Arte+matemáticas

El sonido de la madera, el viento y el espíritu de nuestro tiempo. Kitaro.

2010-03-12T08:20:00.000-08:00

Aunque he hecho esfuerzos, en mi opinión, notables (he estado un mes entero intentado expresar correctamente como quería que fuese esta entrada) no he podido reducir a este artista a un solo trabajo de él y ponerme a explicar sus características, es tan amplio y complejo que he decidido molestarme un poco más y, aunque no disfrute tanto escribiéndola, como hago con una entrada sobre un artista único, como la de Dickie, que son más espontaneas y frescas, en cuanto a duración y enlaces, es importante hablar de ella. Por eso hoy quería hablaros algo de Kitaro.

Fotografía de Kitaro durante uno de sus vivos.

Kitaro nació en el seno de una familia de granjeros japoneses sintoístas, pero muy pronto descubrió que su vocación sería la música en vez de la guadaña, y empezaría a aprender piano, guitarra así como el conocimiento y manejo de ciertos instrumentos populares japoneses mientras todavía estaba en el colegio. Sería ya después cuando mostraría un interés casi obsesivo por los nuevos instrumentos eléctricos, tales como el sintetizador analógico, el bajo electrónico y como se manifestaban los fenómenos de luz, condensación, etc. Aunque siempre manteniendo una influencia budista, su primer interés fue la música de rock progresivo. Su humildad y la honestidad siempre le han acompañado, llegando a decir que él no era más que un “ejecutor de la bellezas naturales que le rodeaban”, de las cuales recibía órdenes e inspiración para trabajar. Su genial aparición como músico ambiental fue con el trabajo en la banda sonora de la película documental “La ruta de la seda”, donde ilustra con un sonido muy personal todo el viaje que realiza el protagonista, pasando desde China hasta la India. En cada uno de ellos, destaca las propiedades sonoras de situaciones en las que se encuentra; el rumor de los ríos, el sonido de los gansos al volar) y utilizando una delicada simetría y una superposición de sonidos muy elegante. A partir de ahí su trabajo está muy diversificado, al igual que el de Eno, pero podemos destacar temas como “Theme for Silk Road”, “Cosmic Love” o “Forest Simphony”. Es muy interesante oírlo cuando toca o el tambor o una especie de violonchelo japonés (perdonadme que ahora no recuerde el nombre), ya que consigue sonidos de esas maderas muy bellos y precisos, llenos de tonos, y con las flautas de bambú logra música que, teñida aun de ese recuerdo de los campos de arroz propios de su aldea natal, consiguen llevarlos más allá de lo establecido y obtener efectos sonoros muy potentes. Además, ese espíritu minimalistas que poseen sino todas, la gran mayoría de sus obras, es siempre de agradecer, ya que sus melodías no cansan, aunque las repitan cientos de veces, y en cada audición, uno percibe detalles hermosos que a veces pasan por completo de desapercibidos. Con Kitaro, si es verdad que existe una manifestación tangencial o sensorial del tiempo, es muy probable que lo experimentemos.

Portada de “The Silk Road”, uno de los trabajos más importantes de Kitaro dentro de la música ambiental.

Pero mención aparte merece su carácter. Al igual que Deuter, Kitaro siempre se ha reconocido por una humildad hacía el mundo que le rodea más que ejemplar, además de tener siempre claro la actualidad, muchas veces nefasta, del mundo, de la que muestra su opinión más sincera. Probablemente, esta mentalidad crítica y a la vez sensata, es la más sana a la hora de crear y vivir dentro de una sociedad que crece tanto en cantidad como en sentido ético y cuantitativo de una manera casi astronómica. Cuando Kitaro dice, dentro de las declaraciones de sus primeras obras, compuestas mientras descansaba de sus alienantes trabajos de media jornada, que sus “obras venían de una mente superior”, deja que lo que distingue a un artista o a un gran pensador, esa relación conocimiento-forma natural de ser fluyan como sus acordes, en armonía.

Podeís gozar de Kitaro y su música en:
http://www.youtube.com/watch?v=p5n57OSe8tw
http://www.youtube.com/watch?v=YxrZZ-V0LHs
http://www.youtube.com/watch?v=H2FFDDWz3R0

Pequeña marioneta (en negro) movida con cuerdas y poleas (gris).

2010-03-12T07:19:00.000-08:00

En vez de números, carne y verduras, pero el mismo espíritu. Jamie oliver

2010-03-02T09:20:00.000-08:00

Por Alejandro Maiza Catalán

Aunque parezca una excentricidad hablar de un personaje de la televisión y de los medios de comunicación, que no tiene ninguna obra artística y no es un buen matemático; puede que ni siquiera le interesen de las matemáticas, tengo que hablar de Jamie Oliver, el cocinero y escritor inglés por dos razones: la primera es que me encanta cocinar, y en sus programas uno encuentra técnicas para elaborar complejos platos en muy poco tiempo y de una manera sencilla, la otra es que su manera de trabajar me es muy elegante y podemos aplicarla a otros campos.

Fotografía de Jamie Oliver.

Jamie Oliver posee un programa de televisión, conocido como “En casa de Jamie Oliver”, en donde cocinaba en su casa de campo y explicaba algunas propiedades de distintos tipos de plantas, carnes, pescados y especias, y como han de cocinarse cada uno, con datos precisos; muy pocas veces se le ve dudar sobre una temperatura determinada o una cantidad de sal, ya que sabe que combinación es siempre la más adecuada.

Jamie Oliver delante de los fogones (arriba) y su libro de rectas “La escuela de cocina de Jamie Oliver” (abajo); por experiencia propia, os recomendaría leerlo; se aleja mucho de un libro tradicional de recetas, como el que no falta en las cocinas de nuestras abuelas, y podemos encontrar historias, fotografías con la familia de Jamie, recetas de amigos suyos, etc.

Y es que no hay nada más cercano a los primeros intentos de química que la cocina, donde se producen reacciones y síntesis complejas cuyos resultados no solo podemos “estudiar” sino también “sentir”, por lo que resulta muy atractiva y curiosa, además de más entretenida; me acuerdo una vez que nos llevaron a mi clase y a mí a una feria científica en la Universidad de Oviedo, y un estudiante de química de al menos de tercero de grado, un poco desagradable, nos mostró cómo reaccionaba un ácido como el limón con sal y glucosa. Yo veía eso desde el punto de vista matemático, es decir: “Vale, pero por qué no escribes en un papel las ecuaciones y los operadores usados y así te ahorras el número aquí montado”. Pero no lo hizo (ese día no estaba por la labor de nada), y luego me vino a la cabeza: “Con ese limón, el azúcar y una masa, aprovechando el horno que tiene la del otro puesto, hago un bizcocho que se emplea mucho mejor los materiales, y veo como el principio de Lavoisier es aplicable según el color de la tostadura de la superficie (si los ingredientes están proporcionados, no ha de aparecer manchas de otro color sobre la tostadura. El principio de Lavoisier lo sostiene ya que dice los siguiente: “Las cantidades de productos que intervienen en una reacción ha de ser la misma y de los mismos en los resultantes. Ya sabéis un truco para saber si os habéis pasado con algún ingrediente en el bizcocho) y no hay, que además luego vas tú y lo tiras por el desagüe, indecente”. Cuando Jamie Oliver cocina, se ve el cuidado a la hora de seleccionar la cantidad de elementos y sus correctas proporciones, ya que esta en estas proporciones el ochenta por ciento de las características del estado final. Parece más que un cocinero un auténtico matemático, o un químico de verdad, de esos que ya sabiendo cómo actúan los componentes con los que trabaja, busca darles la mayor utilidad posible y el mejor uso que tienen. Y es que es ahí donde reside toda la esencia de los resultados interesantes; saber con qué que se trabaja, tener una conciencia total de los materiales y técnicas.

Pero no puedo dejaros con las ganas de verlo en acción, luego os paso lo siguiente, ya que vuestra opinión me interesa:
http://www.youtube.com/watch?v=PXyRbbqP10U
http://www.youtube.com/watch?v=5hQzg2FGpVU&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=7tdoS-91G60&feature=related

El pintor del tiempo. Roman Opalka.

2010-03-02T09:12:00.001-08:00

Por Alejandro Maiza

A nadie se le ocurriría pegarse toda una vida contando, en forma de octetos, como pasa su vida; y a menos aún ponerse a pintar estos números, en cuadros grandes, de color blanco y en fondo negro, ya que sabe que aparte de ser una tarea engorrosa que nadie quiere, no sirve para nada. Pero a Roman Opalka, esto se le aparece como la mejor forma de pensar en una pintura interesante e inteligente.

Retrato fotográfico de Roman Opalka, realizado por él mismo tras una sesión de pintura.
Aunque no me apasiona demasiado, es cierto que fue muy novedoso con respecto a los otros pintores de conceptuales de su época. Opalka es un pintor francés de origen polaco. Empezó esta serie en el año 1965, y es conocida como”OPALKA 1965/ 1-∞”. El trabajó en esta idea cuando estaba esperando a su mujer en un café de París, y ella se retrasaba mucho. Ahí experimento como el tiempo es implacable (bueno; también hemos de señalar horas y horas de lectura sobre todo tipo de temas y autores en relación a este problema; desde Aristóteles hasta Einstein o Heidegger), y no ofrece tregua a nadie. Son obras realizadas mediante un método muy rígido: sobre un lienzo pintado de negro de aproximadamente 160 × 135 cm, los cuales se empiezan a cubrir con los números del conjunto natural comenzado por uno y que siguen el principio de inducción; como p(n=1)= 1, entonces p(n+1)=2,3, 4, 5,…, ∞. La obra terminaría como es lógico, con la muerte del autor. Después de pintar cada cifra en color blanco, el autor la grababa en una cinta magnetofónica, en su lengua materna; el polaco. Cuando Opalka llegó al número un millón, incrementó el color blanco del fondo un 1%, con lo cual, si no llegase a terminar la serie, lo cual es lo más probable, estas cifras desaparecerán, tras el número cien millones, y no se podrá distinguir las cifras.
A veces presenta estos cuadros, que denomina “detalles”, a los que sigue un intervalo numérico, que empieza por el primer número que aparece en el extremo izquierdo y lo cierra con el que finaliza ese cuadro, mas suele aparecer más los retratos fotográficos que se hace inexorablemente después de una jornada de pintura, en la que muestra como el pintor de desvanece y se corrompe según el número incrementa. Con este algoritmo de creación, Opalka quería ilustrar como la vida humana está destinada a desaparecer, pero que nosotros la consideramos siempre infinita (cuantas veces no habremos dicho: “Bah, tengo tiempo para todo”), pero que, ya sea por una causa natural propia de ella, tal como puede ser un accidente, una enfermedad, representada por el 1% de color que blanco que Opalka añadía a sus cuadros, hace que esta tenga un final casi instantáneo; puede que en el número 56748129045 o bien en el 1000000000, pero que se acabará en un punto que hasta el momento desconocemos, se vuelve una verdad casi absoluta. Y eso es lo que mantiene nuestra concentración activa al cien por cien, tanto en la obra de Opalka como en nuestra frágil existencia.

Roman Opalka durante una conferencia (arriba) y parte de su trabajo (abajo).

Un torbellino azul. “November Suite” de Robert Fripp.

2010-02-26T07:43:00.000-08:00

Por Alejandro Maiza

En todas las entradas que hablo del trabajo de un músico, solo uno, disfruto mucho, ya que concentro mis fuerzas en hacerlo lo mejor que puedo y el resultado es siempre muy agradable, al menos para mí. Pero creo que con este voy a disfrutar el doble, ya que adoro a Robert Fripp.

November Suite o “Sound Scapes Live Green Park Station”, como pone en la cubierta del disco es uno de los numerosos trabajos de música ambiental que tiene este gran autor. Robert Fripp, guitarrista de King Crisom hará tiempo atrás, empezó a desarrollar esta faceta musical con la compañía de Bowie y Eno, como ya os mostré en una fotografía donde estaban trabajando los tres. Tiene especial importancia en el álbum “No Pussing footing”, trabajo donde solo están él y Eno, pero aun así es una auténtica maravilla. Así pues, Fripp también investigo con las formas de jazz más revolucionarias y los instrumentos electrónicos más avanzados del momento, como las guitarras de mesa o los sintetizadores.

Fripp durante una demostración de guitarra como solista en la actualidad.

El trabajo que nos atañe, del año 1996, es un ejemplo perfecto de música experimental y ambiental. Combina a la perfección melodías e instrumentos, creando veladuras musicales muy elegantes, finas y serias. Eno comparaba esta composición como un “gran torbellino azul, que te construye un pequeño palacio transparente y bello de pensar.” La composición está grabada en dos grupos distintos: la “November Suite” y la “Green Park suite”, que son combinada de manera simétrica (son 4piezas, luego 3, luego otras tres, utiliza una como punto de inflexión, y acaba con tres melodías más). En todas ellas se utiliza un módulo de sonido, que se varía aplicando más o menos instrumentos, e introduciendo ornamentos musicales muy inteligentes. Ya sabéis que hablo de las piezas como un matemático, a veces como un pintor, y la mayor parte del tiempo como un amante de la música más, que se mueve en la ignorancia, mas creo que es una obra, aparte de discreta, muy rigurosa y se aleja mucho de los conciertos a gran escala, dominados por la histeria colectiva y el ruido; en este módico vivo, Fripp quería aportar un rigor a la música contemporánea con un aire de seriedad y rigor; en muchas cartas y planteamientos de la obra aparecen estos términos muchas veces, ya que Fripp quería alcanzar un rigor con la guitarra muy semejante a la de la música clásica y la más experimental, como la de Schönberg o la de Pierre Henry, pero con los matices y herramientas del rock progresivo y la improvisación propia del cool jazz.

Portada (arriba) y contraportada de del disco (abajo) donde aparece la lista de los temas que interpretó Fripp y el orden que me llamaba la atención.

La música como construcción. Gavin Bryars.

2010-02-19T08:31:00.001-08:00

Por Alejandro Maiza

Cuando se habla de música a veces se queda uno muy restringido con un autor y un solo estilo, pero uno, al igual que en las matemáticas, puede crear varías relaciones entre estructuras musicales distintas, como bien hizo Gavin Bryars, compositor y contrabajista inglés.

Fotografía del gran Gavin Bryars durante una actuación con su trío de jazz.

Este músico ha sabido integrar a la perfección estilos tan distintos como la música neoclásica, la ambiental, el jazz improvisado o la música experimental y minimalista. Ya sea con su grupo formado por Tony Oxley y Derek Bailey o la Porsthmounth Symphony (a la que perteneció junto a Brian Eno) o la Cockpit Ensemble, vemos que su estilo juega mucho con las

propiedades del sonido más rigurosas, como el timbre o la duración de los armónicos más pequeños en la escala tanto dodecafónico como pentatónica. En su estilo esto es esencial; encontrar todo tipo de armonía que, aunque extraña, no sea artificial y empalagosa. También es importante el uso de diferentes términos musicales y su relación, como la indeterminación o la limitación y repetición, que, al combinarlas, genera un sonido muy interesante. Esta concepción, casi pictórica, del sonido fue aprendida por maestros de la talla de John Cage o Morton Feldman y una actuación del contrabajista de improvisación Johnny Dyani, cuyo trabajo le pareció superficial y le hizo interesarse en la composición. Como buen estudiante y licenciado en Filosofía, Bryars sabía que plantearse temas de composición requeriría un conjunto musical lo suficientemente grande para hacerlo, como Kant necesitó más de un concepto que explicasen la razón humana y su funcionamiento. Así pues funda la Porsthmounth Symphony, a la cual se le unirá, durante cierto tiempo, Brian Eno, en la que tocarían temas populares de la música clásica mediante variaciones, aunque esto no le satisfizo lo suficiente. Probaría otra vez, pero esta con un grupo más reducido e interpretarían las composiciones escritas por el mismo Bryars ya maduro y curtido en el mundo de las armonías, que llevan un fuerte carácter minimalista y ambiental. Pero sobre todo tenían que ser muy intelectuales y construidas de una manera muy rigurosa. Suyos son los arreglos instrumentales de las tres variaciones del canon de Pachenbel en el disco "Discret Music" de Eno o el trabajo "A man in a room, gambling" donde las armonías se funden con la voz de Juan Muñoz recitando, en mi opinión, valiosos métodos para hacer trampas. En cuanto al jazz, como en sus trabajos de música instrumental, se aprecia su interés por todo tipo de estructuras; tanto las más primitivas como las más próximas en el tiempo. Y es que, ¿qué si no es la música, el arte en general, sino una cuestión de estructuras?

Si queréis saber más sobre este genio mirad en esta dirección:
http://www.gavinbryars.com/splash

La maravillosa sensación de no tener peso. “Apollo” de Brian Eno

2010-02-19T08:16:00.001-08:00

Por Alejandro Maiza

Fotografía de Brian Eno durante la grabación de Apollo.

Muchos trabajos de Brian Eno merecen la pena de ser escuchados. "Discret music", "Another green World", etc. pero este es más que llamativo, ya que es toda una innovación en la música popular y culta. Compuesto por Brian Eno a finales de los años ochenta, el disco tenía como fin recrear las sensaciones que Brian vivió junto a su hermano el verano del año 1969. Ambos muy jóvenes, vivieron con suma expectación el lanzamiento del Apollo XIII, así como el descubrimiento de la música country en un programa casi clandestino de música, a la cual Brian añadiría que es la música que, al escucharla "uno se siente ligero, como si el efecto de la gravedad desapareciese con ella". En compañía con su hermano Roger, excelente pianista y pionero e n la creación de la música ambiental usando sistemas científicos, ambos hermanos se plantearon los temas iníciales del disco y empezaron a experimentar con teclados y sintetizadores nuevos, ya que las pistas requerían de un uso especial del sonido del piano. Tenía que ser limpio y claro, y su uso debía de ser muy "rígido" en cuanto a la duración.

El pianista y compositor Roger Eno, hermano de Brian Eno; él también fue un pionero en la música ambiental, así como de otros estilos.

Pero había ya un ligero inconveniente, y era saber quién iba a tocar la guitarra horizontal o "slide". Brian estaba dispuesto, pero en ese momento recurrieron a un grande de la música de guitarra; el guitarrista y compositor canadiense Daniel Lanois. Su estilo limpio y depurado le ha permitido colaborar en proyectos con gente como U2, Peter Gabriel o Bob Dylan. Ambos hermanos quedaron impresionados por la limpieza de Lanois, así como su virtuosismo para la guitarra slide, en la cual realizó ciertos cambios en su estructura y ejecución según iba progresando el disco. También Lanois dejó su sello en temas como "Stars", que Brian incluyo en la estructura principal del disco.

Fotografía de Daniel Lanois (arriba) y la carátula de "Apollo" (abajo).El resultado final es asombroso. De verdad el sonido de sus composiciones, de auténtico corte más minimalista que country, consigue llevarte a un estado donde el peso de la gravedad es incluso nulo, consiguiendo un equilibrio. Fascinante es la calidad del sonido. Los experimentos en los teclados Yamaha y en los pianos de cola con cuerda de nylon o metal, aportan un sonido muy fresco a la música. Ya he hablado que hay composiciones que, rompiendo con la bidimensionalidad que se asocia a la música tradicionalmente a veces la rompe para llegar a un auténtico efecto atmosférico. Y este es bellísimo. En esta obra, Brian, Roger y Daniel lo consiguen. Además de que resulta siempre muy agradable de oír y es muy innovador. La NASA, que permitió a ambos hermanos ver sus instalaciones como curiosidad y necesidad de inspiración, utiliza este trabajo tanto para acompañar sus documentales como música de fondo para los científicos que trabajan tanto en las naves espaciales como en las oficinas de control para que se relajen y se concentren en sus obras. Una auténtica obra polivalente.

Podreís ver ejemplos de esta composición si miráis en YouTube:

http://www.youtube.com/watch?v=lOgQyIMX_XU
http://www.youtube.com/watch?v=Q1nEEwuTL0U

Una fotografía que te haga pensar en la belleza. Walter Peterhans.

2010-02-12T09:22:00.000-08:00

Cuando hemos hablado de la Bauhaus, a veces no saltamos a autores que tienen un trabajo muy interesante, pero de los que apena hay información. No obstante, suele ser en estos autores “menores” donde uno encuentra cosas geniales. Este es el caso
de Walter Peterhans.

Nacido en 1897 en Alemania, estudio fotografía por la Academia Estatal para la Industria del Libro y las Artes Gráficas de Leipzig en 1926, después de cursar Matemáticas y Filosofía. Entre sus intereses siempre estaba la geometría y la experimentación formal. Su filosofía, muy marcada por tres autores concretos que son Pitágoras, Kant y Platón, sostenía que la belleza existía independientemente de la
razón humana, y que esta era interpretada por nosotros como arte.

Fotografía de Walter Peterhans como profesor de la Bauhaus en Dessau, bajo la dirección de Hannes Meyer. Peterhans estuvo bajo la dirección de Meyer y, posteriormente, la de Mies Van Der Rohen, tanto en Alemania como en los Estados Unidos de América.

Es más que destacable su particular visión sobre los objetos, con la cual siempre explotaba las capacidades físicas y espaciales de los objetos. Esto le permitió dar una serie de cursos de entrenamiento visual para los estudiantes de arquitectura del Instituto Tecnológico de Illinois, en Chicago, donde además dio clase Mies Van Der Rohen, así como varios profesores exiliados de la Bauhaus tales como el fantástico Moholy Nagy, durante un tiempo Joseph Albers, etc.

Su trabajo fotográfico se caracteriza por la frecuencia de naturalezas muertas y el uso de placas de gelatina de plata, con el cual conseguía efectos de luz muy precisos, al igual que Moholy Nagy, reforzando como la geometría y la composición eran los principales generadores de belleza, y no los detalles superfluos y un poco aleatorios; las fotos no se esforzaban en captar hasta el último detalle de un objeto concreto para que no hubiese confusión alguna en su reconocimiento; es más, a veces las composiciones estaban desenfocadas, y solo se centraban en los campos blancos, negros y grises que generan los cuerpos al ser iluminados con distintas fuentes de luz. Los objetos no cobran una importancia relevante; solo han de tener simetrías muy marcadas o características. Así pues, no es extraño ver una piel de conejo, un huevo o un panel de madera en sus fotografías y nada más.

Obras de Peterhans. Las naturalezas muertas de objetos de marcada simetría y los efectos de luz son las principales características de su trabajo.

Y de repente nació Bob Dylan. Bringing it all back home.

2010-01-15T08:03:00.000-08:00

Por Alejandro Maiza

Me encanta Dylan, es una cosa que uno no puede sacarse de la cabeza, ni siquiera por muy sencillo que aparenta ser, como ya sabéis, en especial verlo en concierto, ahí Dylan muestra por qué siempre ha sido tan genial y tan fantástico; su aire pasota, sus improvisaciones, su capacidad de encontrar nuevas melodías que armonicen con lo que la gente busca y lo que el gran Dylan busca, creando una intersección perfecta (me viene a la cabeza su versión de “It´s all over now” en Newport, espectacular y todo un aviso a lo que lo seguían; si se aman a Bob, se ama el cambio, por muy radical que sea) pero saber cuando nace el auténtico espíritu de todo su trabajo, la esencia de Bob Dylan, lo que le hace digno de seguir es en el disco “Bringing it all back home”, donde cada acorde, cada ruido, cada verso y sonido de armónica nos dice que el que lo interpreta ya ha pasado algo y ha visto cosas nuevas. El mismo Dylan diría que, aunque en “The Freewheelin” ya estaba a punto de definir su estilo, sería en este trabajo donde “me encontré como cantante y persona”. Ya suena muy distinto a todo lo que hizo antaño el cantante de Duluth.

Fotografía de Bob Dylan, durante el periodo de grabación de “Bringing it all back home” trabajando en sus letras en casa; el café, el tabaco y el vino le acompañaron durante horas y horas, así como su máquina de escribir, para crear el disco más interesante, aunque no tan conocido, de la historia del rock and roll. Por cierto; si os fijáis en la mesa del fondo, se ve una escuadra y una regla en T. ¿Quién dijo que Dylan no mostraba cierto interés por la geometría?

Dylan trabajó mucho en este disco, y el resultado no es decepcionante, sino algo maravilloso. Junto a “The Freewheelin” es el que marcaría a Dylan. Todo él es cambio. Por ejemplo, suena guitarras eléctricas en el tema maravilloso “Maggie´s farm”, o el piano eléctrico en la dinámica “On the road again”, donde realiza espectaculares solos de armónica. Esto le llevaría en Newport a recibir una serie de abucheos por parte del sector más conservador de la música protesta; ¿Cómo el joven Mesías de la música popular iba a utilizar los voltios, esa maldición de jóvenes desquiciaos y músicos de blues ya algo “idos”? La respuesta era muy sencilla; “Todo está superado, nena triste”, canción con la que finaliza el álbum, “It´s all over now, baby blue”, auténtico tema que pone los pelos de punta, y que emociona. Esta canción es encantadora cuando te olvidas de todo prejuicio anterior asimilado antes de escucharla y estas dispuesto a pasar a otro nivel; yo tarde mucho en descubrir su significado, como lo ocurrido en nuestra vida no es más que los eslabones de una cadena de cambios que continua y continua, nunca dando por supuesto que acaba, representado cuando a la heroína de la canción se le presenta un “vagabundo vistiendo las mismas ropas que tú”, teniendo que continuar con su viaje a ninguna parte.

