de clasificar, siempre se denomina minimalista, concepto, al igual que otros muchos, que él mismo se encargó de quitárselos, defendiéndose que él era un músico y ya está, uno apasionado por las estructuras minimalistas y los pocos recursos. Es cierto que la reducción formal y estructural de sus melodías aporta una dimensión totalmente nueva. Ahora no se busca una belleza pomposa, recargada como un collar de diamantes, sino la esencia de la melodía, aquello que la hace ser lo que es, y que solo puede ser descubierta con una inmersión casi total del espectador. Glass situa la música en un plano muy semejante al de las matemáticas: tiene unas herramientas, un lenguaje y un problema, y hace interactuar todo con orden y sencillez.




Glass sosteniendo una de sus partituras para la obra “Einstein on the beach”. Cualquiera diría que parece el planteamiento de una ecuación y no una melodía si no fuera por algunas notas bien escritas.

La influencia del trabajo con Shankar, las matemáticas, la música electrónica, el cool jazz y la música de Bach pueden ser las herramientas, mas son tantas las influencias y fuentes de su música que es muy difícil señalar una y decir “esto es”, mas sí podemos afirmar que el trabajo de Glass es dificilísimo de olvidar.
Mas como el mismo dijo, la música de Glass es imposible de entender sin escuchar al menos un poco, luego os acerco unos enlaces de You Tube, único lugar donde he visto música de él en la web, sin problemas en la escucha y además es muy completa. Aquí hay un poco de todo, algo de los Glass Works, de la música de películas, etc. que son los que más me gustan, espero que los disfrutéis tanto como yo.

Enlaces:

http://www.youtube.com/watch?v=WmX_GgozpQs&feature=fvw
http://www.youtube.com/watch?v=fkmNqyUSrFw&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=SPnVAR2oHw0
http://www.youtube.com/watch?v=3FniHgiyaTY

Y una genial entrevista, que podeis verla en:

http://www.youtube.com/watch?v=WjtVOwz86IU

Naturalmente, John Denver.



Retrato de Joh Denver.

Entre tanto monstruo de la música de los que hablamos aquí :Pink Floyd, Van Morrison, Metheny, Davis, etc. Este pobre nombre no adquiere una especial importancia. La música de este simpatiquísimo personaje no es que sea especialmente matemática, ni minimalista “oficial”; es cierto que consiguió un lenguaje musical muy reducido capaz de obtener muchas melodías, y que usaba un estilo de guitarra muy cercano al de Neil Young, ya que jugaba mucho con el tiempo en la música, mas no llegó al nivel de este genio. Entonces viene la pregunta, “¿Para qué vas a hablar de él?”, tal como me la hizo un amigo. Bueno, pues lo hago ya que él consiguió un estilo musical muy interesante, siempre en busca de lo esencial del sonido, por su actitud siempre solidaria hacía las causas importantes de este mundo, tal como los conflictos en África o su interés en los progresos de la aeronáutica (su padre había sido piloto y el era un navegante muy bien cualificado.) que requeriría de un bajo coste en materiales y carburantes, lo cual conseguía una emisión menor de dióxido de carbono a la atmósfera, mas en especial le admiro por su respeto hacía la naturaleza, de la cual se consideraba un autentico guardián. Denver pensaba que era el hombre que vivía en la naturaleza y la respetaba él que era alguien de valor, consiguiendo una verdadera unidad con todo lo que le rodeaba y la política, por lo tanto, debía de considerar esto. Su activismo también le llevó a luchar por la creación de parques nacionales en todos los Estados Unidos así como varios manifiestos que mostraban su preocupación por la conservación de las Montañas Rocosas, además de la selva del Amazonas.

Aunque parezca muy idílico, la preocupación de Denver por el medio ambiente, que llega a parecer en todos sus álbumes, es un principio tan básico como necesario entender. Aunque parezca siempre muy relativo, el hombre alejado del mundo natural, de todos sus fenómenos y sus leyes, como el que vive en una gran ciudad, es un ser totalmente alienado de lo más importante de la existencia humana. Muchos músicos buenos tales como los hermanos Allman, Dickie Betts, Peter Gabriel, Deuter, Chris Martin y todo el grupo de ColdPlay, Neil Young, y un largo etcétera de artistas y pensadores tales como Eva Hesse, Don Judd, Max Bill, Nauman, Wittgenstein, Platón, Robert Barry, Alexander Calder, Stephen Hawkings, Buckminster Fuller (que conoció y se hizo amigo de John Denver)…han luchado de manera activa o con su música por la protección del medio ambiente, ya que es la constante fuente, ya sea de recursos medicinales, constructivos como de inspiración (Maravillosa es la declaración de Max Bill recordando su juventud: “Yo no aprendí a analizar el movimiento ni el espacio a manos de los constructivistas ni los suprematistas, sino observando el vuelo de los pájaros, los ríos llenos de peces de colores, los gamos corriendo por los prados y mis visitas interminables a los zoos.”). La naturaleza es de donde proviene todo, y en cuanto a naturaleza hablamos del césped al lado de nuestra casa como las nebulosas y galaxias más lejanas del espacio, luego más nos vale hacer algo. Yo al menos estoy reuniendo dinero para hacerme socio de Greenpeace.


Para terminar, me gustaría facilitaros una selección de canciones de Denver donde muestra todo lo que he dicho de él. Poner especial interés en uno de sus mejores tema, el primero, “Country roads”, interpretado por un ya mayor Denver. En serio, es fantástico.

http://www.youtube.com/watch?v=MWzeInQaUk4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=vLBKOcUbHR0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=OwARpaKHx_w&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=vl7aM3nCqC0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=kzldLJcorbo&feature=related