Tenía un amigo que me decía que este tema es como el paso que se dio en el siglo XX en la física; sin las herramientas necesarias ni con los suficientes argumentos conceptuales para hacerles frente, el movimiento tridimensional de los electrones en los orbitales, la dualidad onda-partícula, la relatividad general y especial, las ondas electromagnéticas, la teoría de la súper gravedad, la de las supercuerdas, te hacen ver una belleza muy difícil de definir y explicar. El instituto no me había dado estas herramientas, e impulsado por el propio Dylan, te hace buscar y rebuscar; los problemas de América con la pobreza, la falta de esperanza, y otros más técnicos como los acordes de una guitarra, ejercicios para tocar la armónica… todo para ver que era necesario un paso en la música popular, que había que hacerla tener el mismo rigor que las matemáticas (a las cuales Dylan siempre había sentido cierta admiración, en especial a la geometría y a Galileo, llegándolo a nombrarlo en un tema de “Highway 61 Revisited”, pero esa es otra historia) y recurrir a estructuras musicales más complejas y originales, tanto en la instrumentación como en la lírica.

Portada de “Bringing all back home”.

La poesía de Dylan se hace muy aguda, sutil, clara e irónica, llegando a ser el punto de donde nace la auténtica magia de su estilo. Ya en ellas se percibe una influencia de poetas de la talla de Poe, Rimbaud y, en especial, de Dylan Thomas y William Shakespeare, cuyo trabajo admiraba y estudio durante años y años, llegando a tomar el nombre del poeta galés. Aun se percibe la influencia de Woody Guthrie y el mundo del folk americano, pero pasarían a integrar el complejo mundo del joven en vez de centrar toda su creatividad.

Bob Dylan con Joan Baez en el año 1965-1966, ya finalizada la grabación del álbum.

Pero las melodías ya es donde radica la diferencia; son rigurosas, repetitivas, serias y variadas. Cuesta mucho decir si es un blues, un rock lento, una folk, porque todas tienen una interpretación especial en su ejecución, haciéndolas muy personales. Por ejemplo, ahora me viene a la cabeza dos temas del disco que me acompañan a donde vaya: “Mr. Tambourine man” y “Love minus zero/ No limit”, se les puede asociar al folk, puede que al country si se me estira mucho, pero no sonara ni folk ni country, suena a algo distinto y las letras ya no son sencillas, sino que están plagadas de juegos de palabras y símbolos, utilizando un lenguaje complejo y muy interesante. Si no me creéis, podéis oírlo en:

http://www.youtube.com/watch?v=2-A8dnG30O8&feature=PlayList&p=24A1AEF014E2460E&index=6
http://www.youtube.com/watch?v=HH46sruy-XE
http://www.youtube.com/watch?v=pXkbjZvwxiw&feature=PlayList&p=24A1AEF014E2460E&playnext=1&playnext_from=PL&index=13
http://www.youtube.com/watch?v=OAQ7GsDzx8Q&feature=PlayList&p=24A1AEF014E2460E&playnext=1&playnext_from=PL&index=9

Dándonos un viaje de auténtico jazz. “Day Trip” de Pat Metheny Trio.

2010-01-15T07:48:00.000-08:00

Por Alejandro Maiza

Por Pat Metheny uno solo puede sentir amor por su música y la alegría de su forma de ser. Su música es igual que él; innovadora, despreocupada y genial, aparte de muy fresca. Y esto lo refleja muy bien en su trabajo “Day Trip”, del año 2008, un trabajo bastante reciente y aun más interesante de este genial músico.

Fotografía de Pat Metheny (arriba) y la caratula de “Day Trip” (abajo). Todos los temas fueron compuestos, sin excepción por el mismo Patrick.

Este trabajo reúne temas como “Dreaming trees”, “Day Trip” que es espectacular, “The Red One” o “When We Were Free”, todos compuestos por Metheny. En todas las pistas reconocemos su carismático rigor y su imaginativa para la guitarra, con la cual consigue unos efectos muy elegantes y dinámicos. Es sensacional escuchar su “Is this América?”, compuesta tras el ciclón del Katrina, que barrió por completa la ciudad del jazz y el blues, Nueva Orleans, así como varios terrenos cercanos a ella. A parte del tono ciertamente melancólico, se aprecia un haz de alegría y serenidad que apenas otros compositores podrían conseguir, además de oír composiciones muy complejas, propias del jazz de Miles Davis o Charles Mingus, pero también ciertos uso de guitarra más semejante a Robert Fripp o cualquier músico experimental. Es muy gratificante oír su trabajo en el campo del jazz, ya que tiene mucha variaciones y ritmos que rompen con lo convencional, más haciendo guiños al swing y al jazz más primitivo, como el de Louis Armstrong o George Lewis.

Pero no solo la guitarra de Pat es interesante; junto a él están la fantástica batería de Antonio Sánchez y el contrabajo de Christian McBride, los cuales, que cuentan con una experiencia muy amplia y un auténtico conocimiento de las estructuras de jazz clásico como moderno y música de otro tipo, como ambiente, experimental o clásica, le dan un toque elegante y exótico al trabajo de Metheny que a veces se vuelve un poco denso. Pienso ahora en la última pero fuerte “Day Trip”, donde cada uno de ellos muestra de que pasta están hechos y consiguen unos ritmos muy interesantes, de marcada influencia latina y de swing, pero aportando estructuras musicales que me recuerdan al minimalismo de Glass o Reich, en especial al del segundo, por su marcada influencia con este estilo. También aparece este hecho en “At Last You´re Here”, donde el contrabajo, la guitarra y la batería se intercalan produciendo unos efectos geniales.

El Pat Metheny Trio al completo, un par de meses tras acabar con el “Day Trip”; de izquierda a derecha Pat Metheny, Antonio Sánchez y Christian McBride, auténticos virtuosos tanto del jazz más tradicional como del experimental.

La sensación de espacio de Metheny y sus músicos en este trabajo recuerda mucho a la de Neil Young, pero con un toque más riguroso y con la gracia del estilo del jazz experimental, además de que la simetría y los juegos de escalas, dan a este disco un toque especial, muy difícil de definir, pero fácil de apreciar. Pero la música de

Pat exige escucharla, por eso os acerco lo siguiente, a ver si os gusta:

http://www.youtube.com/watch?v=oEoMmB8M8Vg&feature=PlayList&p=A2E6E6313D7D1691&index=0&playnext=1
http://www.youtube.com/watch?v=7ViCxL_2PKQ&feature=rec-LGOUT-exp_fresh+div-1r-6-HM

Abejas, estrellas y, por supuesto, números. “Drowning by numbers” de Michael Nyman.

2010-01-11T08:55:00.000-08:00

Al igual que la banda sonora de “Cal” elaborada por Mark Knopfler tiene una carga intelectual muy fuerte y es de recursos minimalistas, este trabajo de Michael Nyman, uno de los padres fundadores de la música mínima, aunque como Glass o Reich negó por completo pertenecer a este movimiento, es uno de los mejores ejemplos de música matemática.

Fotografía de Michael Nyman ante el piano y números, tan brillantes en su trabajo como las estrellas, que aparecen al fondo. Yo creo que esta fotografía refleja a la perfección el metódico trabajo de Nyman.

Estrenada a finales de los años ochenta, la película de Peter Greenaway utiliza muchos recursos ingeniosos, propios del Surrealismo o el Dadaismo, pero con un agudo sentido del orden y de la armonía. Toda la película puede ser vista, gracias a la música y a las sutiles imágenes y cambios de escenas, ya que todo invita a una continuidad y una sutileza muy difícil de reconocer en trabajos contemporáneos de autores de la misma época que Nyman y Greenaway. Ahora me viene una imagen de la película, yo creo que es la más bonita, de una niña, que saltando a la comba, se pone a numerar por un número y su nombre a cien estrellas, mientras saltaba siguiendo el ritmo de la cuenta. Cuando terminaba, una anciana le preguntaba que estaba haciendo, la niña le respondía que contar cien estrellas, y la anciana, algo aguda, le dice: “Pero si hay más de cien estrellas.” A lo que la joven le responde: “Sí, pero a partir de cien, todo es igual”. En esta escena, aunque aparentemente tonta, está guardada mucha inteligencia: en matemáticas, en especial análisis y la rama de cálculo infinitesimal, se dice que el secreto de toda sucesión apenas sobrepasa los cien números, y que solo los cinco primeros nos indica hacía que valor tenderá la sucesión al infinito; vulgarmente este fenómeno se conoce como la búsqueda del término general. Aparte de esta referencia matemática el autor muestra como todo de la realidad puede abstraerse en un valor cuantitativo, aunque esté muy lejos y no sea más que un solo punto de luz. Además, el autor hace que veamos la belleza de números tan simples que a veces se nos escapan, tales como el 33, el 58 o el 44, y como el ritmo, presente en la cuerda, la armonía en la imagen y el color en el vestido de la chica, en los puntos de las estrellas, nos abre la mente a apreciar bellezas sutiles que a veces se nos escapan en nuestras manos y ojos, ya que no podemos verlas y admirarlas en su momento adecuado, con la capacidad adecuada y como se lo merecen.

Cubierta de “Drowning by numbers” y la lista de temas del disco y la película.

En cuanto a la música poco nuevo hay que decir. Nyman emplea diversas simetrías musicales, como el autor indicó, en especial con dos tipos de simetrías radiales llamadas L8 y L5, que generan patrones planos, al igual que Wolfang Amadeus Mozart, autor que admira y usa para estudiar y componer mucho, obteniendo juegos de sonidos muy serios y depurados. Las piezas “Drowning by numbers” 2 y 3, o la segunda composición, “Sheep and Tides”, que se asemeja mucho a una composición mozartiana o de Bach. También sorprende la cantidad de movimiento que recibimos de estas piezas, por ejemplo, en la composición llamada “Bees in trees”, que da la sensación de un montón de abejas moviéndose de un árbol a otro, volando entre sus ramas. Todo ello partiendo de una melodía principal, los auténticos troncos de la composición Es algo fantástico. Pero se disfruta más oyendo y viendo, por eso os acerco estos en laces de la película y unas versiones de los temas del disco, espero que os gusten.

http://www.youtube.com/watch?v=3GNMwepKFsc
http://www.youtube.com/watch?v=qsfwkYe7RKM&feature=PlayList&p=10E7E367E84C56D4&playnext=1&playnext_from=PL&index=15
http://www.youtube.com/watch?v=zQ3f8e8ivF8&feature=PlayList&p=10E7E367E84C56D4&playnext=1&playnext_from=PL&index=13
http://www.youtube.com/watch?v=tDTqwWtPjSQ&feature=PlayList&p=36448E6A0ED9B6E7&playnext=1&playnext_from=PL&index=51

El “primer” escritor matemático. Edgar Allan Poe.

2010-01-11T08:27:00.000-08:00

Muchas veces se le considera el escritor maldito, el escritor estúpido y, el que más me gusta, el escritor “torturado por su propio genio”. “Todo lo que digamos de Poe no conseguirá ni etiquetar el borrón en su primer verso escrito” palabras de Stephan Mallarmé, poeta que se formó tras un intenso estudio de Poe y estuvo tradujo al francés la obra de este genio, al igual que Charles Baudelaire. Con Poe el lenguaje escrito es diferente y busca cosas totalmente distintas. Junto a Kafka y a James Joyce, Poe entra en el grupo de los científicos de la prosa, como se les llama a veces con cierta ironía, ya que el lenguaje usados por ellos es como el científico; el lugar que ocupan las palabras, el rigor con que las usan y los fines que buscan alcanzar hace que un fragmento de sus textos se asemeje mucho a una ecuación sobre las sucesiones de Cauchy buscando el épsilon más pequeño posible para demostrar que son convergentes o un problema de Física. Se han buscado muchas correspondencias con el omnipresente Wittgenstein, y no se equivocaban, ya que el cuestionamiento y uso del lenguaje de Wittgenstein es muy similar al de Kafka, así como su tendencia al individualismo, al minimalismo expresivo y a una visión pesimista del mundo que ambos compartían.

Fotografía de Edgar Allan Poe.

Puesto que la obra de Poe es extensa, muy variada y rica, hemos de reducir algo para llegar a lo queremos; una idea principal del nacimiento de un método de escritura “poetiana”. Así pues, podemos distinguir del método de Poe dos aspectos fundamentales.

En primer lugar, la frase de Poe de que él escribía “cundo quería, sin hacer caso a la inspiración”. Así pues, tenemos que Poe elimina el 80% de los elementos casuales de su obra y estructura a priori sus intenciones. Tenemos como la imaginativa del genial escritor es “programada” para cumplir lo que él se propone. Se señala muchas veces que Poe estuvo trabajando durante un intervalo de tiempo destacable como redactor y corrector de artículos científicos, llegando él a realizar algunas láminas relacionadas con la naturaleza de los bivalvos, los peces y algunos ensayos, no muy adecuados, de lógica matemática. Así pues, Poe aprendió a como una puede ser desarrollada tras una profunda meditación una idea, pudiendo trabajar en ella cuando quisiese. Según amigos y gente que pudo ver trabajar a Poe, no escribía en un momento adecuado o concreto, sino que lo hacía donde y cuando él quería (al final de una comida, después de un paseo por el parque mientras descansaba en un banco o cuando trabajaba en la redacción del periódico de Boston, mientras descansaba de escribir sus artículos de crítica y relatos cortos.) ya que tenía un esquema con la idea global del texto y unos apuntes necesarios para empezar a trabajar. Hay una cosa que no se dice de Poe, y es que siempre mostró un interés elevado por las ciencias más rigurosas, tales como la astronomía, la física, las matemáticas y la criptografía, llegando a dominarlas con cierta soltura e incluso a atreverse a tratar en profundidad problemas como la estructura física del universo o descifrar páginas de códices mayas y de Leonardo Da Vinci. Podemos deducir, por lo dicho ahora y antes, que Poe aprendió a “matematizar” su trabajo. Charles Baudelaire se dio cuenta de este fenómeno, y dijo lo siguiente:

<> En una palabra, la poesía del norteamericano era «profunda y reverberante como el sueño, misteriosa y perfecta como el cristal».

Manuscrito de Poe para el poema “The Spirits of the Dead”. Se aprecia como la disposición de los versos, siempre cuidada y muy meditada, revela la complejidad de su sistema creativo.

No es que Poe acertase al cien por cien todas sus predicciones cosmológicos; por ejemplo, en “Eureka”, un libro que es fascinante por la imaginativa y el rigor de la palabra, está plagado de errores de cálculo y supone formas geométricas en el movimiento planetario que son totalmente imposibles de concebir a no ser en un universo donde la gravedad y el movimiento de los planetas sea distinto que el nuestro, pero Poe mostró como el método científico, al que había prestado cierta atención (no mucha según sus palabras, ya que quería algo entendible para muchas personas) podría ser un buen modelo para construir otro modelo artístico, caracterizado por el rigor y la imaginativa.

Importantísimo tener en cuenta esto otro. La visión de Poe no solo es pesimista, sino también es irónica. Se ríe en cierta manera de todo lo desgraciado que le pasa a la humanidad. Lo podemos ver en su texto “El escarabajo de oro”, el protagonista principal de la obra, en donde también aparecen códigos que se han de desentrañar, por cierto, pasa de ser un manojo de virtudes morales y éticas, y se convierte en un monstruo violento y racista a causa del dinero, o eso es lo que nos hace creer, ya que quería engañar a su amigo, que le consideraba en baja forma mentalmente. En su pequeño, pero muy hermoso e inteligente, cuento llamado “el retrato oval”, critica un concepto más metafísico que técnico que sobrevuela el arte desde hace tiempo; la obra de arte terminada. En el texto, un obsesivo pintor quiere hacer el retrato de su bella esposa, que tras horas y horas de posados no consigue ser plasmada con toda fidelidad en el lienzo, y cuando lo consigue, la mujer ya a fallecido. Poe no quiere dejar un solo títere con cabeza, así pues, hizo como todos los grandes filósofos y científicos de ese siglo; decir al ser humano cual es el sitio que le corresponde, que todo lo que considera como verdadero y único es fruto de su imaginación y que por debajo de lo brutal, del sinsentido aparente o de la crueldad irracional, siempre hay una explicación coherente, que crea un entorno bello y armónico en un mundo despiadado.

El wittgensteniano de nuestro tiempo. Joseph Kosuth.

2010-01-11T08:21:00.000-08:00

El otro día me sorprendió saber que uno de mis artistas conceptuales favoritos, junto a Bruce Nauman y Matta Gordon Clark, Joseph Kosuth seguía vivo y, aunque sin la actividad frenética y desmedida de antaño, permanecía en activo haciendo obras menores y escribiendo artículos para revistas artísticas y filosóficas. Esto me alegró, ya que es un artista de los que la humanidad necesitaría décadas de estudio, además de ser, como Nauman, un adicto a este bello y sutil universo que es la ciencia matemática y también la física.

Fotografía relativamente reciente de Joseph Kosuth.

Dentro de la obra de Kosuth podemos ver varios propósitos; investigar las relaciones léxicas del lenguaje científico y el cotidiano, el problema de los ordinarios, las relaciones formuladas antaño por Saussure del lenguaje como un compuesto de significados y significantes… pero uno siempre está presente, en especial desde que Kosuth estuvo en contacto con el grupo de Art & Language, nacido en Inglaterra, que es explorar la naturaleza del arte y contribuir, a través de extensos análisis, a resolver el problema de su identidad. Estos artistas, tanto Kosuth como A&L, para abreviar, partieron de un autor en común, que se propuso hacer lo mismo con el lenguaje y los fundamentos de la lógica; Ludwing Wittgenstein, el gran representante de la filosofía del lenguaje, representante del movimiento de segunda generación del Círculo de Viena, continuando el trabajo de gente como Rudolf Carnap, además de que trabajó tanto la filosofía como las matemáticas, la ingeniería aeronáutica (patento un modelo de hélice frontal que proporcionaba un despegue rápido), así como un diseño del gotero de las sondas de hospital modernas. También estuvo estudiando música, y mientras fue profesor en Cambridge, se aficionó al género “western”, queriendo hacer una película que nunca llegó a escribir ni dirigir.

Fotografía de Ludwing Wittgenstein como profesor de Cambridge.

Así pues, y también con una sospechosa influencia salida de la boca de Nauman de los analistas rusos de principios del siglo XX y finales del XIX, Kosuth elaboró en su primer grupo de obras, englobadas con la etiqueta “First investigation” una serie de obras en las que juega con la relación significado-significante, como muestran sus piezas en las que con un objeto real aparece junto a una impresión a gran escala de una definición del diccionario y una fotografía de otro similar. Así pues, tenemos reglas, sillas, y otros objetos con varios significados que están comprimidos en un objeto y su representación fotográfica. Así pues, vemos como el objeto representado y el objeto que lo representa a veces muestra sus discrepancias, no siendo siempre el mismo, y generando las famosas parábolas e incongruencias del lenguaje. Dentro de este grupo hay otras obras, más interesantes en su versión estructural y menos densas de entender que estas, además de que tienen un componente cómico muy pronunciado. Con neón de colores, Kosuth construye frases tal que se corresponda con el significado. Por ejemplo, tenemos una frase de cuatro colores, que reza “A four color sentence”, creando una similitud entre el significado de la frase, como se construye la frase y sus elementos. En matemáticas, aplicando la teoría de conjuntos, podíamos decir que hay una relación de equivalencia entre los elementos del conjunto “colores de la frase”, “significado de la frase” y “construcción de la frase”.

Sus posteriores trabajos ya son más complejos, y se sumergen en una búsqueda puramente conceptual, investigando conceptos como “infinito”, “arte”, “vida” y son de una complejidad muy elevada. Como filósofo Kosuth consiguió un estilo muy depurado en su prosa, y llegó a ser, junto a Robert Barry y Lawrence Weimer, uno de los teóricos del arte conceptual, además del miembro más joven de ellos. Su obra filosófica más importante se llama “Art after philosophy”, en donde propone una visión del arte que rompe con las demás; pasar de la filosofía y la ciencia al arte, observando todos los procesos artísticos como un conjunto de operaciones físicas, matemáticas y semánticas.

Imágenes de algunos trabajos con neón de Kosuth. Estos son una muestra de su brillante mente y su depurado y bello estilo. Nauman intentaría hacer trabajos muy parecidos a los de Kosuth, un par de años más joven que él, pero se rendiría, admitiendo que “la mente de Joseph [Kosuth] era mucho más aguda en ellos” que la suya, palabras propias de Bruce.

Django Reihardt y Pat Metheny: distintas epocas y mismo estilo de musica.

2010-01-04T10:07:00.000-08:00

Django Reihardt:

Jean Baptiste "Django" Reinhardt (1910-1953), guitarrista de jazz belga.Se crio junto con su familia, de origen gitano, cerca de Paris . Ciertamente, Django fue autodidacta y no sabia leer ni escribir, lo que hizo que las primeras grabaciones apareciesen firmadas por un tal "Jango Renard".Pero posiblemente su vida y su carrera musical no quedaron marcadas hasta 1928, debido a un accidente en el que casi queda lisiado. Sucedio que su mujer vendia flores de celuloide, material muy inflamable; y una noche Django creyo oir un raton y lo persiguio con una vela. Unas gotas cayeron en las flores e inmediatamente todo quedo envuelto en llamas. Django y su esposa se salvaron del fuego pero al guitarrista le costo caro ese accidente: las quemaduras en su pierna eran tales que casi se la amputan y dos de sus dedos de la mano izquierda quedaron inutilizados. Pero Django supo salir adelante y creo un estilo propio y muy original: el jazz "manouche", que es el nombre de los gitanos franceses. Junto con el violinista frances Stéphane Grappelli graba numerosos discos y tambien graba, tras la liberacion de Francia (la expulsion de los nazis) con musicos americanos. Se va a Estados Unidos y toco la guitarra electrica, pero no le fue tan bien como en los viejos tiempos. Murio en Francia, en el 53, de una hemorragia cerebral. Asi se fue uno de los grandes genios de la guitarra que nunca escribio partituras, como le dejo claro a Andres Segovia.Pero su habilidad, su gran capacidad de expesar sentimientos hizo que su reconocimiento fuese mayor aun que el del gran guitarrista español, o como diria el poeta frances Jean Cocteau :

“ Esa guitarra que se ríe y llora, guitarra con voz humana.”

Pat Metheny:

Patrick Bruce Martinez, o Pat Metheny (1954-), guitarrista de jazz. Nacido en una humilde familia de taqueros, Metheny comienza tocando la trompeta a los 8 años y se pasa a la guitarra a los 12 . A la temprana edad de 15 años Metheny ya tocaba con musicos reconocidos y con 18 ya era profesor de musica en la Universidade de Miami. A lo largo de los años, ha colaborado con musicos como Gary Burton, Steve Reich y David Bowie, ampliando el circulo del jazz con la musica minimalista. Ha ganado unos 17 Grammys y es considerado el Mejor guitarrista de Jazz. En estos ultimos años, ha bajado un poco su numero de giras debido a una infeccion en el oido. Sus albumes,desde 1976:

Bright Size Life (1976)
Watercolors (1977)

Pat Metheny Group (1978)
American Garage (1979)
As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981)
Offramp (1982)
Travels (1983)
First Circle (1984)
Works (1984)
Still Life (Talking) (1987)
Letter From Home (1989)
The Road To You (1993)
We Live Here (1995)
Quartet (1996)
Imaginary Day (1997)
Speaking Of Now (2002)
The Way Up (2005)

New Chautauqua (1979)
Secret Stories (1992)
Zero Tolerance For Silence (1994)
One Quiet Night (2003)

Beyond the Missouri Sky (1997)
Jim Hall & Pat Metheny (1999)
I can see your house from here (1994)
The Sign of 4, (1997)
Like Minds (1999)
Upojenie(2002)
Metheny Mehldau(2006)
Metheny Mehldau Quartet(2007)

80/81(1980)
Rejoicing[((1983))]
Song X, (1986)
Question And Answer (1990)
Trio 99 → 00, (2000)
Trio → Live(2000)
Day Trip (2008)

El príncipe y la princesa del jazz. Miles Davis y Anjani Thomas.

2010-01-04T07:59:00.000-08:00

El jazz tiene una estructura a veces muy elegante, otras veces es tan elegante que tiene el rigor de una composición clásica o contemporánea, resultando estéticamente placentera que hay matemáticos o físicos que lo disfrutan, como le pasa a Feynman con el cool jazz o Einstein con la música de Louis Amstrong, un autentico genio que reconocía a otro genio. Así pues, me gustaría hablar del jazz de Miles Davis y el de Anjani Thomas. En este caso, el estilo, muy elegante e inteligente de ambos músicos, les hace destacar por encima de mucho de sus compañeros de generación, llegando a ser considerados como unos auténticos “príncipes” del jazz.
Del primero ya se sabe que se admira especialmente en este sitio, ya que lo hemos citado para casi todo, y mi hermano le hizo una auténtica entrada dedicada a él, a Coltrane, y no me acuerdo que músicos más, que le llevó más de cuatro post. Yo voy a comentar un poco lo principal de su trabajo.

Fotografía de Miles Davis (arriba), un auténtico trompetista, de la clase de Chuk Mangioni y Dizzy Gillespy, trabajó todo los estilos del jazz, y sentó las bases del jazz electrónico y el jazz-rock, bien acogido por grandes de la música como Mark Knopfler, Duane Allman o Peter Gabriel. Anjani Thomas (abajo) no tiene una carrera tan variada como Miles, pero sí que hizo grandes experimentos mezclando el jazz con la música religiosa y el rock. El nivel de elegancia y rigor alcanzado por cada uno de ellos en su trabajo es más que digno de recordar.

Miles Davis empezó con sutiles baladas que luego iría depurándolas hasta alcanzar un estilo próximo al be boop, llegando a tocar junto a una de sus estrellas, el increíble saxofonista Charlie Parker. Después, evolucionaría su estilo hasta alcanzar una depuración técnica, que le haría ser considerarlo como uno de los representantes del cool jazz, movimiento que englobaba a grandes como el pianista Theolonius Monk, el increíble saxo de John Coltrane yal bajista, compositor y también poeta, Charles Mingus, hacía los cuales siento una admiración semejante a los matemáticos que me gustan. La gran obra de miles, el disco “Kind of Blue”, que cuenta con los geniales músicos John Coltrane, Bill Evans o Jimmy Cobb, muestra como la improvisación puede ser muy rigurosa y estéticamente muy elegante, además de buscar nuevas estructuras en el jazz que permitiesen al músico llegar a otras clases de composiciones; en todos los temas vemos como aparecen progresivamente estructuras que no son totalmente “jazz”, sino que ya nuevas. Aparte de eso, fue concedido por la crítica, la sociedad y los músicos como todo un hito digno de entrar en la Historia de la música. Por ejemplo, Duane Allman y Dickie Betts, recuerdan haber quedado de jóvenes tan encantados con el disco de Miles que decidieron hacer una interpretación de él con sus guitarras. A Miles le gustó la idea (le comunicaron en persona su cometido), pero no pudieron completar el trabajo, ya que no sabían cómo terminarlo de la manera en la que lo hizo el trompetista y compositor.

Portada de “Kind of Blue”. El disco absorbió más de un mes de grabación y casi toda una vida de elaboración (aun terminado, a Miles siempre se le ocurrían nuevas partes para el disco, o bien no terminaba de sentirse satisfecho del todo con su obra), pero supuso una autentica revolución del jazz, que además fue bien acogida por un amplio sector de la sociedad. Este año se recuerda las cinco décadas de vida de esta titánica obra, famosa por ser rompedora y estéticamente de una belleza suprema.

Después de “Kind of Blue”, Miles buscó nuevos campos en el que trabajar, y empezó la elaboración de su trabajo más personal e interesante. La fusión del jazz con el rock. Le interesaba muchísimo el trabajo de los músicos de rock más característicos de la época, en especial Jimmy Henrix, con quien siempre quiso tocar. Así pues, en colaboración con Marcus Miller, el gran y polifacético bajista, pianista, clarinetista, saxofonista y un largo etcétera, grabó el álbum “Tutu”, una autentica joya de la música experimental, donde hay temas como “Tutu”, fantástico hasta decir basta, y “Hannibal”, siempre sorprendente. También hay trabajos geniales de Miles, como la versión “Time after time” de Hypman y Lauper, que es totalmente sobrenatural, ya que consigue unas piezas de increíble complejidad técnica, pero que aún conservan ese destello sentimental, siempre claro e intenso, recordándome a Mozart, la sería estructura matemática combinada con el impulso humano.

Marcus Miller en concierto. Gracias a su colaboración con Miles, el jazz llegó a extremos insondables.

Miles está más que presente en trabajos como los post que muestro aquí, expuestos como un mero resumen de su maravillosa mente y la elegancia de su trabajo, así como el consiguió depurar su estilo desde la publicación de “Kind of blue” hasta sus últimos experimentos con la música electrónica:

http://www.youtube.com/watch?v=XGrUDAzlXzI
http://www.youtube.com/watch?v=00tzcnyDL68
http://www.youtube.com/watch?v=f4AJ2Z-lhoM

Anjani Thomas tiene una historia muy de músico de jazz. Nació en Hawái, donde aprendió a tocar el piano clásico y de jazz con músicos de la órbita de Bud Powell, así como la guitarra y llegó a un dominio de su voz destacable, muy dulce y sería al mismo tiempo. En Nueva York trabajó con muchos músicos, entre los que se encuentran Carl Anderson y Stanley Clark, pero encauzó su trabajo como corista y arreglista de coros para los discos de Leonard Cohen, con quien trabó una profunda amistad, y un trabajo en común muy productivo. Podemos escuchar la voz de Anjani y su trabajo como corista y arreglista de estos complejos coros en los discos “I´m your man”, donde además es pianista, “Various Positions” y el oportunista pero delicado “Dear Heather”. Cohen compuso una canción especial para ella, “Blue Alert”, que interpreta a la perfección y consigue aportar el estilo elegante y muy reflexivo que es propio del músico canadiense.

Anjani y Leonard Cohen. Su trabajo en común se prolongó durante décadas y décadas, llegando a ser recordada como una de las coristas e instrumentistas más próximas al músico y poeta.

Sus otros trabajos, en especial “The Sacred Names”, aparecido en el año 2000, su mejor trabajo de jazz con música religiosa, es una de sus obras maestras, y la que mejor muestra lo elegante que es su trabajo sin caer en la densidad. Podeís gozar de su voz y su habilidad al piano en estas entradas:

http://www.youtube.com/watch?v=UqXkc3jYc94
http://www.youtube.com/watch?v=vmfxf1DLLkM

“Las leyes físicas deben tener la simplicidad y la belleza de las matemáticas.” Paul Dirac y reflexiones sobre matemática, arte y ética.

2010-01-04T07:55:00.000-08:00

Cuando fue invitado a dar una conferencia de filosofía de la física, el físico relativista solo se puso en pie y escribió la frase con la que abríamos esta entrada en la pizarra del entarimado. Algo que parece una tontería, un sinsentido propio de un excéntrico que no sabe de lo que hablar y decide irse después de hacer una payasada. Nada de eso. Dirac fue un gran físico, sus contribuciones a la mecánica cuántica fueron más que destacables, y de las cuales vamos a hablar, así como de un poco de este titán de las matemáticas y de las ciencias positivas.

Paul Adrien Maurice Dirac, Paul Dirac para quienes somos sus amigos (mentira, era solo broma; me hubiese encantado conocerlo, de verdad.) fue un físico inglés, de orígenes suizos, famoso por sus contribuciones a la física cuántica y a la aplicación de sistemas matemáticas para el estudio de movimientos de partículas subatómicas. Ya con su doctorado, Dirac consiguió unir el trabajo de los dos grandes físicos de la mecánica cuántica, Werner Heisemberg y Erwin Schrödinger, en un solo modelo matemático, que como buen algebrista que era, que asocia cantidades medibles con los operadores de un espacio vectorial de Hilbert y describe las propiedades físicas del sistema.

Fotografía de un joven Paul Dirac.

La otra joya aportada por Dirac al mundo de la física de partículas viene dada en su “ecuación de Dirac”. Esta ecuación, cristalizada tras un largo trabajo sobre los espines no relativistas de Pauli (movimientos que realizan los pares de electrones de un determinado átomo), el gran Paul consiguió obtener la ecuación relativista de un electrón, permitiéndonos comprender la dinámica de este ya en esferas de conocimiento superiores. Con este trabajo Dirac pudo predecir la antipartícula del electrón, el positrón, y abrir una dimensión totalmente desconocida en el mundo de la física cuántica, tan complejo y hermosos que aun hoy es totalmente imposible para una sola persona entenderlo del todo.

Todos estos y trabajos dieron jugosos resultados y aun más recompensas; Dirac publicó en el año 1930 su “Principio de la mecánica cuántica”, un libro maravilloso, delicado y altamente instructivo. Algunos consideran que el libro fue dictado por un ser supremo y Dirac lo hizo claro de lo correcto que es. A partir de aquí le fue concedida la Cátedra Lucasiana de matemáticas de la Universidad de Cambridge, así como el premio Nobel en el año 1933 por su contribución al desarrollo de nuevas aplicaciones de la física atómica destinada para otros fines (lástima que algunos muy desastrosos, pero otros bastante importantes y dignos de ser recordados, como la fabricación de instrumentos de investigación con escalas muy reducidas) y que compartió orgullosamente con Schrödinger. El carácter modesto de Dirac ha sido más de una vez reseñado, y no solo con Schrödinger, sino también con Fermi o Heisemberg. A todos ellos les ha incluido en el nombre de sus ecuaciones y en el reconocimiento de haber llegado tan lejos. También le fue concedida una tumba junto a uno de los titanes de la Física, Isaac Newton, del cual ya sabéis que tengo una especial admiración por su trabajo y su estilo matemático.

El trabajo de Dirac, aparte de ser útil para otros campos de investigación, es muy sutil e interesante para aquellos que queremos que nuestras peripecias geométricas y algebraicas en el campo del dibujo y la acuarela lleguen a algo estable y se nos criticas por ello, diciendo que somos insuficientes en nuestros planteamientos. Cuando leí la frase, la única y lo única que dijo en todo el congreso de filosofía de la ciencia en la U.R.S.S se me ocurrió modificarla un poco e instaurar un nuevo axioma para el arte experimental:

“Toda obra de arte debe de tener la simplicidad y belleza de las matemáticas.”

Y dada la intemporalidad de las matemáticas y de los razonamientos claros como este podemos construir el siguiente axioma ético:

“La vida misma debe tener la simplicidad y la belleza de las matemáticas.”

Aunque con los tiempos que corren esto es algo difícil.

Su pasión fue siempre las matemáticas, era algo que Dirac admiraba (tan pronto como se licenció en ingeniería, se matriculo en matemáticas en la universidad de Bristol) y sabía que era lo que permitía en todo y a todos pensar las cosas de una manera clara, así como profunda. Todo artista que se mueva en pos de la belleza debería entender estas sabias palabras de Dirac. Así pues, si estas encuentras resonancias en la física, ¿Por qué no hacemos que las encuentre en el arte? Si creamos un arte geométrico que se ocupe del espacio, las relaciones tiempo-forma-espacio, podríamos llegar a una disciplina con el mismo rigor que las matemáticas, y por lo tanto igual de bella y honesta.

Dirac ante la pizarra con un esquema del movimiento del electrón en los átomos de hidrógeno.

Belleza y simetría natural. Daisetsuzan.

2010-01-04T07:49:00.000-08:00

Cuando hablamos en este blog de belleza, siempre hemos hablado de la matemática, y casi siempre la hemos relacionado con aspectos artificiales de la realidad. El arte, las máquinas, etc. Salvo con Smalley no hemos hablado de una belleza simétrica, ordenada, y de bellos colores que no haya sido creada por la mano del hombre. El otro día, observando un número pasado ya hará un año de la revista National Geographic, vi un reportaje sobre el parque japonés de Daisetsuzan, situado en el corazón primigenio de Hokkaido, este parque cuenta con más de 2300 kilómetros cuadrados en donde podemos encontrar todo tipos de especies vegetales y animales, como los últimos osos pardos de Japón.

El monte Asahi Dake, al fondo, cubierto por la nieve. Es el atributo más característico del parque, así como sus fumarolas sulfurosas. Todas las fotos de esta entrada son obra maravillosa de Michael Yamashita, fotógrafo de la revista National Geographic y que las publicó en el reportaje de Daisetsuzan en octubre del año 2008.

Desde el año 1934, el parque fue fundado para proteger la riqueza medioambiental que poseía Japón, que tras años de apogeo industrial, peligraba a quedarse sin ella. Ya Kenneth White, el viajero poeta inglés, o Matsuo Basho, la principal figura de la lírica japonesa del siglo XVIII, admiraron su belleza, y es que en estos 2300 km cuadrados uno puede encontrarse con un sinfín de paisajes: desde bosque de abedules centenarios, que recuerdan a las historias fantasmales y muy oscuras propias del folclore japonés, hasta humedales extensos, cuya combinación de rocas porosas y no crean en las estaciones más lluviosas un complejo jardín japonés a gran escala, teñido de los más bellos rojos, azules y grises que uno pueda observar.

Los bosques de abedules nevados (arriba) y los lagos, ciénagas y bosques bajos (abajo, una ciénaga de Daisetsuzan) conviven en perfecta armonía en el parque japonés.

Pero si hay que señalar un auténtico prodigio natural, aquello que sea “Daisetsuzan” en sí mismo, señalaría sin dudar dos veces el monte Asahi Dake, una de las montañas más altas del archipiélago japonés. En invierno muestra sus fumarolas, las cuales despiden toda clase de gases de colores y densidades distintas que se combinan a la perfección con la nieve, tanto en el sentido estético como en el químico. Esta belleza está a escasos metros del prodigio natural del que hablamos antes, la cascada del Velo del Ángel, que nace gracias al derretimiento de la nieve de los glaciares que se encuentran en la cordillera del Asahi Dake, y crea un caprichoso juego de arcos naturales, que al incidir la luz, crean un amplio espectro de colores y formas, dando un efecto de arquitectura de cristal, pero que a la vez se mueve y genera todo tipo de ruidos, teniendo como fondo toda una gama completa de colores verdes, grises y rojizos de los arboles que crecen alrededor suyo. Podemos ver como esta estructura natural, construida con materiales cien por cien naturales, y sin que agreda ningún ecosistema, sino que actúa como tal. Este es uno de los prodigios de la química y la física dadas en un sistema como es el que nuestra tierra, y razón por la que se debería de reflexionar nuestra relación con ella.

La cascada del Velo del Ángel durante el derretimiento de los glaciares en primavera.

Un titán con ropas de granjero. Harvest Moon.

2010-01-04T07:40:00.000-08:00

Fotografía del todopoderoso Neil Young en concierto.

En esta serie de artículos en los que hablo de discos que merecen, a mi parecer, la pena escuchar, no podía faltar este gran clásico, hecho durante una de las etapas más productivas del gran Neil Young, al cual se le tiene soberbia admiración en este blog.

Junto a “Everybody knows is nowhere”, al cual también le dedicaremos unas palabras, este disco muestra el soberbio manejo de la guitarra, piano y armónica que Young adquirió con el paso del tiempo, y le ha hecho llegar hasta el privilegiado lugar en donde está hoy. Aquí hay temas como “From Hank to Hendrix”, “Unknown Legend”, “Such a woman” o “You and me”, por no olvidarnos de los grandes como “Harvest Moon” o “Natural Beauty”, de los cuales se ha de hablar con detenimiento.

Portada de Harvest Moon.

“Harvest Moon” es todo un guiño al panorama popular norteamericano, con sonidos muy semejantes al country intelectual de John Denver o Johnny Cash y unos coros geniales, no tan buenos como “One of these days”, que es un perfecto argumento para apoyar las zonas campesinas a menor escala de los Estados Unidos, además de que en toda esta pieza, Neil consigue unas simetrías poco comunes en él, pero que la hacen auténtica, sin contar que Young enfoca de una manera bastante elegante el amor sin caer en lo embarazoso. Además su solo de armónica es algo fantástico, llegando a un sonido tan limpio y depurado que nada tiene que envidiar a los complejos instrumentos de viento, haciendo que nos reconsideremos la posición de esta en la música, casi siempre despreciada y pensada como mero acompañamiento. La guitarra también suena distinta, en todo el disco lo hace, ya que tiene un sonido muy limpio y preciso.

Esta limpieza es más que presentable en “Natural Beauty”, última pieza del disco, y la más larga. Proviene de un vivo, y aparte de la genial letra, el sonido de guitarra se asemeja bastante a sus primeras versiones de “Cowgirl in the sand”, pero ahora armonizada por la armónica y los coros, mucho más meditados que en “Everybody knows is nowhere”, y con un tinte distinto a muchas cosas de la época, siendo el sonido muy honesto. Aquí se hace presente aquella idea que sugerí hará un tiempo de “música tridimensional”; con la guitarra, las voces y la armónica, Neil crea todo un paisaje musical tridimensional, que con variaciones de ritmos y de escalas, pero conservando la simetría y la estructura de la pieza, somos capaces de movernos por él, a la vez que este se mueve con una velocidad relativa. Es como los problemas de velocidad relativa de Poincaré con su bonita solución geométrica (Yo hago los problemas de física con Young de fondo y me va muy bien). Y también es todo un canto de apoyo a esa belleza sin plásticos, ilusiones o engaños, la que posee el campo y la gente que lo trabaja, tal como le pasó a Van Gogh cuando estuvo en Arles. Esas imágenes del niño nacido en una habitación clara y las noches de verano son algo maravillosas, en especial como Neil las trata, siempre con una fuerte carga espacial, dejándonos que nos movamos libremente en ellas mientras ellas se mueven con un ritmo precioso. Nunca estaremos en paz con él por habernos dado una música tan buena.

El escultor de lo grandiosamente... pequeño. Alberto Giacometti

2010-01-04T07:35:00.000-08:00

A menudo se piensa en Miguel Ángel como esencia de lo escultura, como lo máximo que puede dar el hombre dentro del modelaje. En obras como “La Piedad”, “David” o sus mausoleos, pero no es solo ahí, en su grandioso y titánico trabajo, donde la escultura deja de ser una disciplina más y se convierte en un medio para entender. También llega a lo supremo en las manos de Giacometti.

Fotografía de Alberto Giacometti con sus diminutos modelos de yeso. “A veces eran tan pequeños que de un solo plumazo se deshacían” mencionaba a Pierre Matisse en una carta.

Ya me habéis oído hablar de él en más de una ocasión. Conocéis mi magnetismo hacía él de sobra, pero es que su trabajo se aleja mucho de caer en la escultura convencional, y se adentra en un campo nuevo, compartido por la ciencia y la filosofía, que es el saber, la capacidad de saber y de crear las herramientas para ello. Así pues, poniendo a prueba la elasticidad conceptual del vacío y lo lleno, correspondiéndose con el más absoluto ser y no ser, el escultor italiano fue, comenzando desde una escultura puramente realista, hasta una obra honesta, que sin caer en la trampa del ilusionismo mecanicista, como Calder (los móviles de Giacometti se caracterizan justamente por su falta de dinamismo; parecen que, como un péndulo, cuelgan sin que actúe sobre ellos nada más que el equilibrio generado por el peso y la tensión de la cuerda, permaneciendo en un estado de inmutabilidad) y sin un abigarramiento de los elementos escultóricos , llegando a un punto en donde ya no podía ver “más que el conjunto de una obra en su totalidad, ya que el detalle lo extraviaba de su camino”, dicho en palabras del propio autor. La obsesión por Giacometti de “ver” en su conjunto, el deseo de poseer el control absoluto de la obra (entiéndaseme aquí como que la obra expresara lo que el autor quería desde el principio. Hablo desde un punto de vista conceptual, no técnico ni ontológico. Giacometti siempre estaba dispuesto a fusionar en sus estatuas los sentimientos que su mente le otorgaba en el momento de trabajar, y que ya llevaba acumulados desde antes.) El autor vio que la proximidad con lo real, con lo que se denomina “verdad” y no “verdadero”, cosas que no siempre tiene que ver, como bien señalarían Poincaré y Heidegger, y esto le llevo a trabajar con formatos muy pequeños, estilizando las figuras y trabajando casi con elementos lineales.

“Le palais a quatre heures du matin”

Ya he citado más de una vez mi obsesión por esa escultura de Giacometti que representaría este rito de paso, “Le palais a quatre heures du matin”; esta obra es grandiosa porque su formato reducido y el uso casi mínimo de elementos formales (un par de elementos de madera tallada y unas varillas) son capaces de sostener una compleja red intelectual, donde lo más profundo de su psicología se sustenta y da un efecto de equilibrio, temor y misterio, combinado con la belleza de las rectas que pertenecen a planos no coplanarios que generan intersecciones no paralelas, siguiendo con el argot de la geometría lineal.
El “palacio” resulta interesante si se tiene una idea de lo que llegaría a hacer después, ya sumergido en la creación de esas figuras donde el movimiento ha quedado congelado y la quietud y la paz son algo muy relativo, ya que todo tiene un aspecto asfixiante, producto de la tensión entre ángulos y paralelas que es propia de la geometría.

“La place (II)”

Pesemos en una obra de formato muy reducido, “La place (II)” que apenas tiene unos 20 centímetros de base y las figuras rondan los siete centímetros de altura. Esta obra es fantástica, ya que en un espacio muy reducido, con unos elementos compositivos mínimos (ya ni por el color se preocupa) y con una distribución de estos armoniosa, hace que la posibilidad de ver estos elementos en conjunto nos aporte un entendimiento distinto de lo que normalmente entendemos como obra. Además, sin que la perspectiva ni la posición relativa a las estatuas, podemos percibir como la geometría de Giacometti (las intersecciones de las figuras, las paralelas de los brazos y los torsos de sus figuras y los ángulos casi imposibles de alcanzar en la realidad) es fantásticamente sencilla de construir, mas complejísima de pensar y aun más de plantear.

Cuando veo el trabajo de Giacometti a pequeña escala, me viene a la mente una frase de Ernest Rutherford, el gran físico que demostró que los electrones de un átomo existen, y no se encuentran adheridos al núcleo, sino que se mueven alrededor de él, que hay gente que dice que Giacometti tenía apuntado en uno de sus cuadernos de bocetos y apuntes, y es la siguiente: “Todo misterio de la naturaleza y las propiedades que posee, se descubren a pequeña escala.”

Dos grandes matemáticos que nos hicieron estar aquí. Ada Lovelace y Charles Babbage.

2009-12-21T08:21:00.000-08:00

Cuando llego temprano a mis clases en la universidad, no muchas ya que estudio a distancia, me paso por la biblioteca para hacer ejercicios de álgebra y física; antes de eso me encanta leer un artículo o dos de la revista “Investigación y ciencia”, de la cual siempre hay un ejemplar. Este mes tocó una interesante revisión del panorama de los lenguajes de alto nivel, como el Pascal de With o el ADA, así como unas imágenes que me impresionaron de las máquinas analítica y diferencial de Charles Babbage, de las cuales me quede prendado y me hizo pensar de que de mi primer portátil hasta el material informático que se usa para crear montajes de luz y sonido en festivales (serios) de música electrónica o el equipo informático del LHC, que por fin es utilizable, aleluya, derivaron de esta construcción. Gracias a las ideas de Charles y Ada ahora este blog existe y podemos comunicarnos, luego considero justo que les hagamos un pequeño y modesto homenaje.

Grabado de Charles Babbage.

El trabajo de Babbage es más interesante aun. Su pasión por el álgebra lineal y sus conocimientos astronómicos de las tablas de logaritmos, dignas de ser recordada, así como una aberración por el desorden y el caos llevó a construir una máquina de cálculo, como antaño lo hicieron Blaise Pascal y Leibniz, ambos estrellas en el mundo de los números, le llevó a diseñar una máquina que hiciese posible tabular polinomios con un método numérico. Presento esta idea como máquina diferencial en 1822 ante la royal Society, la cual le dio el sí así como una generosa cantidad de dinero. Babbage empezó su construcción inmediatamente, pero se encontró que los engranajes del interior de la máquina y las vibraciones provocaron fallos en el funcionamiento del aparato. Babbage no paraba de cambiar el diseño, luego también esto pudo ser un factor importante del fracaso de su máquina, que produjo un gasto enorme de dinero por parte de la Royal Society.

Fotografía de la máquina diferencial de Babbage. Aunque Babbage no vio su máquina terminada, su hijo hizo esta reconstrucción con los diseños de su padre y las piezas que el mismo elaboró. En el año 1991, el museo de Ciencias de Londres diseñó una máquina con el último diseño de Babbage y con piezas solo como las que pudo hacer el inglés, obteniendo un resultado satisfactorio.

Pero Babbage continuó perfeccionando su invento y durante los años 1833 y 1842, Babbage se vio inmerso en la construcción de un aparato que permitiese la realización de cualquier cálculo. Así pues nació el proyecto de la máquina analítica, precursora de la CPU moderna.

Fotografía de la máquina analítica, expuesta en el museo de Londres, junto a su
hermana “mayor”, la máquina diferencial.

La máquina analítica podía realizar las siguientes instrucciones:

•Calcular diversos resultados de operaciones aritméticas gracias a un procesador aritmético.

•Podía asignar distintas tareas gracias a la unidad de control.

•Tenía un dispositivo de salida y otro que permitía almacenar los números para ser procesados a posteriori.

El sistema utilizado para crear estos comandos fue el de las tarjetas perforadas. Ya el inventor e ingeniero francés Joseph Marie Jacquard vio las ventajas que tenían estas para programar las agujas de los telares automáticos que llevan su nombre y fueron usados en especial por los estudiantes y maestros de la Bauhaus; “El trabajo de un Jacquard es más bello que todos los telares prerrafaelistas.” Dijo Walter Gropius, director y arquitecto de la Bauhaus.

Litografía de Joseph Marie Jacquard tras haber recibido la medalla de la legión de Honor gracias a sus telares de tarjetas perforadas.

Para escribir estos programas, Babbage contó con la colaboración de una de las mejores matemáticas del mundo: la condesa de Lovelace, lady Ada Augusta Byron King,
o bien Ada Lovelace, hija del poeta inglés Lord Byron. Introducida en las matemáticas desde muy joven por el algebrista Augustus de Morgan, cuya labor se es de agradecer para aquellos que estudiamos la teoría de conjuntos, en especial los complementarios, Ada llegó a adquirir un manejo único en el campo del álgebra y mostró una curiosidad especial por los progresos de Jacquard y Babbage, apoyando tanto intelectual como económicamente el proyecto de la máquina analítica. Así pues, Ada pasó a ser considerada como la primera programadora informática de la historia de la Computación. En su honor, el lenguaje de alto nivel creado por el departamento de Defensa de los Estados Unidos lleva su nombre.

Retrato de Ada Lovelace como condesa de Lovelace.

Aunque el programa obtuvo resultados muy interesantes, hubo fallos en la precisión del cálculo de cifras altas. Esto hizo que Babbage dejase el proyecto, aunque Ada continuase escribiendo programas para su máquina y apoyando y comunicando a todos sus conocidos el trabajo de Babbage. Después de que ambos dejasen el trabajo, Ada continuaría con sus investigaciones en el álgebra lineal compaginándolo con su trabajo de difundir los avances de Babbage a otros sitios de Europa gracias a su influencia como condesa, y Babbage realizaría numeroso trabajos: criptógrafo, profesor de matemáticas en Cambridge, inventor del sistema de correos londinense y de la bocina para trenes, así como el creador de varias asociaciones científicas, centradas en la criptografía y la astronomía. También llevó durante sus últimos años una guerra abierta contra todo tipo de músicos callejeros, no obstante, estos se manifestaron delante de la puerta de su casa y tocaron todo lo alto que pudieron. Babbage salió al balcón con una “camisa blanca atada a su bastón” y dijo que se rendía, pero que “tocasen algo más tranquilo”, según un amigo que estaba con él.

No obstante, hemos de recordar a ambos como dos visionarios de algo que hoy es la herramienta en la sociedad de la comunicación y la ciencia, la computadora. Así como dos grandes y originales matemáticos, únicos en el campo del álgebra.

Pintura para pensar. Barnett Newman.

2009-12-18T07:33:00.000-08:00

Fotografía de Barnett Newman.

Una referencia de Brian Eno, un cuadro reproducido en un libro de matemáticas como ejemplo de creación de espacios vectoriales unidos y ya me despierta las ganas de saber más. Así es como me adentré en la obra de Barnett Newman, artista americano expresionista abstracto y minimalista, el cual se funda con un carácter místico y reflexivo muy curioso.

Pero Newman no ha de ser observado como dicen los críticos, sino como lo sugiere él.
Tras haber destruido unos cuadros expresionistas propios de su primera etapa y tras abandonar el lenguaje surrealista de Masson, que dominaba en sus composiciones a gran escala, Newman empieza su pintura de campos de color. En lienzos de formato considerable trabajaba con campos de color o uniformes o bien que creasen sus discrepancias, ya que al trabajaba de una manera muy diversa, sin equilibrar las distintas partes del todo compositivo, dejando que aflorasen discrepancias en el color y la textura. Estos campos de color se veían separados por una línea vertical, que recorría toda la altura del cuadro, conocida como “zip”. Los “zip” podían ser de colores y anchura ajenos, lo importante era que cumpliesen la separación de colores, y que equilibrase estas composiciones.

“Jericho”; una muestra de los zip.

Las composiciones de Newman se fueron alejando mucho de la de sus compañeros de trabajo de los años 50, como Jackson Pollock o Tony Smith, y se aproximaron cada vez más a las de Frank Stella, el pintor pre minimalista por excelencia, salvo que él seguía conservando la regularidad de los formatos, y admitía una experiencia del vacío en sus composiciones.

Fotografía donde se ve a (en orden de izquierda a derecha) Barnett Newman, Jackson Pollock y Tony Smith, durante una exposición y de la escultura por excelencia de este periodo de transición: El obelisco partido (abajo). Aunque la primera obra de Newman estuvo marcada con la de Pollock y el surrealismo francés, pronto Newman buscaría un estilo más depurado y menos “rococó” y muy poco denso. Así pues, entraría a trabajar con los campos de color y los zip.

Tampoco recargaba sus cuadros, ya que, en su fusión de ascetismo judío y de búsqueda zen de la situación artística, opinaba que el elemento regular debería siempre de estar presente en la obra, ya que si no lo hacía, esta perdía todo sustento arquitectónico y formal, y no conseguía transmitir al espectador esa claridad que el pintor había alcanzado en su actividad. Para él la claridad era fundamental, incluso composiciones tildadas de oscuras, como “Abraham” se aprecia una estructura meditativa sobre la obra a priori. El efecto causado es de una claridad y una espacialidad en dos dimensiones envidiables.

Dibujo a tinta china con “zips” de distinto grosor. El efecto obtenido nada envidia a una de las composiciones arquitectónicas o escultóricas más importante del mundo y de la historia del arte.

Pero si es algo que se presta a hacer pensar y sobre lo que pensar, es la serie de “dieciocho cantos”, todas litografías sobre distintos papeles de distinto grosor y combinando distintos colores de tintas. En cada uno de estos dibujos, Newman emplea zips y planos de color todos diferentes para crear ritmos, de acuerdo con los tempos musicales. Son obras maravillosas, ya que la espiritualidad, la serenidad y el gusto por la paz, permitiendo al espectador una actividad de reflexión y no solo contemplativa. Una auténtica belleza tanto formal como espiritualmente.

Serigrafías y litografías de “Cantos”. Las dieciocho composiciones de este trabajo indagan en el uso de unos elementos mínimos situados en el espacio y los cuales han de ser comprendidos como elementos arquitectónicos. La calma que respiran y la claridad de la que hable antes, hace que podamos obtener una experiencia semejante a la creación de una demostración geométrica. Elegante, activa, reflexiva y armónica.

Brillante a la española. Leonardo Torres Quevedo.

2009-12-16T06:59:00.000-08:00

Llevando por nombre el de uno de los genios del Renacimiento y como apellido el de uno de los mejores poetas del Barroco español uno está condenado a ser grande; este es el caso del matemático e ingeniero Leonardo Torres Quevedo. Español de nacimiento y educado en varias escuelas, tanto hispanas como francesas, desarrolló una carrera tan prodigiosa como veloz, además de muy variada.

Fotografía de Leonardo Torres.

Gracias a él se creó el Centro de ensayos de aeronáutica de Madrid en el año 1904, y luego, el Laboratorio de mecánica aplicada, en donde fue director de ambos. Esta oportunidad se le dio gracias al Telekino, sistema de control remoto que hacía uso de las ondas hertzianas y que perfeccionó en el año 1906 hasta que él supuso que estaba acabado. Su invento causó un gran asombro, así como una cierta reputación, la cual le permitió asistir a dar conferencias a las mejores universidades y academias de Europa. También estuvo al cargo de un diseño para un dirigible trilobulado, que le llevó mucho de su tiempo durante los años 1902 y 1909.

Fotografía de Leonardo trabajando en su despacho del Centro de ensayos aeronáuticos durante el año 1906 y 1908. Su reputación como ingeniero y un matemático excepcional le hizo ganarse el respeto de la comunidad científica española y europea.

Pero su pasión secreta era la mecánica aplicada a la construcción de máquinas de cálculo, como la de su querido Leibniz. Mediante sistemas mecánicos y electromecánicos, así como por la información que recibía de Inglaterra sobre los experimentos de Charles Babbage y lady Ada Lovelace, construyó una máquina para calcular polinomios de cualquier grado, que funcionó con relativo éxito. También se vio inmerso en la construcción de un autómata capaz de jugar al ajedrez y vencer a un rival humano, en el año 1912. A uno le sorprende lo antiguo que fueron sus hallazgos hoy, que las máquinas de ajedrez nos parecen algo de otra onda de conocimiento, de una complejidad absoluta. No obstante, y como lo defendía Torres Quevedo, “sabiendo crear algoritmos con una soltura más o menos reseñable no hay nada de la naturaleza que se escape a nuestros razonamientos abstractos”, como el mismo dijo en una conferencia.

Máquina de calcular de Torres Quevedo (arriba); de un diseño muy parecido a la de Babbage, la máquina tenía como objetivo calcular polinomios de n grado, dando preferencia a las ecuaciones diofánticas. Su máquina de ajedrez (abajo) cumplía con las funciones de cualquier programa de ordenador de partidas premeditadas o como los tableros “Atenas”, los cuales parten de diseños muy semejantes a los de Torres Quevedo. En la imagen se le ve a él (izquierda) y un jugador profesional (derecha) dando los últimos retoques al aparato.

Pero Leonardo aun no había mostrado todo su potencial en el campo de las matemáticas, y mucho menos aún en las aplicadas a la ingeniería del transporte. Así pues, empezó el diseño y la construcción del teleférico que atraviesa las cataratas del Niágara, apoyado tanto por el Gobierno español como nicaragüense, y siendo su sistema tan efectivo que aun hoy se sigue empleando.

Fotografía del teleférico diseñado por Torres Quevedo para atravesar las cataratas del Niágara.

Pocas veces uno siente una sensación de orgullo patrio, especialmente cuando aparecen casos de corrupción política, estafas de los propios alcaldes a su mismos vecinos o la violencia y el desprecio que muestra la población hacía los llegados de otros países o los que viven de una manera distinta, pero al contemplar los logros de gente tan buena y aplicada en lo suyo como Torres Quevedo o Juan Gris, uno se siente orgulloso del lugar en que trabajaron y vivieron, ya que está a la altura, a pesar de lo que pase en un futuro ya sea lejano o próximo, tanto evitable como inevitable, del resto del mundo, y que siempre se puedrán hacer cosas.

Duro con la especulación del arte contemporáneo. Ben Lewis

2009-12-16T06:49:00.000-08:00

Fotografía de Ben Lewis.

Aunque se diga que todos los documentales son aburridos, Ben Lewis siempre resulta muy ameno. Director, escritor y, como el mismo dice, ocasionalmente presentador, este crítico de arte realizó hará ya un tiempo un documental fantástico, cuyo título es “The great art contemporany bubble” en el que critica como el arte contemporáneo se estaba convirtiendo en pura moneda de cambio en manos de unos pocos millonarios, que, paradójicamente, apenas sabían nada de arte. En este trabajo Lewis muestra como las obras de arte estaban vistas y destinadas ahora a obtener cotizaciones bursátiles seguras y el espíritu de lucha, de innovación o estudio ya eran “opcionales para aquellos que no querían ser buenos artistas” como expuso un supuesto experto en arte que trabajaba para la casa de subastas Christie.
También nos muestra como algunos artistas y críticos de arte estaban dejando resbalar el poco interés y justicia que quedaba en el mundo del arte, dejando a gente como Andy Warhol o Richard Prince como meros fabricantes de un producto semejante a las latas de conserva, como las que pinto Andy, si se me permite la ironía.

Anuncio de la BBC del documental de Lewis.

Siguiendo un estilo crítico y muy agudo propio de documentales anteriores como “Art safari”, que se convirtió en un ensayo de éxito, Ben Lewis muestra como el resultado de las mejores mentes dentro del arte y los lugares de peregrinación intelectual (museos, galerías, salas de exposiciones, etc.) no son más que prejuicios puestos por una sociedad que tienen como fin supremo el ganar más dinero, cosa que entra en contradicción con la idea de arte moderno (pensemos en Van Gogh, Juan Gris o Nauman). Es un buen comienzo para saber cómo el mundo artístico combinado con el de la ciencia o la filosofía produce cosas geniales, pero que cuando se sumerge en el campo del dinero, se convierte en algo tan monstruoso, desproporcionado y caro, destinado solo hacer ganar dinero y que cada vez se va convirtiendo en un escaparate de productos de lujo. Si se quiere ser un buen artista, es obligatorio verlo.

Aquí tenéis un adelanto del documental. Espero que os guste y os entre la curiosidad.

http://www.youtube.com/watch?v=gth8_3msnIk

El leonard cohen más interesante. I´m your man.

2009-12-09T07:07:00.000-08:00

Quisiera agradecer la ayuda de Fran, vecino de Madiedo y el que más sabe de Leonard Cohen, en todas sus facetas, de los dos. Muy agradecido por toda la ayuda y material prestado.

Los cristales tienen un orden muy característico. La simetría y la proporción reinan en su ser. La música de Leonard Cohen, al menos de la de años antes de 1985, no parecía tener esa estructura; su música era como su poesía, un fluir de ideas, de sensaciones y de visiones. Difícil era decir hasta aquí, y más decir cómo deberían de acabar estas, o como empezar. Cuando los acordes se ajustaban como un guante a sus letras, estos apenas sufrían una variación. Pero esto cambió con la aparición del álbum “I´m your man” aproximadamente en 1988. El primer sonido nada más comenzar el disco es de un sintetizador, un infernal instrumento que el Cohen habitante de Hydra o el de discos más folks como “Songs for a room” rechazaría emplear, pero comienza, en ese tema cargado de ironía y burla llamado “First we take Manhattan”, llegando en la misma canción, a reírse tras pronunciar “quiero darte las gracias por los regalos que me enviaste” después de quedarse sin nada. Sonidos que Cohen había dicho anteriormente que no eran lo suficientemente bellos para ser incluidos en una canción. Además el mismo Cohen también cambió, ya no era ese poeta barbudo beat, lleno de problemas a causa de las drogas y de las mujeres, preocupado casi todo su tiempo por cuestiones estéticas y heroicas muy convencionales. Ahora es un hombre sutil, muy agudo en los temas que trata y cómo los trata y que se atreven a mirar la realidad y decir, sin un argumento que les haga huir por la tangente (en este caso espacial o temporal): “Sí, yo vivo aquí y ahora”.

Leonard Cohen durante la gira de I´m your man. Esta es del año 1992, aproximadamente.

El uso de una mayor instrumentación y de un interés por la capacidad de la ciencia en la mejora de estos instrumentos, no es hecho insignificante; también forma parte de la asimilación de que en el mundo contemporáneo hay cosas que merece la pena. En una entrevista se aprecia este cambio, cuando al ser preguntado por qué en vez de estar varías horas con la guitarra componiendo, lo hacía con un sintetizador de escaso tamaño que había adquirido recientemente, la respuesta fue la siguiente:

“He estado trabajando con esos sintetizadores de juguete [se entiende como sencillo, sin muchas complicaciones en su uso] durante los últimos años porque quería hacer canciones con ritmos que no podía tocar con la guitarra. No sé como tocar esos ritmos, pero los he oído en canciones de otra gente y me gustan. Pero con mi pequeño aparato puedes tocar un botón y tienes un sonido de tango, un rock lento o un rock rápido, un paso doble, una polca y un reggae y con todas esas ventajas, la verdad es que hace de ese instrumento un encanto, acabas cogiéndole cariño y sintiéndote muy unido a tu sintetizador de juguete.”

Este mismo problema lo tuvieron músicos como Ray Charles, Philip Glass o Brian Eno; vieron que los instrumentos clásicos se les quedaban corto y tuvieron que buscar nuevos, como estos sintetizadores, o instrumentos que tratan el viento de una manera digitalizada, como los que diseño Peter Gabriel y aun hoy se siguen usando, como el propio Cohen hace en sus escenarios, llegando también a tocar el teclado eléctrico o bien la guitarra, aplicando todas las estructuras nuevas que aprendió usando el sintetizador, y llegando a unos ritmos muy curiosos que rompen con el simple acompañamiento, como bien lo demostró en la gira del misma álbum y en la reciente “Live in London” aquí recomendado en la anterior entrada.

Carátula del álbum “I´m your man”. Ya la fotografía de la carátula muestra el tono de seriedad “mistico-poética” que Cohen muestra en este álbum; ninguna y si la usa es con fines irónicos.

Mas este cambio siempre viene, o suele venir, acompañado por otro más; el interés por el orden, la simetría musical y los nuevos sistemas de composición. En piezas como “I´m your man”, “Ain´t no cure for love” o “Tower of songs” ya se ve como la composición es más rígida, y los sonidos están mejor dispuestos que en discos anteriores. También puede verse como la música vocal encuentra un eco con esta “cristalización” melódica, muy apoyada por el trabajo de la artista experimental Anjani Thomas, que arregló varias veces los coros en canciones como “Everybody knows” y que estuvo junto a él en toda la gira. El efecto producido es un disco genial, lleno de armonía y de composiciones variadísimas, donde podemos encontrar tangos, melodías de jazz y valses, como el de la canción “Take this Waltz”, cuya letra es de Federico García Lorca, a quien Cohen admiraba muchísimo.

También es interesante ver como el humor negro, obtenido de un largo estudio de la obra de Edgar Allan Poe, es el que acompaña este disco, así como un reencuentro con el último y más meditativo Rimbaud, de cuya “Temporada en el infierno” se inspira para crear esa situación apocalíptica del tema “Everybody knows”, así como con el ejercicio de la meditación zen, el cual le permitió reflexionar sobre si de verdad su arte musical quería llegar hasta el final. La alegría y el humor, en especial el que nos hace reírnos de nosotros mismos y tomar conciencia si de verdad todos nuestros actos cambian de verdad el universo, si son tan importantes como para que todo el mundo sepa qué es lo que hemos hecho, afloran por todas partes en este trabajo. Mejor canción que “Ain´t not cure for love”, toda una crítica a todas las locuras de juventud que hizo por las mujeres, y como de viejo descubre que hay otros intereses, no hay en todo el disco.

Pero hay que escucharlo para tomar una decisión, por ello os acerco esto, para que contrastéis lo que digo:

http://www.youtube.com/watch?v=UUtgjjj75_Q
http://www.youtube.com/watch?v=E6asMGoX2DY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=TKJ-gQVJkek&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=E8vAH57hLNU
http://www.youtube.com/watch?v=97WoBfMAqMA

Entrada 99. Isaac Newton y resumen.

2009-12-09T06:59:00.000-08:00

En el mismo día que se escribió este blog, hará ya unos cinco meses, en una tarde de finales de junio, camino a casa, le dije a mi hermano que no aguantaríamos ni a la entrada número 99, me apasiona este número, aun no sé por qué; no obstante, me equivoqué y la ganó, por ahora, mi hermano, que dijo que llegaríamos hasta la 110. Así pues, decidimos hacer algo especial para esta ocasión, y ambos escribimos dos entradas; mi hermano se decantó por hacer un resumen de todo lo que hemos hecho, y yo por una que me llevó cierta lucha, sobre uno de los científicos más grandes de la historia; Isaac Newton. Así pues hemos visto que aun hay material para mucho tiempo, y lo más importante, gente que, como todos los que s interesáis por el blog, los que habéis colaborado y los que aun seguís mandándonos sugerencias, información, halagos, consejos, a los que poder contar todo lo que nos interesa. Así pues, antes de ponernos a empezar a escribir, os queremos dar gracias, de verdad por vuestro tiempo, ayuda e interés. Muchas gracias a todos.

Como al león por sus garras. Isaac Newton.

Por Alejandro Maiza

Es sabido ya que hay cosas por las que los hombres nos sentimos orgullosos; un trabajo artístico, un acontecimiento histórico, un fenómeno. Pero sentirse satisfecho con una persona, la cual se ha entregado totalmente a su trabajo y ha llegado a unos límites tan extraordinarios es difícil; no obstante, con Newton es obligatorio sentirse orgullosos y grande a la vez.

Grabado de un joven y prometedor Isaac Newton.

Mi primera proximidad a un científico de manera extra escolar fue justamente con Newton, cuando tenía quince años, en el último año de la educación secundaría; me fascinó lo sencillas que eran las leyes de Newton en su expresión y lo compleja que fue su planteamiento, y como se puede explicar todo un universo entero con ellas. En cuanto salí de la escuela me puse a navegar por internet y topé con parte de un estudio de José Manuel Sánchez Ron, titulado “Como al león por sus garras”. A partir de ahí, mi interés y devoción por él no ha hecho más que aumentar con el paso de los años, y aun sigue fascinándome todo lo que sale sobre él, en especial desde que uno lo ve como una construcción bella matemática que nada tiene que envidiar con las grandes composiciones arquitectónicas, pictóricas o literarias del Barroco, resultando el doble de honesta que todas estas gracias al dominio de los elementos matemáticos y su expresión vacía de ornamentos y que llega a una expresión del mundo mucho más depurada que otras.

Esta expresión salió de los labios del matemático Johan Bernouilli, cuando un cuarenta ñero Newton (el cual gran parte de los matemáticos europeos creían fracasado) dio respuesta a un complejo problema (el camino por el que un cuerpo muy pesado descendería más rápidamente desde un punto a otro que no estuviera directamente debajo) planteado a los mejores matemáticos de Europa, y salvo Newton (se rumorea que también L ´Hôpital también llegó a una solución congruente, pero aceptó que la de Newton fue mejor.)

Y es que Newton fue un auténtico león; la ciencia pasó con él a un nivel estelar. Su teoría de la gravitación universal, capaz de ser expresada con una ecuación matemática muy elegante y fina, llega a actuar sobre todo el universo. Sea cual sea el lugar donde se esté, esta ecuación no presenta discordias entre física teórica y experimental. Pero también resumir toda la dinámica en sus tres leyes del movimiento, auténticas joyas del pensamiento científico.

Portada de los “Principia” newtonianos (arriba), una de las obras maestras de Newton. En ella expone las leyes y fundamentos matemáticos geométricos y analíticos (centrados especialmente en el cálculo; hasta Euler, el análisis matemático se diferenciaba mucho al de ahora) que usó para crearlas. También se su ley de la gravitación universal, donde aquí vemos sus fundamentos esquematizadas (abajo). La idea de “fuerzas a distancias, que en la actualidad sabemos que también están presente en el electromagnetismo y en las radiaciones, fue toda una ruptura con el pensamiento aristotélico que aun se negaba a abandonar el lugar que ocupaba en la ciencia.

Pero en los “Philosophiae Naturalis Principia Mathematica”, publicados en el año 1687, no solo contribuyó a la física con las tres leyes de la dinámica (ya antes planteadas por René Descartes y Galileo Galilei, pero que no llegaron a obtener las expresiones matemáticas de Newton) y la ley de la gravitación universal. En este magnífico texto también desarrollo las matemáticas, las cuales no presentaban ningún secreto para él, y podemos ver su estudio en los binomios, así como en el cálculo diferencial, el cual le llevó una lucha por la autoría de este con el matemático y filósofo alemán Federico Godofredo Leibniz, llegando a vencer este, ya que su lenguaje y articulación son mucho más manejables que el del inglés. En esta batalla, llama la atención el carácter duro, egoísta, bastante mezquino y déspota de Newton, que ya aflora en los Principia cuando dijo arrogantemente “yo no hago hipótesis”, y lo mucho que le costaba publicar sus descubrimientos. Pero queda irrisorio con el ejercicio de meditación que le llevo hasta la creación de estas, consiguiendo superior dificultades titánicas, y tener que hacerlo sin contar con las herramientas necesarias para crear su obra. Para hacernos una idea, Newton fue como Calder, a pesar de que en su tiempo ya había muchas teorías y ejemplos de arte cinético, Calder tuvo que encontrar herramientas y materiales nuevos, además de un estilo propio. Aunque ya existían unas buenas teorías sobre la gravitación y el movimiento de los planetas, observados al detalle por genios como Kepler y Galileo, faltaba un rigor matemático y conceptual que justificase los movimientos de los planetas.

Pero Newton no solo es conocido por sus contribuciones a la mecánica y la dinámica; mientras estuvo en su finca de Woolsthorpe, en cuyo manzanar nació la leyenda de que Newton llegó a la conclusión de que la gravedad actuaba por que le cayó una manzana en la cabeza, durante todo el año de 1666, año en el que la universidad de Cambridge, donde Newton estuvo dando clases e investigando, cerró a causa de una epidemia, Newton realizó varios experimentos con prismas de cristal y lentes que él mismo talló, haciendo incidir la luz sobre ellas y estudiando la forma en la que los rayos se refractaban o reflexionan sobre las superficies de los espejos.

Sello expendido por las oficinas de Correos de Alemania donde se ve a Newton y un esquema de la refracción de colores al inferir en los prismas con los que trabajaba.

Todas estas investigaciones dieron como resultado un libro muy ameno e interesante de leer, que lleva como título “Opticks, or a Teatrise of the Reflexions, Refractions, Inflexions and Colours of Light”, en donde Newton explora un sistema empírico-deductivo muy curioso, así como sus esquemas geométricos, considerado por todo buen científico como unas de las más bellas creaciones dentro de este ámbito. A partir de estos trabajos, Newton fundamentó su teoría corpuscular de la luz, que compitió durante varios siglos con la de otro gran físico, Christian Huygens, hasta que el siglo XX, donde Einstein o Louis de Broglie dieron algunas respuestas que fusionaban ambos procesos, Broglie con los electrones con masa pero con una onda asociada, y Einstein con el fenómeno fotoeléctrico.

Ilustración del siglo XVIII donde se ve a Newton estudiando la luz con sus prismas. Durante la Ilustración el trabajo de Newton se ensalzó hasta límites impensables. Grandes pensadores como Kant, D´Alembert, Diderot, Lagrange, Laplace, Euler… e incluso Haydn y Mozart estudiaron la naturaleza o la filosofía y la música siguiendo el método newtoniano; usando gran parte del tiempo las matemáticas, en especial el cálculo y la geometría, y mediante serios planteamientos conceptuales.

De Groupius a Charlie Parker, 99 entradas ya.

Por Mikel Maiza

Hace casi cuatro meses, a Alejandro se le ocurrió montar su blog, un lugar donde poder exponer sus ideas, sus dibujos, sus gustos... Algo que no creiamos que fuera a durar tanto. Pero, por curioso que parezca, ya hay escritas 99 entradas. En estas 99 entradas, se han hablado de muchos temas, la mayoría de matemáticas, pero también de Leonard Cohen, de Bob Dylan, de Darwin e incluso de Lewis Carroll, pasando por músicos de jazz como Charlie Parker o Jackie Mclean. La mayor parte de las entradas se las debemos a Alejandro, por supuesto, que ha sido el que mas ha trabajado en sus temas. Yo, Mikel Maiza, tan solo me limite a exponer los dibujos que a mi estrambótica mente se le ocurría. Y hoy; ¡la entrada 99! (cuanto la estoy repitiendo, se debe a que no me lo puedo creer) El tiempo pasa muy rápido, y es que, como diría Basho, “los días son viajeros de la eternidad”.

El violín.

hipérbolas moradas sobre fondo gris.

Un mago utilizando la ciencia. Harry Houdini

2009-11-27T07:14:00.000-08:00

La prestidigitación, el escapismo, la telepatía, la lectura de la mente, la desaparación y la metamorfósis… Un buen espectáculo de magía siempre lleva algo de esto, a veces todo, pero esto no es magia, es mecánica, habilidad, e incluso matemáticas (muchos trucos de cartas y los que utilizan números se basan en ellas). Aunque parezca evidente, hay gente que piensa que esto y otro montón de cosas más, son en realidad productos dehabilidades y fuerzas sobre humanas. Lo que pasa es que hace ya casi un siglo que nadie ha dicho a estas personas que se equivocan, tal como hizo Harry Houdini, a la sociedad de finales del XIX.

Erich Weiss, el nombre que Houdini empleó al llegar a los Estados Unidos, de origen húngaro, cuyo padre era rabino, designado en América para dirigir una nueva congregación. Aunque el joven Houdini tuvo que trabajar desde muy joven para ayudar a su padre, madre y cinco hermanos con la cantidad de , descubriría muy pronto que los números circenses eran su vida, al ver una actuación del mago Dr. Lynn, y entonces comenzaría a hacer una seríe de espectáculos callejeros de contorsionísmo. Harry Houdini, nacería cuando cayo en sus manos un libro de memorias del mago Eugéne Robert-Houdin, y comenzaría una dedicación ya casi total al mundo de la magía, antes de una temporada como trapecista, durante la cual pudo desarrollar su resistrencia física de una manera importante, y que sería uno de los puntos clave para su trabajo posterior. Ya desde el comienzo, actuando como un prestidigitador chistoso, Houdini rechazaba que el mundo de lo sobre natural era el que determinaba o tenía que ser necesario para realizar el espectáculo; para él, era un medio de contaminar la mente de sus espectadores. En sus espectáculos de escapismo y desaparción, lo que se denomina entre magos “metámorfosis”, el consideraba que lo importante era la resistencia física y el conocimiento sobre las propiedades físicas y estructurales de las cadenas, baules y cántaros gigantes de leche, en donde se sumergía hasta el fondo. Su habilidad para hacer cerraduras trucadas la consiguió mediante el estudio de textos sobre estructuras que obtenía en los libros de sobre las propiedades físicas de estos, además de una asombrosa capacidad de ocultar las llaves en cualquier parte de su cuerpo.

Fotografía de Harry Houdini y los candados que abría sin dudar dos veces. Con el tiempo, el escapismo no tuvo ningún secreto para él.

No obstante,sería al morir su madre, a quien mostraba un afecto especial y cuya pérdida hizo que cayese en una depresión profunda, cuando se propondría de verdad luchar contra los falsos mediums que venían hacía el para ofrecerle la oportunidad de ponerse en contacto con ella, y contra aquellos que utilizaban sus supuestos poderes sobrenaturales para llenar sus bolsillos. Saboteando espectáculos de espiritismo, poniendo falsos códigos, como el que le propuso a su mujer en su lecho de muerte en el año 1926, y que, a pesar de esperar diez años después de su fallecimiento, no ningún medium que se propusiese conectar con él, consiguío más que ponerse en ridículo gracias a la trampa que Houdini había dejado al morir, o bien poniendose en contacto con la comunidad científica inglesa y americana, ayudándose de sus publicaciones en la revista “Scientific American”, en cuya redacción era siempre bienvenido y muy admirado por los autores y los colaboradores de la revista, que a veces era citado como el “paladín de la causa positivista”, alguno cuales llevó hasta el congreso de los Estados Unidos, para que apoyasen sus argumentos frente al Tribunal. No obstante, su actitud materializó amistades como rechazo, por ejemplo el escritor Sir Arthur Conan Doyle, que sí creía que los fenómenos paranormales estaban rodeandonos, le parecío muy molesto el trabajo de su amigo, así como a otros escritores como Charles Baudelaire, que le acusó de trabajar para las colonias británicas, y también fue anatemizado como espía de los Estados Unidos en los paises que visitaba, como Francía, Rusia o Alemanía.

Cartel de la película “El último gran mago”, estrenada en el año 2007 por Gillian Amstrong, y que cuenta en el reparto con un genial Guy Pearce, Timothy Spall y Catherine Zeta –Jones. También se hace algunos guiños a Houdini, en especial a su colaboración con científicos e ingenieros, en la película “The Prestige”, que cuenta con Hug Jackman, Christian Bale y Scarlett Johansson en reparto. Aunque ambas no son al 100% verídicas, es cierto que muestran mucho parecido con su vida, además de ser todo un homenaje al mismo mago, que adoraba el cine, los procesos de elaboración de una película y que luego participaría en varias de ellas, ya que siempre había sentido una atracción hacía el género de aventuras.

Cierto o no, lo importante es que Houdini sí que realizó un trabajo muy importante, y fue darle a una sociedad que, inadaptada aun a los progresos tecnológicos a los que había llegado aun creían en mitos y fenómenos que eran propios del más profundo medievo, y le dio a la ciencía, en especial a las matemáticas, la física y la ingeniería, que contaba con el trabajo de Maxwell, Riemman, Felix Klein, Poincaré o Watts, y decir que eran productoras de bellezas y capaces de generar espectáculos maravillosos, donde el hombre podían hacer lo que quisiese, apoyandose en la misma realidad. Con Houdini lo imposible, lo que nos genera expectación, como el salir de un recipiente lleno de agua, o caer de un rascacielos mientras se desabrocha una camisa de fuerza, es posible gracias al entendimiento de las leyes que hacen posible esos movimientos, esos efectos. Para resumir, nos mostró que con los conocimientos correctos, aquellos que nos hacen reflexionar sobre los hechos y no solo contemplarlos, podemos hacer lo que queramos.

Charlie Parker: un pájaro fugaz.

2009-11-26T09:05:00.000-08:00

Charlie Parker y Dizzy Gillespie, izq.
Charlie Parker (1920-1955), es considerado uno de los mayores saxofonistas del jazz y un precursor del bop o jazz moderno. Conocido como Bird, Parker era hijo de una enfermera y de un bailarín y cantante que abandonó a su familia cuando Charlie tendría apenas 10 años. Dejo pronto el colegio, a los 13 o 14 años, y fue tocando allí y allá, sin tener un rumbo fijo, participando en algunas orquestas. Es cuando conoce a Dizzy Gillespie, en 1940, estando con la orquesta de Jay Mcshann, y en el 44 los dos músicos empiezan a trabajar juntos. En sus grabaciones, se puede escuchar como Bird rompe con los esquemas de la Musica de aquel entonces. Los repetitivos temas de swing, que eran siempre los mismos interpretados por diferentes orquestas, habian anclado el destino del jazz, convirtiendolo en un estilo soso que tan solo servia para que los blancos de clase acomodada bailaran bebiendo martinis, en sus clubs de campo, donde habian mayordomos negros. No seria en ese ambiente, no, donde la verdadera musica moderna empezaria a nacer. Seria en los garitos oscuros y marginales donde los negros y blancos pobres irian a ahogar sus penas en whisky y a pasar un buen rato antes o despues de volver a sus trabajos como barrendero o camarero. Serian unos jovenes musicos afroamericanos y latinos los que construirian la musica tal como la conocemos hoy, que por sus ganas de cambiar la musica y su condicion ( estos musicos se empezaban a quedar sin trabajo en las orquestas de swing y no tenian donde ir). Por eso surgio lo que hoy conocemos como be- bop o jazz moderno, que Kenny Clarke tuvo la amabilidad de contarnos su significado :
" En realidad, la palabra be-bop no significa nada, solo es una etiqueta que pusieron los periodistas a nuestra musica. A nosotros nos habria bastado con llamarlo moderno."
Otros lo explicaban diciendo que era el sonido de la cabeza de un negro al ser aporreada por un policia blanco, uno de sus principales enemigos junto con los politicos conservadores. Sea como fuere, Parker revoluciono toda la musica de aquel entonces. Y como no, hubo voces que decian que el be-bop no era jazz ni era musica... claro que, entonces, ¿ que es para ellos el jazz? ¿El swing blanco, acaso? Por supuesto que se equivocaron, y fue gente como esa la que puso a Nixon o a Reagan en el poder.
Siguiendo con Parker, el pobre vio frustrada su carrera por culpa a su adiccion a la cocaina. Estuvo una epoca en rehabilitacion, y salio en 1947. A partir de entonces, dio numerosas giras en Europa y America, grabando discos, etc. Hasta que, en 1954, a los 3 años de edad, su hija Pree Parker muere por una neumonia. Es entonces cuando Parker empieza una etapa autodestructiva, tomando grandes cantidades de alcohol y drogas. Se intenta suicidar dos veces y, en 1955, muere finalmente, a los 35 años de edad, por un colapso cardiocirculatorio.
Discipulos y admiradores de Charlie Parker:
Parker tuvo numerosos discipulos, entre ellos, uno en especial, Jackie Mclean, pudo hablar con Parker una semana antes de morir. Cuenta Mclean que Parker, despue de un concierto le dijo algo como esto:
" Mirame, Jackie Mclean. Soy Charlie Parker y estoy pidiendo unos centavos para beber algo (...)
Dame una patada en el culo,"
Jackie Mclean se puso nervioso y le dijo que no, pero Parker siguio y le dijo:
"Quiero que me des una patada en el culo por haberme dejado llevar hasta este estado..."
Mclean le da la patada y Parker le recomienda lo siguiente:
" Jackie Mclean, nunca dejes que te hagan esto."
Seria la vida de Parker lo que haria que Julio Cortazar escribiera El Perseguidor, libro donde un tal Johny Carter, saxofonista de jazz, muere por las mismas circunstancias que Parker...
Tambien, Clint Eastwood dirigio una pelicula llamada Bird, que trata de lo mismo.
Bird y Miles Davis, derch.

La faceta minimalista de Mark Knopfler. Cal

2009-11-26T08:51:00.000-08:00

Fotografía de Mark Knopfler y sus guitarras.

Grande, muy grande, es este músico, siempre con ganas de experimentar con lo que la gente cree que no sirve para nada en especial, o simplemente pasa de ellos porque son muy dificiles de usar. Pero hay un trabajo de sus muchos discos de estudio que alcanza un nivel de complejidad y belleza como muy pocos consiguen al menos desear. Se trata del disco “Cal”, que recoge las piezas grabadas por Knopfler para la película del mismo nombre del director irlandes Pat O´Connor, basada en la novela de Bernard MacLaverty y que narra las aventutras de y desdichas del joven Cal, interpretado por John Lynch, miembro del IRA, que desarrolla una relación amorosa con Marcella, con una agil Hellen Mirren en su piel, una mujer extremadamente católica y viuda de un agente protestante del orden muerto a manos de la banda.

Portada del vinilo y del actual Cd de “Cal”, grabado en el año 1984.

Aparte del interesante planteamiento de la película y la denuncia de la violencia y desorden acaecidos en ese país por culpa de la intolerancia religiosa y la alienación de sus habitantes, incomprendidos por el estado centralista inglés y que lleva a muchos jóvenes a entrara en el círculo del IRA, la banda sonora de la película muestra una característica muy peculiar en la tradición del cine en dar preferancía a las grandes orquestas y los sonidos titánicos, o bien en emplear música que se escucha con mucha frecuencía, como hacen las comedias adolescentes y amorosas; con un grupo muy reducidos de músicos (creo que una gaita, un violin, alguna flauta y una bateria en contadas ocasiones), llegando el mismo Mark a ejecutar las melodias para la guitarra como solo él puede hacerlo, con una suavidad y un estilo muy depurado y fresco, mas sin caer en la pomposidad y lo recargado, llegó a elaborar unas piezas muy bellas e inteligentes, que no abandonan el espiritu alegre y muy melódico que es el que posee la música irlandesa. También es muy interersante ver como se plantea el disco: partiendo de un mismo tema, comenzado siempre por el violín, se va aumentado o acortando progresivamente, de una manera organizada y serial, como si fuese una sucesión de términos matemáticos. Se hizo una cosa muy parecida con la banda sonora de “El último mohicano” mas no tiene el mismo y genial efecto que “Cal”, además de no usar melodias tan complejamente sencillas (si seguimos a Morris) que utiliza el genial músico . El resultado de ellos es como una pieza para cámara de Mozart, muy intima, hogareña, pero con un componente intelectual que la hace única y que muestra como determinará el trabajo de Mark para el futuro, siendo uno de los rockeros con untrabajo muy interesante e inteligente, que nos dejaría joyas como “Sailing to Philadelphia”, uno de los discos más interesantes del rock que existen, ya que ofrece una música muy meditada y elaborada, proxima al minimalismo más formal..

Lista de los temas del disco “Cal” y la fotografía de un joven Knoplfer, año 1984.

Joyas para pensar. Elizabeth Sandoval.

2009-11-26T08:00:00.000-08:00

Me gustaría agradecer a la propía artista, Elizabeth Sandoval, el apoyo y revisión de los textos, así como le facilitamiento de las imágenes, para terminar con éxito este ejercicio de pensamiento.

En mis vacaciones en Pamplona, a veces suelo ver los escaparates de joyas, ya que la disposición de los elementos que hay en ellos es siempre muy atractiva, ya que se colocan de tal manera que se generen reflejos y brillen con mucha fuerza, creando una serie de campos de color y de reflejos muy llamativos. Es muy bello ver como esas piezas generan estos colores, mas pasa como un televisor; es bonita la imagen que sale de ellos y no el objeto. Las joyas llenas de pomposidad y de ornamentos y de materiales tan nobles que solo su presencia resultan empalagosas. No obstante, también la bisutería siempre ha resultado como algo tan cuestionable que a veces parece como si el que hiciese algo con eso estuviese desganado. Así pues, tenemos dos campos muy distintos y a la vez que se destruyen; la joyería cara y muy elevada, pero cargada y muy poco “honesta” en sentido artístico (si a ello le sumamos la cantidad de sufrimiento ajeno que lleva obtener diamantes, oro, plata de gran valor, platino, etc.) Y luego tenemos un esperpento de creación, ordinario y que hace que la misma persona que lo lleva sea auto cuestionada por un objeto, lo cual a veces resulta tan irónico.

Mas estas reflexiones no son caprichos de alguien que se propone hacer un ejercicio de razón para pasar el tiempo. La joyeria siempre ha resultado una rama de la escultura. Desde las coronas visigodas hasta las creaciones de Calder en el campo del diseño, muestran que la capacidad de detalle y de la conjugación formal pueden ser muy rigurosas a contemplarse a escala reducid, y generar unos efectos especiales muy ricos e interesantes. Así pues tenemos que una joya puede ser un objeto desencadenante de una reacción intelectual, y tener la misma importancia que una escultura. Y hoy en día encontrar a alguien que consiga crear una joya escultórica es muy difícil, por eso me gustaría hablar hoy de Elizabeth Sandoval.

Fotografía de Elizabeth Sandoval.

Esta artista, formada en la escuela Llotja y graduada en Artes Plásticas y Diseño en la especialidad de joyería, ha conseguido depurar un estilo muy semejante al de Calatrava y respondiendo al lema del arte minimalista “Menos es más” de Mies Van Der Rohen, es capaz de crear unas bellas estructuras utilizando materiales tales como la plata y las más variadas técnicas de modelaje para crear bellos detalles. Es interesantísimo ver cómo, abandonando el prestigio de los diamantes y el uso de geodas y sus correspondientes formas, consigue usar las superficies onduladas de una manera casi única, ya sea ondulándolas hasta obtener formas semejantes a peces o flautas, o superponer laminas con una determinada forma, creando unas superficies perfectamente armonizadas en tamaños y detalles, o bien empleando elementos lineales, tales como varillas de plata, siempre bien vistos a ojos de los minimalistas y artistas conceptuales, que rompen con la pomposidad del oro. Así pues, en vez de cegarse uno con las propiedades de la joya, le permite reflexionar sobre el espacio y la materia, como en la simetría y en la armonía de los elementos que se usan, recuperando las propiedades escultóricas de los elementos. Esto se puede ver en algunos momentos de su método de trabajo, en el que almacena varias formas elaboradas antes de tener una finalidad dentro del proceso de fabricación del objeto decorativo, tal como hacía Jorge Oteiza con las cartulinas que recortaba para sus collages, guardadas muchas de ellas sin usar en un estuche.

En esta pieza vemos como la forma se asemeja a las estructuras de Calatrava, utilizando múltiples pliegues, superficies onduladas y un bruñido especial en las piezas.

Pero a diferencia de muchos artistas de este campo, no solo se queda en mejorar un aspecto a trabajar dentro de la ontológica del arte, sino que con su labor, colabora con varios proyectos solidarios, por ejemplo, con la Asociación de Arte Ocre y Oro para recaudar fondos y destinarlos a la Fundación Alcer, que ayuda a los enfermos de riñón, y donando piezas para la para apoyar a los enfermos de esclerosis lateral amiotrófica.

Para conocer a esta curiosa creadora podéis acercaros a ella a través de la página web:

www.elizabethsandoval.es

O

www.asociacionocreyoro.es

Charles Mingus: menos que un perro.

2009-11-26T07:59:00.001-08:00

Charles Mingus,1971
Charles Mingus, es una de las personalidades mas famosas en el jazz,no por sus excentricidades, sino por su estilo y por las denuncias sociales (era un activista en contra de la injusticia racial).Nacido en 1922, en Arizona, su ascendencia es variada: asiatica, sueca, inglesa y afroamericana, siendo la ultima la predominante. Estudia diversos instrumentos: trombón, piano, chelo... y se decide por el bajo, instrumento por el cual le conocemos hoy en día. También, siendo joven, compuso varias obras que combinan música clásica y jazz. Toma como referencia a Red Callender, contrabajista en varias orquestas de swing. Mingus empieza a tocar con Satchmo ( Louis Arsmstrong)y Red Norvo, para luego trabajar con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, como su concierto en Toronto, junto con Max Roach y Bud Powell ( 1952). Con Roach, uno de sus mejores amigos, funda Debut records, compañía discografica. Compone Pithecanthropus Erectus, con el sello Atlantic Records, en 1956. Le siguen algunas grabaciones con Eric Dolphy, Duke Ellinghton, etc; y en 1972 escribe su biografía, "Beneath The Underdog", Menos que un perro en español. Es una dura critica a la época racista que le toco vivir. Muere finalmente en 1979, a causa de una enfermedad degenerativa muscular.
Izquierda: Charles Mingus, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Max Roach y Bud Powell, 1952.

Una familia con talento. Mike, Sally y Terry Oldfield

2009-11-26T07:53:00.000-08:00

Esta entrada fue más que posible gracias a la colaboración de Abel, de “Jazz y Saxofón”. Muchísimas gracias por todo

Si hay un tema de la música experimental que ha llegado a un reconocimiento bastante cálido han sido todas las partes de Tubular Bells, compuestas por el músico irlandes Mike Oldfield. La combinación de estilos y la cantidad de ritmos y tonos que emplea, además de su excelente dominio de la guitarra, hace una composición muy curiosa, así como titánica de más de cuarenta minutos de música, si solo consideramos las Tubular bells I y Tubular bells II, cercanas a las grandes composiciones de su admirado compositor Jean Sibelius, y tomando como referencia la música experimental y un acercamiento a las matemáticas menos conocidas, como a la geometria no euclidiana. Luego también mostraria intereses en la astrofísica, en donde se ve su efecto con la publicación de su album “Voyager” y la evolución de la informática, en especial el tratamiento de la imagen por ordenador y el uso de sintetizadores y métodos de mezcla.

No solo las campanes tubulares fueron su gran éxito. Temás como “Traccia” de fuerte orígenes celtas, “Guilty” donde hace un guiño a la música proxima al disco, “Incantions”, algo denso y abigarrado pero muy interesante,los temas “Shadows in the wall” y “Moon light Shadows”, todo un clásico en la música pop rock, y las composiciones del disco “Guitars”, no tan admiradas por el público más fiel de Oldfield debido a su carácter casi minimalista, donde consigue sacar unos sonidos y utilidades a las guitarras muy interesantes, además de ser todo un homenaje a su padre, que también tocaba la guitarra e introdujo al joven Mike en su aprendizaje; además, gracias al trabajo de Mike se pudo experimentar el poder de las pastillas MIDI, y obtener sonidos de guitarras más limpios y mejor registrados.

Fotografía de Mike Oldfield.

Pero los Oldfield no son solo reconocidos por el talento de Mike; sus dos hermanos mayores, Sally y Terry también hicieron cosas muy interesantes; tenemos el grupo Sallyangie”, de clara influencia folck-hippie, en donde Mike mostró sus dotes precoces con la guitarra y Sally su talento como cantante, grabando temas como “baloons” y el album “Children of the sun”, y que tras dejar ambos el proyecto en 1970 se dedicaría a la música vocal de influencías de su tierra natal; Irlanda, publicando el tema “Mirrors” en el año 1980 y definiendo su estilo con esta pieza.

Carátula de “Absoluty chilled”, de Sally Oldfield (en la portada).

Terry Oldfield, famoso por sus composiciones para documentales así como su colaboración en la música “new age”, cuyo proyecto fue tan ambicioso como el de su hermano Mike; crear una música que, mediante el uso mínimo de sonidos, los cuales provienen de instrumentos o bien modificados, como las flautas diseñadas por él, o exóticos, tales como shitares indios, guitarras japonesas y usando sintetizadores muy potente, sea algo especial.

Fotografía de Terry Oldfield.

Su música, como bien él ya a propuesto en más de una ocasión, siempre se ha visto siguiendo un objetivo muy concreto; crear resonancias anímicas mediante la armonía, la progresión delicada y el uso de ondas que, apenas audibles para nuestro oido, nos situan en estados emociales muy claros y relajados, permitiendo a nuestra mente la oportunidad de pensar en cosas totalmente difíciles, pero que siempre son interesantes, ya que siempre mostró, como su hermano, un interes por la ciencia y sus efectos sobre el hombre. Siguiendo con la típica pregunta: “Si estuvieses en una isla desierta y tuviese que llevarte solo tres Cds (cosa que siempre me a parecido ridícula, a no ser que también te dejen una radio solar) , ¿Cuáles serian?”, mi respuesta sería: “La música instrumental de Brian Eno, recogido en un Cd editado por él, algo de Bob Dylan o Philip Glass, aun no lo sé, pero probablemente a Glass, y el disco “Yoga Harmonys”, de Terry Oldfield, que llevo escuchando desde años atrás.” y es que ese disco es de una claridad y una belleza que solo un problema de matemática discreta puede tener.

Thelonious Monk+John Coltrane= Monk-Trane

2009-11-23T10:05:00.000-08:00

Monk/Coltrane

Estos articulos sobre estrellas del Jazz son un pequeño homenaje a aquellos que son olvidados por el paso del tiempo, su poca gloria ,etc.
John Coltrane: A love supreme, un regalo para Dios.
John Coltrane es posiblemente el mas grande saxofonista de la Historia, junto con Bird, Pres y Bean.Nacido en 1926, Coltrane tuvo una infancia bastante humilde, puesto que era hijo de costureros. En el instituto fue donde aquel joven encontraría su afición: la Música, tocando en la banda del lugar el saxo. En los años cuarenta no le va especialmente bien, tocando en orquestas como la de Dizz y algunos grupos pequeños. Creo que es cuando conoce a Miles Davis, en 1955, cuando su carrera empieza a ser lo que hoy admiramos. El primer grupo se separo y conoció, en el 57, a Monk, aun hoy habiendo varias grabaciones de su encuentro en el "Five Spot". Vuelve a juntarse con Miles en el 58 y un año después graban el mas grande de los discos del Jazz, la obra clásica por excelencia, el disco que todas las familias tendrían que tener en su casa y no un feo televisor de plasma: Kind of Blue. Pero no es Kind of blue el disco que le daria fama a Trane, sino A love supreme.Junto con el joven McCoy Tyner (conocido también como Sulaimon Saud para sus colegas sunnies y hermano de Jarvis Tyner, del Partido Comunista.), Jimmy Garrison y Elvin Jones. Según John, ese es su regalo a Dios ( la historia es que Trane tuvo muchos problemas con las drogas y al parecer hizo lo que hacen mucho adictos: refugiarse en la Religion. Su abuelo tambien habia sido pastor...) y no podeis imaginaros que regalo tan sencillo: una suite, de tan solo 4 partes (de 10 minutos o mas cada una, algo natural en John), como lo haria una persona que verdaderamente creeria en Dios. Desgraciadamente, Coltrane apenas pudo disfrutar de la fama pues muere en 1967, unos 8 años despues de sacar el disco,de un cancer de higado.
Thelonious Monk: Abyde with me y Monk-Trane:
Thelonious Monk, nacido en 1917, sea tal vez uno de los mejores pianistas del bebop. Su cercania a la religion se debe posiblemente a que trabajo como organista en la Iglesia Baptista, aparte de actuar para un pastor alrededor del mundo. Pero todo cambia cuando trabaja con Kenny Clarke, el legendario bateria y pionero del bebop. Trabajo tambien con musicos jovenes que empezaban a tener cierta reputacion, como Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Milt Jackson, Sonny Rollins... Y como cualquier musico, tuvo problemas con las drogas (lo detuvieron en 1951, por posesion de droga.Al parecer, esta pertenecia a su colega Bud Powell. Solo cuando conocio a Coltrane empezo a considerarle el publico el maestro que es en realidad.En las grabaciones de John y de Monk se muestra su religiosidad, especialmente en el pequeño himno Abyde with me. Por eso, Monk empezo a conseguir admiradores pero, como todos los musicos de verdad, murio en la mas profunda soledad, recluido por una enfermedad mental.

Humpty Dunty y determinantes. El gran genio de Lewis Carroll

2009-11-23T09:29:00.001-08:00

Fotógrafo, pastor anglicano, dibujante, matemático, principal reformista de la lógica aristotélica, propulsor de la lógica del lenguaje y un escritor como muy pocos existen en la historia de la literatura inglesa. Así podríamos hacernos una idea de la flexibilidad que tuvo la capacidad de Lewis Carroll, escritor de, entre sus obras más conocidas, “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia detrás del espejo”, siendo el primero un auténtico clásico de la literatura universal.

Tras hablar de varios autores importantes, no nos podíamos olvidar de este gran monstruo, cuyo nombre en realidad era Charles Lutwidge Dodgson, pero que fue sustituido por el que hemos hecho mención antes al empezar a publicar. Y no nos podíamos olvidar de él ya que toda su obra, daba igual en que campo, siempre replanteaba lo que se había hecho hasta el momento. Y si eso no es arte, no sé qué más puede ser, ya que, como buen kantiano que soy, no se me podía pasar por alto aquellos que, como decía Baudelaire sobre su método de escribir poesía, sacado de palabras de Edgar Allan Poe, “es tan aberrante para muchos, y tan agradable y placentero para pocos.” En unos muy escasos 66 años de vida (ya lo he dicho siempre y no me canso de decirlo; a uno lo tiene que llamar viejo a partir de que cumpla 200 años. Todo lo que ha vivido antes, es de adolescente.) Dejó su huella en varios métodos de resolución de matrices de mayor orden que tres mediante adjuntos y en varios campos del algebra lineal, promovió de una manera alucinante el desarrollo de la fotografía, llegando él ha realizar muchos retratos, en especial de niños, pero que no son vistos con muy buenos ojos por la sociedad actual, por lo cual me entenderéis que no ponga imágenes de ellos. Lo hago por el respeto a todos aquellos que esas imágenes le violenten y no tener problemas que censuren este pequeño lugar. No obstante, me gustaría decir que, como dijo el mismo Carroll, en esos retratos no se mira a los niños con ojos lujuriosos, sino como seres, muy pequeños e inconscientes en un mundo que resulta a veces muy confuso y dañino.

Retrato fotográfico de Lewiss Carroll con una lente. La fotografía suponía para él un campo artístico tan curioso como la literatura o las matemáticas.

Aunque estas imágenes replantearon el hecho de tomar las fotografías, ya que se daba preferencia a la naturaleza y el retratado tenía como objeto siempre expresar algo más de lo que su imagen daba, hay gente, considerada equívocamente experta, que ven en ellas un oscuro rasgo de Lewis, que fue la pederastia, mas yo creo, en siempre mísera opinión, que están muy lejos de tener un haz, por muy pequeño que sea, de lascivia, y se ofrece una visión muy dulce de algo que hoy se escapa en nuestras manos, que es el respeto, el enardecimiento y la alegría que se ve solo en los niños, y no solo como embarazos no deseados, bocas para alimentar y lugar donde poner frustraciones, deseos no realizados y cánones morales que son imbéciles. Para que la imagen de Carroll no queden olvidadas en el rechazo y la aspereza me gustaría recordar una anécdota de la boca de Roger Water, guitarrista y uno de los fundadores de la banda Pink Floyd, y es que él uso como influencia para hacer el perfil de niños que no les dejaban en paz, ni en la escuela, a los que aparecían en las imágenes de Carroll, y pensaba que esas imágenes representaban la infancia como muy pocos lo han hecho, “ni siquiera Dickens” sentenció.

Mas centrándonos en asuntos más trascendentales, el trabajo del Lewis escritor también es más que digno de recordar. Aunque siempre se ha sostenido que las obras de Carroll no son más que historias para que los niños pasen las horas aburridas de verano, escuchándolas debajo de los sauces, tal como Carroll recitaba a los niños que lo acompañaban en sus excursiones, guardan una rebelde y muy gamberra visión del mundo y de las herramientas del

Dibujo de John Tenniel. Aunque la primera edición fue ilustrada por la misma mano de Carroll, Tenniel hizo los dibujos de “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia detrás del espejo” colaborando directamente con el escritor.

intelecto, además de un cuestionamiento sobre los principios lógicos que sostienen todo el planteamiento y estructura de nuestra vida, tanto intelectual como social. No se pueden olvidar escenas como la variación de tamaño de Alicia al ingerir un determinado alimento, o como la Reina de los naipes y la joven jugaban al cricket con flamencos y puerco espines, en vez de palos y pelotas, con lo cual se plantea que toda proyección que hace la mente no son más que tabulaciones que quedan siempre en ridículo cuando se plantea con otros elementos, rompiendo la invulnerabilidad de los principios logísticos aristotélicos. Y qué decir de cómo se ríe de la retórica, en las conversaciones de conejo y sombrero mientras tomaban el té (todo un puntapié a las tradiciones anglosajonas, siempre llenas de pomposidad.) en donde sombrero perdía toda cordura argumentando sobre lo que él consideraba como lógico. Cuantos momentos inteligentes. Lástima que la mala comercialización de las obras de este y la constante visión infantil y problemática, siempre incorrecta y exagerada del todo, sobre la obra y persona de Carroll, la aparten de las manos de adultos y jóvenes, cayendo estas, tal como le pasó al trabajo de otro escritor fantástico, James Barry, y su obra teatral “Peter Pan”, que en vez de tomarse en serio se consideraron durante mucho tiempo (y aun hoy sigue siendo como “demasiado ocioso”) como libros para niños a veces “deficientes” de seriedad y argumento lógico, sometidos a dichosos cánones estéticos. Lástima que se enfoque así.

Dibujo de Lewiss para la primera versión de “Alicia en el país de las maravillas” en el capítulo del torneo de cricket con flamencos y puercoespines, que llevo por nombre “Alicia bajo el subsuelo”. Si queréis ver más dibujos y fotografías de Lewiss, lo podéis hacerlo en la página web: www.guiascostarica.com/alicia

“Mamá quiero ser Bruce Nauman”

2009-11-18T09:43:00.000-08:00

Hará ya un tiempo atrás, en el penúltimo urbano que me lleva a casa después de salir de la universidad, me encontré en el autobús con una madre y su hijo pequeño, tendría unos siete años, y, regañándole la madre al niño, este le salta, sin ton ni son (creo que ella le decía algo relacionado con portarse bien en el autobús o no pelear con sus compañeros de clase, no lo recuerdo bien), diciendo que “quería ser como Picasso, para hacer lo que yo quiero”. Esta expresión me llamó mucho la atención, como un retaco de menos de un metro va y dice que quería ser como Picasso, y más aun para hacer lo que quisiese, no llegaba a entender por qué lo dijo. Después de una torta monumental, la madre le explicaba a la que iba a su lado que el niño tenía una profesora “muy joven e inconsciente”, puntuó, que les había enseñado que Picasso hacía lo que quería y todos los escándalos donde se metió, además de darles fotocopiadas una obras de él “el colmo de lo grosero y lo atrevido” dijo bastante sufrida la madre. Esto me hizo plantearme dos cosas: saber quién era esa mujer y conocer sus intenciones, y la otra fue qué le diría yo a esa mujer si yo fuese el niño. La respuesta me llegó en un nanosegundo: “Mama, quiero ser como Bruce Nauman.” Y probablemente el argumento sería el mismo.
El trabajo de Nauman me ha hecho antes escribir sobre él. Ya sabéis por leer un artículo anterior que su formación en matemáticas, física y música, antes de dedicarse al arte, me llamo mucho la atención, pues adquirió una sólida base lógica y formal que luego le haría destacar por encima del resto de artistas conceptuales.

Curiosísimo retrato de un ya mayor Bruce Nauman.

Trabajo con diversos materiales, entre los que se encontraba las estructuras minimalistas, el video arte y los performance. Mención aparte merecen sus estructuras de neón, en donde emplea los juegos semánticos, al igual que Kosuth, o bien adquieren un toque más expresionista, mas en donde existe una profunda reflexión sobre lo que le rodea y que es lo que como artista y persona, se encuentra día a día.

Mención en especial merece la obra “Dead and sex” en donde aparece un grupo de siluetas luminosas de figuras separadas en dos grupos en donde cada uno de ellos se hacen daño y realizan actos obscenos, en un estúpido bucle infinito. Esta obra, más irónica que obscena y grotesca, podría representar perfectamente los primeros versos del tema “The Future” de Leonard Cohen o una de Dylan, como “Desolation row” o “Tombstone blues”, pues representa como el dinero, la codicia y las ganas de obtener todos los placeres que la sociedad dicen que son buenos, llevan al hombre social, porque está en grupos, donde apenas pueden separase los contornos de una figura y otra, a hacerse daño y destruirse. Toda una crítica que muestra como el pensamiento marxista crítico había influido en el trabajo de artistas conceptuales, dejándole un importante puesto en su producción.

“Sex and Dead” obra en neon.

El trabajo de Nauman abre una reflexión muy importante. Generalmente, el arte experimental y muy especial el matemático, se considera como un “algo” siempre separado o inconsciente de los problemas que nos afectan a diario, siendo su trabajo como un resultado alienante. Nauman demostró, como Duchamp, que si su trabajo, fundamentado en los principios físicos y lógicos de la matemática tenían su utilidad social, y era la de la crítica, con o sin ironía, de todo aquello que no le gusta en nada al artista y que sin embargo reina en el mundo, tal como mes la violencia, la corrupción, el destrozo del medio ambiente, el abuso del poder y todo aquello que está relacionando con esto. La matemática y la ciencia no están separadas de la realidad que les ha tocado vivir, ya que de sus cambios y transformaciones dependerán la orientación temática y los medios que vayan a obtener para su perpetuación. Lo mismo pasa con el arte experimental. Todo lo que se ha dice sobre esto resulta ser siempre un poco dudoso e infantil, ya que no existe ninguna base, y más de la mitad de las explicaciones se basan en prejuicios tan irracionales que dan vergüenza escucharlos. Cuando Nauman decidió, dentro del grupo de artistas conceptuales, tratar con temas ya relacionados con las imposiciones físicas que se nos imponen constantemente en la sociedad moderna y qué es lo que debería hacer un artista.

“Dead and live” otra obra de Nauman. Aqui se la puede ver apagado, mostrando toda la estructura técnica con la que funciona (arriba) y como resulta ser al iluminarla (abajo). Esta obra muestra, aparte de los dominio de Nauman sobre las herramientas estructurales del material usado y sus conocimeintos en física, como dominaba las matemáticas con bastante soltura. Este es un ejemplo perfecto de “permutaciones”: es decir, si suponemos como conjunto tods los verbos escritos en infinitivo anglosajón y luego otro conjunto de ocho colores, vemos como transmuta estos elementos mas permitiendo que a cada elemento del conjunto anterior le corresponda uno aplicando una función lineal.. delirios matemáticos de uno.

No obstante el trabajo de Nauman no se queda solo en la ironía social. Al igual que Kosuth o Eva Hesse siempre buscó dar al minimalismo una nueva dimensión, acercándose al arte conceptual y entrado por la puerta grande, considerado por sus contemporáneos como uno de los grandes. Entre sus composiciones destacan muchísimas obras de neón donde pone frases o símbolos de apariencia absurdos o redundantes, pero que el concepto y las relaciones que guardan semánticamente o gráficamente tienen todo el sentido del mundo, o que si uno se para a pensar puede ver como el ejercicio de reflexión sobre esa obra le permite crearla y entenderla, haciendo que el espectador también intervenga en el proceso creativo. Esto le acerca a una dimensión más seria del arte, que busca meditar y dar respuestas a antiguos dilemas y teoremas que se han considerado siempre como propios del arte y resultan que son algo insignificantes.

“Yes Bruce Nauman” neón, material textil y electrónico y hierro. Aquí los términos están vacios de un significado propio y apenas tienen algo que ver en una construcción narrativa. No obstante, ahora tienen algo que ver con la escultura y el entorno, ya que les ha dotado de colores y formas distintas.

Música para pensar. Brian Eno

2009-11-18T09:02:00.000-08:00

Fotografía de Brian Eno en su estudio. Vemos como emplea siempre más de un instrumento electrónico preparado especialmente para ello.

“Maestros para muchos artistas que quieren hacer de la música algo nuevo”, así lo clasifico Peter Gabriel, cuyo estilo proviene de un marcado Eno. Y es que fue un hombre cuya creatividad genial y muy fértil, cuyo trabajo aun continua fascinando a muchos. Ya sean seguidores del rock, de la música puramente electrónica o bien de la música ambiental; siempre encuentra una pieza de él que se corresponde con su estilo.
Tras haber estudiado bellas artes en parís, Eno comienza una carrera bastante diversa y llena de singularidades. Empezando a hacer experimentos con un sencillo teclado y un magnetófono, fue tratando de una manera la música rock e instrumental (jazz, clásica, minimalista, concreta y rock sinfónico) de una manera distinta. Sería en 1978, cuando le pidieron hablar de su disco “Music for films” cuando formuló los principios de la música “ambient” o música ambiente. A Eno se le ocurrió este término mientras en una de sus comprobaciones de grabaciones, escuchó lo que registraron en un día a volumen bajo y con un solo altavoz, dejando que el sonido exterior se infiltrase con la música. Según las propias palabras de Eno “era una nueva forma de oír la música integrada en el ambiente al igual que lo integran el color de la luz y el sonido de la lluvia”. Así pues, comenzó a depurar su estilo hasta llegar a una música cerebral pero muy llevadera, siempre agradable de oír.

Carátula de “Music for Film I” y de “Ambients”, dos trabajos donde se aprecia la consolidación de Eno en el campo de la música ambiental e instrumental.

También se aprecia cierto interés a la ciencia, cuya transmutación vendría dada con un disco “Before and after science” bastante interesante, y donde se aprecia una faceta poco conocida de Eno, que es la de dibujante, rama en la que tiende entre la abstracción y el dibujo zen, y en su trabajo “Discreet Music”, con lo cual hace un pequeño guiño a la matemática discreta, que se denomina al rama más visual de esta y contiene temas como los grafos, las sucesiones muy sencillas que dependen básicamente de factoriales y otro montón de cosas más que son muy interesantes más alargarían esto de una manera radical. También, en su música se aprecia un interés por la experimentación con instrumentos nuevos y sintetizadores más potentes y grabadoras de sonido con una capacidad apreciable, y un tratamiento del sonido que le acerca al minimalismo más radical de Glass y Steve Reich. También hay que mencionar su colaboración en el campo de la música experimental con gente tan interesante como el genial Robert Fripp, que interpretó su “An Index of metals”, David Bowie, el cual ejecutó con un prestigio más que notable “Warszawa” y “Moss garden”, el batería Phil Collins, John Cale y su brillante “The River” e incluso el pianista y familiar Roger Eno, llegando a integrar de una manera absolutamente genial el trabajo de todo músico que toca con él e imprimiendo su carácter en las composiciones sin alterar la finalidad del objetivo propuesto. Gracias a ellos y su poderosa capacidad de componer, nos ha dejado discos de la talla “Another day on Earth”, “Another green world”, “Discreet Music”, “Apollo” y “Wrong way up” aparte de muchísimos álbumes de reinterpretaciones y clásicos remasterizados donde muestra que aun tiene ganas de cuestionar todo lo que consideramos como música definitiva.

Fotografía donde se ve en el trabajo de estudio a unos jóvenes Brian Eno (a la mesa), David Bowie (centro) y Robert Fripp (al fondo). Los tres consiguieron que la música ambiental fuese una opción en el complicando mundo del pop comercial.

Mas no solo es recordado por su calidad como músico. Como productor ofreció a músicos emergentes en un océano complejo, donde se le llega a dar la espalda a la calidad y es vendida por unas míseras monedas. Peter Gabriel se apoyó en él para realizar algunos proyectos, por ejemplo. También, más próximo en el tiempo vemos como Eno tendió una mano al grupo de pop rock Coldplay, muy interesante en su trabajo “Viva la Vida”, y dejando el grupo un recuerdo de su trabajo con él en el uso de sonidos del natural y de sintetizador mezclados con la música.

Los integrantes de la banda ColdPlay: Chris Martin, Will Champion, Guy Berryman y John Buckland. Han sido la última apuesta (y muy acertada) de Eno.

Así pues también fue un defensor muy activa de la aceptación de los hábitos de meditación budista o el Fen Suit en sociedades que por aquel entonces no miraba bien ambas posturas. Pero si hay que darle las gracias por algo es por su trabajo original, muy variado e interesante y por crear una música que “ha de cuestionarse sus fundamentos siempre, mas ha de ser accesible a todo el mundo, dando igual la situación social, geográfica, o mental donde este y, a la vez que la disfruta, le permita reflexionar” palabras del propio compositor. ¿Y no es esto lo que se ha buscado desde el minimalismo? Gracias por existir señor Eno.

Brian Eno en uno de sus últimos concierto.

Mas la música de Eno es como cocinar, para disfrutarlo hay que hacerlo. Os acerco esto a ver qué os parece esto:

http://www.youtube.com/watch?v=swQAwnusJVQ&feature=PlayList&p=0B804892B79E039C&playnext=1&playnext_from=PL&index=11
http://www.youtube.com/watch?v=sLEgjBVtdhE
http://www.youtube.com/watch?v=nbnYYwNs6Zg
http://www.youtube.com/watch?v=d4geUoG1gsU&feature=PlayList&p=4E2579D312D05B9D&playnext=1&playnext_from=PL&index=43

Y podeís ver una entrevista fantastica en:
http://www.youtube.com/watch?v=Rm36ZxJboUI

Además de ver su página oficial en:
http://music.hyperreal.org/artists/brian_eno

2009-11-13T09:24:00.000-08:00

Alfred Wallace (izq.), Charles Darwin (der.)

Charles Darwin y Alfred Wallace

(O el arte de la Seleccion natural)

Uno de los grandes acontecimientos del Siglo XIX es probablemente la teoría de la Evolución. Pero, ¿que es?¿Quien y cuando la formulo? Este artículo os ayudara a saber un poco (no mucho) sobre quien postulo esta Teoría que ha afectado tanto a la Ciencia.
Teoría de la Evolución: ¿Que es?
Cuando hablamos de teoría de la Evolución, nos referimos al cambio
de perfil genético de un conjunto o población de individuos, que podría dar como resultado nuevas especies o novedades evolutivas. Un ejemplo podría ser la evolución del mono al hombre. Para este proceso, hemos pasado por Australophitecus, Homo erectus, Homo neanderthalis, Homo habilis,etc.
Charles Darwin, el hombre-mono.
Charles Robert Darwin (1809-1882), botánico y naturalista. Estudio Medicina en la Universidad de Edimburgo (1825), pero luego, en Cambridge, se dedico a su verdadera pasión: las Ciencias Naturales. A la temprana edad de 22 años parte de Inglaterra como medico en el H.M.S Beagle, fragata de guerra de 10 cañones capitaneada por el comandante Fitz-Roy, descendiente de Carlos II de Inglaterra. En este viaje, Darwin recoge cuantiosos especimenes de animales y plantas, aparte de escribir su Viaje de un naturalista alrededor del mundo, a veces separado en dos volúmenes.
En este diario Darwin comenta sus hallazgos paleontológicos, sus especimenes, los distintos mecanismos de vida de seres vivos e incluso los conflictos sociales de los lugares donde va, aparte de sus ideas abolicionistas y las situaciones de los aborígenes .Así ,el viaje de Darwin no lo podríamos definir como de placer, sino como de trabajo intensivo. Pero su trabajo mas famoso posiblemente sea El origen de las especies, obra que no fue publicada hasta 1859, cuando Darwin la empezó a idear en 1840 0 1839. Pero Darwin era un hombre cauto y calculador y fue moldeando poco a poco su teoría. Quien le iba a decir que durante ese tiempo, otro genio, Wallace, iba a llegar a las mismas conclusiones que el...
Alfred Rusell Wallace, un naturalista socialista.
Nacido en el seno de una familia de clase acomodada, Alfred Russell Wallace (1823-1913), es considerado una autoridad en el campo de la botánica. Fue un viajero excepcional, acompañando al también biólogo (entomólogo) Henry Bates al Amazonas. En este viaje, de vuelta a casa, el joven Wallace perdió toda su colección de especimenes debido al naufragio de su barco (1852). En cuanto a Bates, se quedo unos 7 años mas y recogió, con la característica paciencia de un naturalista, mas de 14.000 especimenes , de los cuales unos 8.000 eran inéditos para la Ciencia .Volviendo a Wallace ,escribió algunos artículos verdaderamente importantes como Sobre la ley que ha regulado la aparición de nuevas especies, donde defendía la teoría de la Evolución pero sin atribuirle una causa (1855).En 1858, escribió otro articulo, Sobre la tendencia de las variedades a diferenciarse indefinidamente del tipo original, esta vez muy acertado. Este articulo fue leído por Darwin, y dijo que era un excelente resumen del trabajo que había estado realizando desde hacia mas de 20 años. Se consideraba un socialista.

Un poco sobre la ideología abolicionista de Charles Darwin (extractos de Viaje de un naturalista alrededor del mundo,tomo II.)

“El 19 de Agosto abandonamos en definitiva las costas del Brasil, dando gracias a Dios de no tener que volver a visitar países de esclavos (…)En Río de Janeiro, vivía yo en frente de la casa de una señora mayor, que tenia tornillos para estrujar los dedos de sus esclavas ( …) Pues bien, estas crueldades ocurrían en una colonia española donde se asegura quese trata a los esclavos mejor que lo hacen los portugueses o otros europeos (…) Los que excusan a los dueños de los esclavos y permanecen indiferentes ante la posición de las victimas no se han puesto jamás en el lugar de esos infelices.¡Qué porvenir tan terrible, sin esperanza del cambio mas ligero! ¡Figuraos cual seria vuestra vida si tuvieseis constantemente presente la idea de que vuestra familia, esos seres que las leyes naturales han hecho tan queridos hasta para los esclavos, os han de ser arrancados del hogar para ser vendidos, como bestias de carga, al mejor postor!"

Texto sacado del libro Viaje de un naturalista alrededor del mundo, tomo II. Ediciones AKAL, de bolsillo.

Filosofía para movimientos plásticos. Inmanuel Kant.

2009-11-13T09:09:00.000-08:00

La filosofía es un campo lleno de genialidades, y de gente que se encuentra a la altura de los resultados a los que llegan, mostrando una agudeza mental y un talante que muy pocos son capaces de adquirir. Pensemos en Platón, grande de grandes, que consiguió fundamentar la teoría del conocimiento separando dos campos tan simples en formular pero complicadísimos en su distinción, tales como las ideas (ya sea cielo o red) y el mundo de la realidad, en donde no hay más que reflejos, si se les puede llamar así, de lo las ideas. Este principio abrió las puertas a un campo de investigación tan grande como adaptable a cualquier lenguaje y visión. Y qué decir de Baruch de Espinoza y su soberbia mente, capaz de emplear el “more geométrico” en cada hecho, por muy pequeño que sea, de lo cotidiano, poniendo nuestra mente en situaciones totalmente nuevas. Y ya Deleuze, Derrida, Wittgenstein, Russel, Cioran…Tanto de lo que hablar.

Mas ahora me gustaría comentaros algo de otro grande que a veces queda en el olvido, o se cita muy poco, menos de lo recomendado. Ese es Inmanuel Kant, él filósofo de Koninsberg (misma ciudad donde Leonard Euler plantea el problema de los siete puentes y abre una dimensión nueva a la topología matemática.) y supremo en la defensa del idealismo trascendental. Cómo pensador es casi único; pocos han llegado a profundizar como él en la forma en la que la razón estructura las herramientas necesarias para comprender un hecho. Como estudioso de la ética, la moral y los problemas que tiene una sociedad con la religión, no tiene comparación, mas si por algo destacó es por poner lo que durante siglos y siglos, no se había dudado de que era infalible: Nuestra razón. En su obra “Crítica a la razón pura”, Kant muestra que la distinción creada entre empiristas y racionalistas no era en el fondo más de una pelea de niños; con una habilidad muy propia de un relojero o un matemático (cosas que ambas le interesaba, en especial las matemáticas y a la física también.) consiguió demostrar que todo acto mental es una composición de análisis que hace la mente, utilizando unos “parámetros”, propios de ella, que son el tiempo y el espacio, de un objeto captado en el exterior entrando aquí las matemáticas, construyendo una “sensación” que después, atribuyéndole un concepto, consigue ser expresado; este hecho estaba muy cerca de la física. Claro que esto no es exactamente así. De un plumazo he intentado resumir, muy burdamente, por cierto, los dos primeros bloques de la obra, que son la “estética trascendental” y la “analítica trascendental”. Lo que quiero hacer es apresurarme para llegar a lo que importa de este artículo: cuál ha sido la influencia de Kant en el mundo de las artes.

Retrato de Inmanuel Kant.

A partir de la segunda mitad del siglo XX tenemos una aplicación kantiana casi a “infra venosa” en nuestra cultura. Artistas cansados de la tradición tales como Jackson Pollock, o los minimalistas, tales como Donald Judd, Eva Hesse, Richard Serra, Robert Morris o Philip Glass, mostraron en su trabajo como el arte debía de cumplir la función que decía Kant en esa obra que es la “Crítica a la razón pura”: “El arte siempre ha de cuestionar sus fundamentos y replantearlos.” Ya sea usando menos de la mitad de notas que de costumbre, dejando que el material se muestre, con sus imperfecciones y detalles o acabando con las categorías tradicionales tales como “pintura”, “escultura”, “teatro”, “poesía”, etc. Muchísimos más agudos y kantianos fueron los artistas conceptuales. Aparte de asumir la estética minimalista, también fueron más allá de lo que había hecho el minimalismo, tocando ya temas como el lenguaje y los métodos de su construcción, además de esos fundamentos que la razón hacía propios y necesarios para actuar, de los que hablábamos al principio: el tiempo y el espacio.

Nombres como Sol Lewitt y Lawrence Weiner, ambos minimalistas consumados en los albores de sus carreras, o ya artistas con una sólida base científica como Bruce Nauman, o filosófica como Joseph Kosuth o Hanne Darboven, por no hablar de genios como Matta Gordon-Clark, Victor Acconci, o Robert Barry. El nivel a donde llevaron ellos el arte es muy difícil de pensar y de entender, que exigen más conocimientos para entenderlos que al resto de la mayoría, mas sabiendo que provienen del pensamiento kantiano y de movimientos intelectuales muy semejantes a este como puede ser la filosofía del lenguaje de Wittgenstein o la fenomenología de Husserl.
Aparte de un literato sorprendente, Kant fue un personaje extraordinario. Su sentido del humor, del orden, del rigor y de la voluntad ante el trabajo son cualidades propias incomparables. Cómo se cita en muchas ocasiones, Kant tenía una pasión por llevar cierto control, a veces rayando lo excesivo, sobre todos los factores de su vida. Se dice que salía siempre a pasear por la mañana con tal exactitud, que los relojeros aprovechaban para poner la cuerda en sus relojes, salvo por una vez, que tan absorto en la lectura del “Emilio” de Rousseau, se olvido de salir. Pero aparte de estos pequeños chismes, es más que honroso ver como su pasión por el conocimiento no lo aparto de las ciencias, en especial, por las matemáticas y la física, como ya dije antes. En su biblioteca también había libros sobre Kepler, Galileo, los matemáticos griegos, y muy especial, de Isaac Newton, del cual era más que un seguidor, utilizando su método mismo para crear su estilo de reflexionar sobre los acontecimientos que más le preocupaban. También realizó más de un experimento galileniano y de los que propuso Newton en su tratado sobre la óptica.
Así pues, después de ver qué gran personaje fue; ¿Cómo se va a dejar de lado en el proceso creativo y en el desarrollo intelectual de una persona?

Yo, como Judd, Nauman o Glass, propongo que, en el difícil camino del arte experimental, se tome a Kant como un modelo a seguir en todos los aspectos. Pues enseña que da igual que tipo de lenguaje desees usar y que campo investigar. Las matemáticas siempre estarán presentes, y siempre es será necesario replantearte tanto tu posición temporal y espacial como artista, así como tu trabajo. Luego Kant, y en especial su filosofía, hacen de motor tanto intelectual como espiritual, en el sentido menos embarazoso de la palabra, y es su forma de pensar la que genera todo avance en el camino de una persona.

Arquitecturas, muy, muy pequeñas. Richard Smalley.

2009-11-09T08:38:00.000-08:00

Dedicado a Abel. Que me hace ver lo bonito que es lo más invisible, y a todos los que, leyendo esto, contribuyan a mirar todo desde una perspesctiva nueva.

Es curioso, mas en este espacio solo hemos citado a un premio Nobel, y fue el fantástico Feynman recordando su trabajo en electromecánica cuántica. Aprovechando la ocasión me gustaría hablaros de un hombre cuyo talento era muy semejante al de este genio alejado de toda categoría y atributo. Se trata de Richard Smalley.
Smalley fue un químico norte americano, además de profesor universitario cuya capacidad de comunicar fue más que destacable, haciendo memorables sus clases doctorales y de presentación del curso. Smalley trabajó a partir de las observaciones de Harold Kroto sobre los patrones geométricos de cristalización en las partículas de carbono. Junto con su colaborador, Robert Curl, descubrió que en las síntesis químicas de esta sustancia se generaban unos espacios geométricos de características claramente reconocibles en una escala muy pequeña. A estos cuerpos se le dio el nombre de fulerenos, en honor al arquitecto Buckminster Fuller, del cual ya hablamos de él con anterioridad, famoso por la creación de sus cúpulas geodésicas, que permitió la creación tanto de grandes construcciones así como casas
de fabricación barata y el diseño de coches más espaciosos.

Fotografía de smalley con un modelo de fulereno.

El descubrimiento de ambos les hizo merecedores del premio Nobel de química en el año 1996, en cuya victoria también participó Kroto. En la actualidad el descubrimiento de Smalley y sus compañeros de laboratorio ha conseguido tener un eco muy fuerte. Gracias al conocimiento de las propiedades de los fulerenos se ha conseguido mejorar los microprocesadores de aparatos de música, reproductores de video, las nuevas pantallas de ordenadores y las televisiones de plasma que emplean lo último en micro LED s. mención aparte merece experimentos realizados en la investigación molecular, cuyo ejemplo, sino importan te mas sí muy curioso y muy “artístico”, fue la creación del primer vehículo a escala “nano técnica” (el nanómetro es la expresión de dividir un metro en unas 100 millones de marcas y suele representarse en notación científica como 10^-9 metros.), que consiste en una cadena de moléculas de carbono alas cuales se les han adherido unas “buckyesferas” como ruedas. Una aplicación, como dije antes, la mar de llamativa. Este experimento fue realizado en la Universidad de Rice, en Houston, en donde Smalley daba clases, y donde siguió encantado el proyecto. Mención aparte son las aplicaciones de la nanotecnología en el campo de la medicina, pues se ha permitido crear remedios para erradicar tumores en su fase inicial, como bien demostró Jennifer West en varios ratones usando nano esferas de oro. Lamentablemente todo esto ocurrió mucho después de que Smalley, que ya había buscado varías aplicaciones para lo que había descubierto, muriese de leucemia, a la cual no habían encontrado ningún tratamiento, en el año 2005.

Ilustración donde se muestra varios elementos estudiados por Smalley. Buckyesferas, nanotubos... y las relaciones que guardan entre sí.

Como científico, como todos los que citamos aquí, se aleja mucho de un tecnócrata, buscando solo aplicaciones prácticas a un hecho descubierto. Smalley quería llegar a demostrar que cualquier fenómeno de dimensiones pequeñas, muy pero que muy pequeñas, podía causar un efecto a gran escala de proporciones impensables, o bien tan cotidianas como es nuestro cuerpo. Smalley quería legar a demostrar esto, y una vez que lo hizo, descubriendo las características geométricas de los fulerenos, y la capacidad de generar nuevos espacios con ellos, tales como los nanotubos de carbono, ideales para transportar electricidad a grandes cantidades, siendo muy resistentes, con los cuales Smalley soñaba hacer un tejido para llevar electricidad y datos codificados a países subdesarrollados y reducir en el resto de países el número de torretas, metros y metros de cable y centrales que existen y no generan ningún beneficio y no hacen más que dañar el medio ambiente. Pero esto quedo, a pesar de todo como un simple sueño. El respeto hacía el mundo vivo de Smalley no era solo científico; la naturaleza, como bien nos lo ha demostrado su investigación, es una caja llena de muy dulces sorpresas y fenómenos, además de un sinfín de bellas estructuras dignas del mejor arquitecto y que se originan gracias a la combinación de sustancias que actúan mediante patrones basados en las matemáticas y regulado por las leyes de la física. Lo que Smalley hizo por abrirnos los ojos a este mundo de formas, energías y espacios, es tan importante como los logros que se le reconocieron: nos demostró con la ciencia que hay siempre un nivel de belleza más llamativo, más interesante y más racional que el que crea el mejor arquitecto, y el del que a la vez, puede beneficiarse el hombre, ya sea para crear nuevos edificios, nuevos materiales de arte o herramientas médicas, siempre y cuando sea capaz de asumir un cambio en la visión menos “antropocéntrica” de las cosas.

El edificio no como obra, sino como soporte. Matta-Clark.

2009-11-09T07:56:00.000-08:00

Retrato de Gordon trabajando en la remodelación de un edificio. Hacía 1972-1973.

Unos tres o cuatro excelentes artículos de Abel sobre arte conceptual, que lleva un magnífico blog llamado JAZZ Y SAXOFÓN, lleno de buen jazz, cine y arte, escrito siempre con amabilidad en las respuestas a los comentarios, cariño por los temas e inteligencia, me llevó a escribir sobre los artistas conceptuales que más me gustan, centrándome en aquellos más que familiarizados con el arte geométrico y las matemáticas. Esto me lleva a hablar de Bruce Nauman (cuya entrada todavía sigue, después de dos semanas, pasando por revisión.) y de Gordon Matta-Clark para comenzar.

Gordon Matta-Clark es uno de esos personajes tan encantadores como inteligentes. Muy aficionado a la música rock y al jazz, y dotado de una fuerte ironía, estudió arquitectura en la Universidad de Cornell y después se fue a Nueva york, donde entró en contacto con miembros del movimiento “Anarchitecture” en el que sería el miembro más característico del grupo.
Entre sus trabajos aparecen un amplía serie de estilos y registros. Entre proyectos de arquitecturas propiamente dichos se encuentra su colaboración para la exposición alternativa “Grenne Street”, así como la creación de un restaurante cooperativista en el Soho, que tenía por nombre Foods. También realizó varias obras de influencia de los artistas conceptuales predominantes y por la obra de Duchamp, en donde frió con aceite varias fotografías para ver como la tinta se corría o cambiaba de color, o bien en su obra “Cherry tree”, donde fotografío un joven cerezo situado en la ventana de su estudio durante el tiempo que permaneció sano, terminando su serie al morir este.

Ruptura para el edifico de una exposición e intersecciones cónicas en un eduficio a punto de ser demolido. los conocimientos de Gordon de arquitectura le permitieron manejar con flexibilidad las posibilidades de los materiales.

Luego llegaría su mejor serie de obras, en las que jugaba ya con algo más interesante, los edificios. Matta siempre se había interesado en los métodos de construcción modernos. En sus últimas obras trabajó como si todos esos métodos eran igual que los que se usan para hacer papel sobre el que dibujar, ya que, en edificios abandonados o a punto de demoler, hacía escisiones en las paredes, levanta el suelo y lo colocaba en el techo, o bien rompía todo lo que se le pusiese dentro del volumen de una figura geométrica que escogía, como un hiperboloide, un cono o un paralelepípedo y que solo se percibía por las escisiones que hacía, sino nadie distinguía que es lo que había hecho.

La obra de Gordon tiene dos interpretaciones: la primera es como altera el concepto de arquitectura, generalmente considerada como el arte de levantar espacios bellos, llenos de formas estéticas y a veces, llenos de elementos pomposos. Cuando Matta-Clark propone que en vez de levantarse se modifique uno que ya está hecho, diciendo que el resultado sigue siendo el mismo objeto más que sus nuevas propiedades le hacen pertenecedor a un nuevo conjunto, tal como ocurre con el producto cartesiano de 2 conjuntos distintos, que un elemento y otro de un conjunto distinto al primero, al aplicarle una ley de composición externa cualquiera, perteneciendo el resultado tanto al primero como al segundo, que en este caso son los de escultura, espacio de calle, trozo de paisaje, obra de arte. Lo cual es, aparte de una extensión del término y de la técnica artística, es poner la arquitectura como medio artístico, tal como si fuera una cantidad de masa con una forma ya hecha que permitiese hacer una escultura distinta, o uno de los objetos que Duchamp usaba como “ready-mades” (pensemos que Gordon empleaba fotografías, collages con materiales de construcción extraídos del lugar donde trabajaba.). Esto supone destruir ya casi por completo muchas jerarquías entabladas por los críticos para separar las disciplinas artísticas y atribuirles un orden de preferencia despreciativo e irracional, que no permite que haya un clima de igualdad entre los artistas. También hace que el lenguaje abstracto, en especial el geométrico, sea valorado con atención, ya que es el que sustenta todo.

También hay una crítica social, ya que al hacer evidente que esos edificios están vacios, demuestra como el horrible y frenético ritmo con el que la sociedad americano construía casas y edificios para especular con ellos y hacer que los inmuebles de los propietarios del barrio valgan más, consiguiendo mayor dinero en bancos y cajas del estado. También quiere hacernos ver que si esperamos estabilidad, intimidad y que el valor de una casa depende tanto de sus materiales como del lugar donde está situada, estamos totalmente equivocados.

exposición de obras de Gordon. vemos como combina la diversidad de géneros. aruitectura, fotografía, collage... todo para una obra en global: su idea.

“Siempre hay algo más que matemáticas en la ciencia”. Michael Faraday.

2009-11-04T08:27:00.000-08:00

Como estudiante de matemáticas y amante de las leyes de la física, en especial la cuántica, a uno le cuesta asumirlo, mas esto demuestra que la ciencia también depende en gran medida de cómo se utiliza la lógica, de una manera valiente o únicamente para repetir una y otra vez lo que se ha hecho, sin llegar a avanzar más. Esto viene a propósito de un texto sobre un personaje tan genial como Bob Dylan, Feynman u Oteiza. Se trata de Michael Faraday.
De orígenes muy humildes, trabajó como aprendiz de encuadernador y como portero de la Royal Institution, Faraday recibió lecciones de Humphry Davy, catedrático de Química de esa misma institución, el cual lo nombró su ayudante. Durante el año 1821, Faraday conoció el trabajo de Oersted, y sin saberlo del todo, Faraday mencionó el principio de un motor eléctrico: si por un hilo por el que pasa una corriente eléctrica, podía girar de manera continua con un imán, obteniendo movimientos mecánicos. Además de este fantástico hecho, Faraday contribuyó con la física con el desarrollo intuitivo de la teoría de campos, en especial en los campos magnéticos y eléctricos. También realizó varias aportaciones en la química experimental y en la termodinámica, en una serie de magníficas conferencias por Inglaterra.

Retrato de Faraday sosteniendo un imán con los que experimentaba. Alrededor de 1857-1860.

Lo que sorprende de este gran genio, aparte de la más que mencionada humildad, sinceridad y caridad, por su seguidor más fiel, James Clerck Maxwell, era su habilidad natural y muy aguda, como experimentador; según uno de sus alumnos, Farady “se movía por el laboratorio como un experimentado director de orquesta, eligiendo con cuidado y precisión cada matraz, vela o imán” y que mientras “trabajaba, siempre sonreía o esbozaba algún pensamiento sobre un papel, y si no lo entendía me lo explicaba con una paciencia y agilidad como muy pocos sabrían hacerlo” y que cuando lograba demostrar algún principio, “llamaba a todo el mundo a su laboratorio, fuese la hora que fuese, y nos hacía una preciosa demostración, respondiendo a todas nuestras dudas con un lenguaje lejano del que uno se encuentra en los libros de texto, siempre con alegría y simpatía”.
Apenas era un erudito en Matemáticas, ya que no tuvo una formación del todo completa, mas eso no le impidió llegar a los resultados y conclusiones con mucha precisión, además de otorgarles un rigor tan sólido como el que lo aportaría una ecuación matemática, que tan necesarías fueron para la ciencia moderna. El mismo Maxwell, todo un genio en las matemáticas, reconocería el gran talento de Faraday para la experimentación y como a veces era incapaz de seguir sus planteamientos. La verdad es que yo admiro más a Maxwell y su capacidad de reducir el mundo a una simple y bella expresión, no obstante soy consciente de que Faraday logró algo muy difícil de cuestionar, ya que demostró que la lógica y la creatividad no estaban reñidas con la ciencia, sino que eran una constante fuente de herramientas más que útiles para crear una auténtica teoría científica, por lo que el que se considera un lego en ellas no debe apartarse del genial y fantástico mundo de la Física o la Química, e incluso de las matemáticas. Tal vez la mala reputación que tiene las ciencias es por no entender que existen otras posturas de enseñanza, como las de Faraday o Feynman, pues se centran en que el alumno aprenda y aplique una serie de principios matemáticos y físicos, mas sin experimentar, sin ver de dónde proceden, que autor los formuló y cómo podrían usarlos de una manera creativa.
Su legado es muy difícil de olvidar. Hoy Faraday llega a través de sus textos, muchos de ellos complejos manuales de laboratorio, mas también con colecciones de ensayos más que originales, como el famosísimo libro “Historia química de una vela” de 1861, uno de los libros favoritos de Feynman, muy ameno de leer, ya que indaga más en los fundamentos que hacen posible este fenómeno y otros relacionados sin buscar una aplicación práctica. También cabe destacar el bello y entrañable artículo que Maxwell escribió sobre él en la novena edición de la “Encyclopaedia britannica”, que es más que recomendable leer.

¿Cuántas notas a de tener una melodía para ser considerada como tal? Philip Glass.

2009-11-04T08:07:00.000-08:00

El excelente artículo de mi hermano sobre la música minimalista (el cual se lo reservó hasta el momento de la publicación.) y un alentador comentario suyo: “¿Por qué no te animas a escribir una entrada sobre Glass?, ya que te gusta tanto.” Me animó a redactar esta entrada.
Como a mi hermano, la música de Glass me llena de admiración y asombro, ya que con pocos elementos consigue crear unos arpegios tan prodigiosos que uno no puede creérselo, aunque lo tengas delante.

Retrato de Philip ante el piano.

Mi admiración por él empezó hará ya unos 7 meses, cuando vino a Gijón a tocar su fantástica música con la violonchelista Wendy Sutter y el batería Mick Rossi y su inconfundible estilo de tocar el piano. Yo no pude asistir a verlo, lo cual me sienta como una patada en el vientre cada vez que lo pienso ahora, mas pude ver un pequeño reportaje sobre su obra, unas tres semanas antes de que fuese el concierto. Me llamó la atención su pasión por las matemáticas y la filosofía, además de por la música contemporánea. Luego, investigando un poco, descubrí que antes de ir a Paris, a estudiar bajo la tutela de Nadia Boulanger, e incluso después, estuvo investigando en como las matemáticas, en especial el álgebra, podía utilizarse para componer música. También me gustó los experimentos que realizó con el músico indio Ravir Shankar durante sus primeros años, en los que viajó por la India, se hizo budista y conoció a grandes de la literatura como el genial Allen Ginsberg o la obra de Samuel Beckett, otro que se merece una buena entrada, así como al Dalai Lama.
En los años 70, Glass formaría una pequeña banda, la Philip Glass Ensemble y tocaban composiciones propias de Glass en galerías de arte, teatros, etc. No obstante, se vio obligado a trabajar como reparador de electrodomésticos y taxista, ya que no obtenía el suficiente dinero para subsanar sus gastos. En este periodo, su música, bastante densa formalmente, repetitiva, que exigía una atención especial del oyente, sentó las bases del futuro trabajo de Glass, algo más relajado, y que encontró su resonancia y apoyo en la colaboración con artistas tales como David Bowie orquestando en algunas piezas de su disco “Low and heros”, componiendo para varias bandas sonoras para películas como “Kundum” de Scorsese, “brief history of time” de Errol Morris y basada en el libro de Stephen Hawking, y más próximas en el tiempo como “El show de Truman” y “El ilusionista” de 1998 y 2006, respectivamente.

La Glass Ensemble al completo antes de uno de sus conciertos. Alrededor de 1974-1976.

También compuso óperas, de la cabe destacar “Einstein on the beach”, donde la coreografía fue planteada por Robert Wilson y un libreto que se ha convertido en todo un alegato antinuclear que replanteó toda la tradición operística hecha hasta el momento.

Entre sus discos, no se nos puede olvidar los geniales “Glass Works” de 1982, “Music in twelves parts” y la versión musical del libro de Leonard Cohen “Book of longing” del año 2007, donde se aprecia una simbiosis entre la música extremadamente cerebral de sus primeros años con el resto de su carrera, el cual ha sido bastante criticado y tachado de oportunismo comercial, mas en el fondo, ni en la superficie, hay nada de eso. Es un ejemplo perfecto de cómo una idea, una buena idea, da igual si demasiado científica, o poco, o muy poética, o nada, es siempre una buena idea.

Aunque la música de Glass es muy complicada de clasificar, siempre se denomina minimalista, concepto, al igual que otros muchos, que él mismo se encargó de quitárselos, defendiéndose que él era un músico y ya está, uno apasionado por las estructuras minimalistas y los pocos recursos. Es cierto que la reducción formal y estructural de sus melodías aporta una dimensión totalmente nueva. Ahora no se busca una belleza pomposa, recargada como un collar de diamantes, sino la esencia de la melodía, aquello que la hace ser lo que es, y que solo puede ser descubierta con una inmersión casi total del espectador. Glass situa la música en un plano muy semejante al de las matemáticas: tiene unas herramientas, un lenguaje y un problema, y hace interactuar todo con orden y sencillez.

Glass sosteniendo una de sus partituras para la obra “Einstein on the beach”. Cualquiera diría que parece el planteamiento de una ecuación y no una melodía si no fuera por algunas notas bien escritas.

La influencia del trabajo con Shankar, las matemáticas, la música electrónica, el cool jazz y la música de Bach pueden ser las herramientas, mas son tantas las influencias y fuentes de su música que es muy difícil señalar una y decir “esto es”, mas sí podemos afirmar que el trabajo de Glass es dificilísimo de olvidar.
Mas como el mismo dijo, la música de Glass es imposible de entender sin escuchar al menos un poco, luego os acerco unos enlaces de You Tube, único lugar donde he visto música de él en la web, sin problemas en la escucha y además es muy completa. Aquí hay un poco de todo, algo de los Glass Works, de la música de películas, etc. que son los que más me gustan, espero que los disfrutéis tanto como yo.

Enlaces:

http://www.youtube.com/watch?v=WmX_GgozpQs&feature=fvw
http://www.youtube.com/watch?v=fkmNqyUSrFw&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=SPnVAR2oHw0
http://www.youtube.com/watch?v=3FniHgiyaTY

Y una genial entrevista, que podeis verla en:

http://www.youtube.com/watch?v=WjtVOwz86IU

Naturalmente, John Denver.

2009-11-04T07:47:00.000-08:00

Retrato de Joh Denver.

Entre tanto monstruo de la música de los que hablamos aquí :Pink Floyd, Van Morrison, Metheny, Davis, etc. Este pobre nombre no adquiere una especial importancia. La música de este simpatiquísimo personaje no es que sea especialmente matemática, ni minimalista “oficial”; es cierto que consiguió un lenguaje musical muy reducido capaz de obtener muchas melodías, y que usaba un estilo de guitarra muy cercano al de Neil Young, ya que jugaba mucho con el tiempo en la música, mas no llegó al nivel de este genio. Entonces viene la pregunta, “¿Para qué vas a hablar de él?”, tal como me la hizo un amigo. Bueno, pues lo hago ya que él consiguió un estilo musical muy interesante, siempre en busca de lo esencial del sonido, por su actitud siempre solidaria hacía las causas importantes de este mundo, tal como los conflictos en África o su interés en los progresos de la aeronáutica (su padre había sido piloto y el era un navegante muy bien cualificado.) que requeriría de un bajo coste en materiales y carburantes, lo cual conseguía una emisión menor de dióxido de carbono a la atmósfera, mas en especial le admiro por su respeto hacía la naturaleza, de la cual se consideraba un autentico guardián. Denver pensaba que era el hombre que vivía en la naturaleza y la respetaba él que era alguien de valor, consiguiendo una verdadera unidad con todo lo que le rodeaba y la política, por lo tanto, debía de considerar esto. Su activismo también le llevó a luchar por la creación de parques nacionales en todos los Estados Unidos así como varios manifiestos que mostraban su preocupación por la conservación de las Montañas Rocosas, además de la selva del Amazonas.

Aunque parezca muy idílico, la preocupación de Denver por el medio ambiente, que llega a parecer en todos sus álbumes, es un principio tan básico como necesario entender. Aunque parezca siempre muy relativo, el hombre alejado del mundo natural, de todos sus fenómenos y sus leyes, como el que vive en una gran ciudad, es un ser totalmente alienado de lo más importante de la existencia humana. Muchos músicos buenos tales como los hermanos Allman, Dickie Betts, Peter Gabriel, Deuter, Chris Martin y todo el grupo de ColdPlay, Neil Young, y un largo etcétera de artistas y pensadores tales como Eva Hesse, Don Judd, Max Bill, Nauman, Wittgenstein, Platón, Robert Barry, Alexander Calder, Stephen Hawkings, Buckminster Fuller (que conoció y se hizo amigo de John Denver)…han luchado de manera activa o con su música por la protección del medio ambiente, ya que es la constante fuente, ya sea de recursos medicinales, constructivos como de inspiración (Maravillosa es la declaración de Max Bill recordando su juventud: “Yo no aprendí a analizar el movimiento ni el espacio a manos de los constructivistas ni los suprematistas, sino observando el vuelo de los pájaros, los ríos llenos de peces de colores, los gamos corriendo por los prados y mis visitas interminables a los zoos.”). La naturaleza es de donde proviene todo, y en cuanto a naturaleza hablamos del césped al lado de nuestra casa como las nebulosas y galaxias más lejanas del espacio, luego más nos vale hacer algo. Yo al menos estoy reuniendo dinero para hacerme socio de Greenpeace.

Para terminar, me gustaría facilitaros una selección de canciones de Denver donde muestra todo lo que he dicho de él. Poner especial interés en uno de sus mejores tema, el primero, “Country roads”, interpretado por un ya mayor Denver. En serio, es fantástico.

http://www.youtube.com/watch?v=MWzeInQaUk4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=vLBKOcUbHR0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=OwARpaKHx_w&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=vl7aM3nCqC0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=kzldLJcorbo&feature=related

Nuevo blog

2009-10-30T11:03:00.000-07:00

Despues de algunos meses trabajando en este blog, he decidido montar el mio propio. Podreis ver los textos y dibujos en el blog Ixion. Para verlo, podeis entrar en mi perfil y desde ahi entrar en el.

Charles Darwin y Alfred Wallace

2009-10-28T09:30:00.000-07:00

Alfred Wallace (izq.), Charles Darwin (der.)

Uno de los grandes acontecimientos del Siglo XIX es probablemente

la teoría de la Evolución. Pero, ¿que es?

¿Quien y cuando la formulo? Este artículo os ayudara a saber un poco (no mucho) sobre quien postulo esta Teoría que ha afectado tanto a la Ciencia.
Teoría de la Evolución: ¿Que es?

Cuando hablamos de teoría de la Evolución, nos referimos al cambio

de perfil genético de un conjunto o población de individuos, que podría dar como resultado nuevas especies o novedades

evolutivas. Un ejemplo podría ser la evolución del mono al hombre. Para este proceso, hemos pasado por Australophitecus, Homo erectus, Homo neanderthalis, Homo habilis,etc.
Charles Darwin, el hombre-mono.
Charles Robert Darwin (1809-1882), botánico y naturalista. Estudio Medicina en la Universidad de Edimburgo (1825), pero luego, en Cambridge, se dedico a su verdadera pasión: las Ciencias Naturales. A la temprana edad de 22 años parte de Inglaterra como medico en el H.M.S Beagle, fragata de guerra de 10 cañones capitaneada por el comandante Fitz-Roy, descendiente de Carlos II de Inglaterra. En este viaje, Darwin recoge cuantiosos especimenes de animales y plantas, aparte de escribir su Viaje de un naturalista alrededor del mundo, a veces separado en dos volúmenes.
En este diario Darwin comenta sus hallazgos paleontológicos, sus especimenes, los distintos mecanismos de vida de seres vivos e incluso los conflictos sociales de los lugares donde va, aparte de sus ideas abolicionistas y las situaciones de los aborígenes .Así ,el viaje de Darwin no lo podríamos definir como de placer, sino como de trabajo intensivo. Pero su trabajo mas famoso posiblemente sea El origen de las especies, obra que no fue publicada hasta 1859, cuando Darwin la empezó a idear en 1840 0 1839. Pero Darwin era un hombre cauto y calculador y fue moldeando poco a poco su teoría. Quien le iba a decir que durante ese tiempo, otro genio, Wallace, iba a llegar a las mismas conclusiones que el...
Alfred Rusell Wallace, un naturalista socialista.
Nacido en el seno de una familia de clase acomodada, Alfred Russell Wallace (1823-1913), es considerado una autoridad en el campo de la botánica. Fue un viajero excepcional, acompañando al también biólogo (entomólogo) Henry Bates al Amazonas. En este viaje, de vuelta a casa, el joven Wallace perdió toda su colección de especimenes debido al naufragio de su barco (1852). En cuanto a Bates, se quedo unos 7 años mas y recogió, con la característica paciencia de un naturalista, mas de 14.000 especimenes , de los cuales unos 8.000 eran inéditos para la Ciencia .Volviendo a Wallace ,escribió algunos artículos verdaderamente importantes como Sobre la ley que ha regulado la aparición de nuevas especies, donde defendía la teoría de la Evolución pero sin atribuirle una causa (1855).En 1858, escribió otro articulo, Sobre la tendencia de las variedades a diferenciarse indefinidamente del tipo original, esta vez muy acertado. Este articulo fue leído por Darwin, y dijo que era un excelente resumen del trabajo que había estado realizando desde hacia mas de 20 años. Se consideraba un socialista.

Un poco sobre la ideología abolicionista de Charles Darwin (extractos de Viaje de un naturalista alrededor del mundo,tomo II.)

“El 19 de Agosto abandonamos en definitiva las costas del Brasil, dando gracias a Dios de no tener que volver a visitar países de esclavos (…)En Río de Janeiro, vivía yo en frente de la casa de una señora mayor, que tenia tornillos para estrujar los dedos de sus esclavas ( …) Pues bien, estas crueldades ocurrían en una colonia española donde se asegura quese trata a los esclavos mejor que lo hacen los portugueses o otros europeos (…) Los que excusan a los dueños de los esclavos y permanecen indiferentes ante la posición de las victimas no se han puesto jamás en el lugar de esos infelices.¡Qué porvenir tan terrible, sin esperanza del cambio mas ligero! ¡Figuraos cual seria vuestra vida si tuvieseis constantemente presente la idea de que vuestra familia, esos seres que las leyes naturales han hecho tan queridos hasta para los esclavos, os han de ser arrancados del hogar para ser vendidos, como bestias de carga, al mejor postor!

Texto sacado del libro Viaje de un naturalista alrededor del mundo, tomo II. Ediciones AKAL, de bolsillo.

Arte Minimalista y Phillip Glass

2009-10-26T08:21:00.000-07:00

John Cage junto a un gato

negro.

ARTE MINIMALISTA

El arte minimalista es uno de los movimientos artísticos mas importantes del siglo XX para con el arte de hoy en día.A pesar de que mucha gente se burle de el,diciendo que lo que estos artistas hacen es sencillo, posiblemente vaya a ser el poco arte mas o menos salvable de los últimos 20 años.Sinceramente, me parece mas repetitivo el arte banal y comercial de Warhol y sus discípulos (el Pop Art, le llaman).Pero por lo general a los tontos les gusta tener una copia de Marilyn Monroe en 20 colores que un Malevich o una obra de Judd.Pero nos centraremos no en las artes plásticas, sino en la música minimalista, pues ya Alejandro habrá puesto muchos artículos sobre los primeros y no tengo muchas ganas de repetir lo mismo.Nombres como John Cage, Steve Reich o Philip Glass aun están hoy presentes.El primero es un discípulo de Edgar Varese , muy influenciado por el Zen, que añadió al piano diversos objetos para que el instrumento tuviera nuevas posibilidades sonoras(o piano preparado).Reich es un músico de jazz que colaboro con Brian Eno y escribió música de guitarra para el gran Pat Metheny. Glass, por su parte, es el mas conocido no por sus composiciones minimalistas, sino, irónicamente, por sus bandas sonoras ("El Ilusionista" por ejemplo.) Y es de este ultimo del que vamos a hablar.

Phillip Glass(1937 - ).
Músico descendiente de judíos lituanos, Philip Glass estudio, antes que música, matemáticas y filosofía.De niño asistió a la Escuela de Música Juilliard, donde también otro gran músico, Miles Davis, estudio años antes. Antes que ser un músico profesional, el joven Glass se dedico a arreglar lavadoras.Desde los 60 hasta hoy,Philip Glass ha compuesto varias operas y otras piezas.Su último trabajo fue "Book of Longing", cuya letra esta compuesta por el cantante y poeta Leonard Cohen.
Imagenes :
Philip Glass, diciembre de 2007

Philip Glass

Leonard Cohen y Philip Glass después de hacer "Book of longing" ( abajo, carátula.)

Steve Reich y Pat Metheny ( abajo) .

Arte Suprematista

2009-10-23T08:24:00.000-07:00

Arte constructivista: breve historia y artistas destacados.

El arte constructivista es un movimiento artistico nacido en Rusia, hacia el año 1914, estando presente sobre todo despues de la Revolucion de Octubre(1917).El proposito principal de este movimiento era romper con los estilos convencionales;estaba impulsado por el Manifiesto realista del artista Naum Gabo.El gobierno Bolchevique lo convierte en propaganda politica, especialmente «Golpead a los blancos con la cuña roja», de El Lissitzky, uno de los grandes del suprematismo junto con Kazimir Malevich (el color rojo representa a los revolucionarios y el blanco, a los burgueses,a los conservadores y todo aquel que se oponia a la revolucion.)Por ultimo, comentar algo sobre la escuela Bauhaus(del alemán Bau, "construir", y Haus, "casa"),que daba a los jovenes artistas un respiro, como una bocanada de aire fresco, del arte clasico.

Artistas importantes.
Kazimir Malevich (1878-1935)

Nikolai Suetin(1897 – 1954)

Wassily Kandinsky (1886 – 1944)

Vladimir Tatlin (1885-1953)

El Lissitzky.( 1890-1941)

Laszlo –Moholy Nagy(1895-1946)

Naum Gabo (1890-1977)

Bauhaus : la casa del arte constructivista en Europa.

Pero si hablamos del arte consrtuctivista algo que tenemos que nombrar es la Bauhaus.Anteriormente mencione algo sobre ella .Fundada en 1919 pr Albert Groupius, la Bauhaus tenia una fin educativo.Se enseñaba Artes y Arquitectura, especialmente. La primera, de Walter Groupious, tenia su base en Weimar.Fue cerrada en 1936 por los nazis, que, como todo lo que hacian, era inutil, erroneo y salvaje.¿ Por que? Porque Groupious pensaba en las reformas artisticas como modo de cambiar la sociedad,hacerla mas racional, algo en lo que los nazis no estaban muy de acuerdo, porque lo que pricipalmente buscaban era que la gente fuera estupida y manejable y soltarle trolas tan grandes como que los judios son los culpables de todo lo que pasó en aquella epoca.La Bauhaus era tan Revolucionaria en el ambito educativo que creo sus propios dias festivos ( como la fiesta del metal,la fiesta blanca,etc.), y sus maestros eran inigualables (Moholy-Nagy,Kandinsky,Klee,Malevich,etc.).La Bauhaus moderna fue fundada en1933 por los artistas que se refugiaron en EE.UU, Siguiendo un caracter cientifico-racional.

Clase de la Bauhaus.

Siempre en la cabeza. Simetrias y pegasos. Dickie Betts

2009-10-19T08:19:00.000-07:00

Betts en concierto.

La música de los Allman Brother me fascina. Tiene un pureza e inteligencía que solo puede nacer en el Sur de los Estados Unidos de America. Sus melodias aparentemente sencillas, su gran instrumentación y la pasión que cada mienmbro manisfestaba en el escenario es algo genial, mas entre todos los genios de la banda me gustaría señalar al que más me gusta. Dickie Betts.

Músico enamorado por los acordes y sonidos que puede sacar la guitarra,además de todo un erudito en el uso y la historía de este instrumento, pues se conocía todas las aplicaciones de la guitarra en el blues, folk o clásica hechas hasta el momento, fue junto a los hermanos Greg y Duane Allman, uno de los fundadores de la banda y uno de los guitarristas, vocalistas y compositores más importantes del grupo. A sus espaldas estan exitos de la banda tales como la maravillosa "Ramblin Man", en donde se vé una profunda meditación en la música de la época, como la complejidad de la letra de Dylan y los acordes propios del blues y del folck, mas puro del momento, además de ser un himno geníal; todo nace siempre de la gente enredada, que cuesta de entender.

Más grande aun es "Pegasus". Menuda canción. Son más de 7 minutos de buena guitarra y aun mejor música, donde Betts muestra que es capaz de sacar. Toda la pieza esta llena de simetrias, que aunque parezcan que no guardan ninguna relación entre sí, cada conjunto de escalas aporta un sonido ascendente en la pieza en forma de espiral; es decir, ahí una base simétrica que luego se repite en otras escalas, dando un efecto muy interesante, semejante a uno de los grabados de Escher, que creo que existe uno, de la época de las particiones regulares de la superficie, donde ahí pegasos. Puede que exista una posible relación.

Betts en una de las primeras fotos como miembro de la Allman Brothers band, con su guitarra. Rompiá muchos esquemas de lo que se considera un "intelectual", casi como Feynman.

Ya sea con los hermanos Allman, con la banda GS o en solitario, la música de Betts es bella y original, siempre muy interesante y muy buena. Nunca despreció el potencial de la música popular, y tampoco despreció los avances más recientes y los sonidos vanguardistas. Como todo artista que aquí se cita, siempre buscó dar una nueva imagen a su música.

Si quereís una buena muestra de la música de Betts, en especial de su increible RAMBLIN MAN, podeís mirar este enlace. Es un vivo recogido por el programa alemán Rockpalast, en compañia con la Great Southern, de año 1978. Sencillamente, genial:

http://www.youtube.com/watch?v=5nIzrm0xxi0

Like a bird on a wire. Leonard Cohen

2009-10-19T07:39:00.000-07:00

Hace ya cierto tiempo que no escribo nada, ya que la universidad me quita mucho tiempo, mas ahora que puedo me gustaría hablaros de alguien que todo el mundo conoce siempre muy por encima. Leonard cohen.

Si hay que resumir el trabajo de Cohen, genial poeta y aun mejor músico, sería el verso inicial de su tema “Bird on a wire”, del álbum “Songs for a room”, probablemente escrita en la isla griega de Hydra, donde se refugió de todo progreso nocivo y urbano, y se fue a meditar sobre la literatura, la poesía, la música, el sentido de la religión y el erotismo, lo vital y lo artificial y, tocando la guitarra en la puerta de su casa, vería las aves posarse en los recientemente puestos en aquella época postes de electricidad frente al cielo azul. Cohen siempre fue un hombre libre de ataduras, siempre dispuesto a hacer cosas nuevas sobre un terreno, la narrativa experimental y la poesía cantada, hasta el momento muy esquematizado y apenas explorado en profundidad, y que en los años 60 empezaría a abrirse hasta llegar a límites jamás planteados antes, en la que aparecieron monstruos tales como Bob Dylan o Allen Ginsberg.

Retrato de un jovencísimo Cohen. (Aproximadamente 1970.)

La imagen que simboliza a Cohen, ese “pequeño judío que escribió la Biblia” como se hacía llamar él mismo siempre con ironía e inteligencia, está muy bien recogida y señalada por Pico Iyer, autor de libros como “La dama y el monje” o “El alma global”, es de “el hombre bajando una calle, ataviado con un oscuro hábito de monje budista, sosteniendo en una mano la Torah y en la otra un dibujo de una mujer”. Siempre misterio, fascinante y cautivador, capaz de expresar con pocas sentencias mundos muy complejos, aun tiene todo el poder que como poeta y música cultivo con lo largo de los años y aun da muestras de que no flaquea, incluso aunque se desmaye en el escenario, como le pasó en Valencia en su última gira (interpretando “Bird on a wire”, no sé si casualidad.) es capaz de levantarse para ir al hospital, recuperarse y volver al escenario. Fue capaz a lo largo de su vida de estar en una posición muy buena respecto ambas cosas gracias al ejercicio de la filosofía zen: aunque fue un mujeriego empedernido, llegando a estar con Janis Joplin un par de meses de raro noviazgo, entre otras, no basó su búsqueda artística solo en expresar la complejidad de relaciones que se generan entre un hombre y una mujer, sino que estuvo siempre en una posición casi paralela al resto de los temas que trata, tales como la injusticia social, la libertad, la democracia, la enfermedad, la religión y siempre con elegancia, profundidad e inteligencia. Contemporáneos suyos como Van Morrison, Joan Baez o Bob Dylan han admirado e interpretado su trabajo, llegando a generar admiración entre ellos, como en el caso de Bob, diciendo que “si pudiera dejar de ser Bob Dylan, me gustaría ser Leonard Cohen”. Tampoco le dio al pensamiento religioso la cancha suficiente para que enturbiase su mente y lo constriñese en una mentalidad tradicional, y la utilizase como medio de lucha contra la injusticia y las situaciones precarias que vio y le toco vivir, ya que él se arruinó y estuvo mucho tiempo sin nada. Así nacieron temas como el genial "Halleluja"

Admirable es también su incansable ímpetu de experimentación creativa, que ha ido aumentando con el paso de los años. Si ya en el disco “I´m your man”, en pleno apogeo de los años ochenta, buscó dar una dimensión nueva a su música con nuevos ritmos tales como tangos, melodías mediterráneas, y una instrumentación mayor que se enfrentaba al estilo minimalista de sus primeros discos como “Songs for a room”, “Songs for hate and love” o “New skin for the old ceremony”, en los noventa sorprendió con su uso totalmente revolucionario de su música y poesía en discos como “The Future”, donde están los geniales temas “Waiting for the miracle” y “The future” (usadas, junto a un tema de Dylan y otro de Peter Gabriel, en la película “Natural Born Killers”, y más próximo en el tiempo, “Teen new songs”, hecho en colaboración con la increíble cantante Sharon Robinson,que estuvo junto a él en su nueva gira y varios trabajos con Anjani Thomas, cantante de jazz, ahora es capaz de trabajar con músicos totalmente excéntricos a la concepción de su trabajo, como Philip Glass, en su adaptación musical de su libro de poemas “Book of longing”, imprimiendo su carácter en la música del genio americano, del año 2007, y consiguieron demostrar como una buena idea, da igual si “muy poética” o muy “científica”, es de todas formas una buena idea.

Caratula del doble CD del concierto de Londres, sacado este año. Un trabajo genial, que demuestra como Cohen es aun ese increíble músico con ganas de explorar su música.

Así pues, como ese pájaro valiente que se poso sobre un cable nuevo, Cohen hizo lo mismo con el mundo de las letras y la música: estar en un nuevo terreno para ser libre, y donde dejo sus increíbles piezas para que también seamos libres.

Fosil

2009-10-06T08:31:00.000-07:00

Misterium Cosmographicum

2009-10-06T07:25:00.000-07:00

Mi intención en esto es demostrar que la máquina celestial puede compararse no a un organismo divino sino más bien a un engranaje de relojería… Puesto que casi todos los múltiples movimientos son ejecutados por medio de una única fuerza magnética muy simple, como el caso de un reloj en el cual todos los movimientos son producidos por un simple peso.
Johannes Kepler

Interior de ojo

2009-10-06T07:20:00.000-07:00

Por qué uno no puede sacarse de la cabeza a Bob Dylan.

2009-10-01T09:06:00.000-07:00

Bob Dylan tocando para los estudiantes de la universidad de St. Lawrence (Nueva York), en el año 1963.

Hace poco vi un reportaje en televisión que recogía en un reportaje los sucesos más importantes del frente Palestina e Israel. Al ver esas imágenes, en las que predominaba la destrucción, la muerte y la orfandad, me vino a la cabeza la canción "Master of War", del gran Bob Dylan. También, recordando los enfrentamientos entre alumnos y profesores provocados por el plan bolonia, me acordé de ese mismo disco, mas ahora de la canción "Blowing in the wind". Uno no puede olvidar a Dylan, ya que todo lo que denunció sigue actuando en nuestros tiempos críticos y oscuros, y preguntas no han obtenido respuestas.

Es imposible obviar su música y su postura vital, rebelde mas preocupada por los problemas que nos afectan siempre, tal como la guerra, la indiferencia social frente al abuso del poder y la aceptación obligada de unos roles sociales inhumanos y una hipocresia siempre latente. Además, siempre la imagen de constante innovador y revolucionario consigo mismo y su arte es una constante inspiración para artistas que busacn hacer algo nuevo.

Puedo decir, y debo decirlo, que Bob Dylan estará siempre joven gracias a su trabajo. Y si no, habrá gente que, como yo, le recordemos así.

Richard P. Feynman. Rompiendo con lo convencional.

2009-10-01T09:03:00.000-07:00

Retrato de Feynman.

Richard P. Feynman fue algo más que un nombre importante para la física relativista, con cuyas propuestas e investigaciones, contribuyó a dar una nueva explicación a las teorías de Einstein, como siempre geniales. Nano tecnología, nano informática, astro física (llegando a plantearse las leyes de Newton en nuestro sistema solar y visualizarlas desde un punto de vista geométrico muy curioso.), la teoría de las “historias” (él sostenía que el universo no tenía una sola historia, sino que estaba formada por muchas, las cuales deberían incluirse en un teoría general.) y sus espléndidos trabajos en mecánica cuántica, entre los que cuentan sus famosos diagramas (dispositivos de conteo necesarios para realizar los cálculos en la teoría de los campos propia de la física cuántica, los cuales también posen una representación gráfica.), que llevan su nombre, Diagramas de Feynman y por cuyas contribuciones ganó el premio Nobel en 1965, mismo año que Dylan graba “Like a Rolling Stone”, el tema que cambiará el futuro de la música popular. Ese año, ambos cambiaron, uno en la música y el otro en la ciencia, la mentalidad de toda una generación, y aun siguen llegando sus ecos.

Dos de los diagramas de Feynman. Arte, matemáticas e inteligencía se fusionan aquí.

Pero no es solo por eso conocido. También por su colaboración con el muy polémico proyecto Manhattan y sus investigaciones sobre la propulsión a chorro y su código para descifrar los jeroglíficos mayas. No olvidarse de que fue un gran maestro y divulgador, llegando a ganar la medalla Oesterd por su carrera como maestro y divulgador .
Feynman fue genial no solo por sus brillantes teorías y su personalidad exuberante (era abierto a todo tipos de pensamiento, irónico, siempre apoyando ideas reprimidas por la sociedad, y poseedor de un sentido del humor que rayaba lo bufonesco, llegando a abrir cajas fuertes en los laboratorios experimentales de los Álamos para leer secretos militares importantes.) También rompió muchos esquemas en la forma de pensar tradicional. Generalmente se espera que un científico sea una persona sujeta a normas, constantes, leyes y esté absolutamente inmerso en un círculo muy restringido de personas, que suelen estar más o menos acorde con sus ideas o no. Feynaman demostró que esto estaba muy lejos de la realidad. Nos hizo que nos diésemos cuenta de que esto estaba muy lejos de la realidad. A años luz. Tenía la misma fe en su intuición que en las matemáticas, pues él creía que si algo era una buena idea, da igual como la expreses, lo importante es eso, expresarla. Ya sea en un diagrama o en una ecuación. Antes de dedicarse completamente a la ciencia realizó varios trabajos, entre ellos de pintor de interiores de precio muy bajo, y esto le hizo frecuentar muchos burdeles y bares de topless, lo cual no le dio nunca miedo ni reparo de reconocer que había estado ahí, y había conocido músicos de blues y jazz. También empleó mucho tiempo a la música, en especial a la samba, a la cual era un entusiasta, y le gustaba interpretar melodías con los bongos, llegando a ir hasta Brasil (frecuentaba mucho este país, cada vez que podía iba allí.) para asistir a clases. Durante un tiempo, se dedicó a la pintura, llegando a realizar exposiciones bajo un pseudónimo

Feynaman delante de la pizarra durante una de sus charlas sobre la teoría de la dinámica astronómica de Newton.

Él demostró algo que un hombre, ya sea científico, artista, admirador de bailarinas de topless o lo que sea, ha de buscar, simepre buscar, campos donde su mente actue de manera provecha, realizar actividades que en realidad le satisfagan y no caer en los prejuicios, en la mojigatería y los grupos (que no sean los matemáticos, claro está.) y llegar a destruir los convencionalismos. Es decir, enseñó no solo a ser un gran científico, sino también un gran hombre y aun mejor intelectual.

Picabia. El arrojo a la vida y al arte.

2009-10-01T08:59:00.000-07:00

Fotografía de Picabia en su taller (París, 1924)

Marcel Duchamp, Man Ray y Francis Picabia han recibido la denominación de la “Trinidad” dadaísta. Y no es de extrañar. Estos tres geniales artistas y aun más geniales hombres, han revolucionado el panorama del arte como ningún otro artista se pudiese imaginar en aquellos años difíciles y poco propensos a la creatividad destructiva. Me gustaría centrarme en Picabia.
De madre francesa (nació el mismo año en el que Thomas Edison inventó la bombilla, cosa que recordaría siempre), padre cubano y predecesores de orígenes italianos y americanos, fue educado dentro de la filosofía nihilista, cuyo principal autor, Federico Nietzche, fue motor impulsor de su arte y manera de pensar y vivir. No solo se limitó a la pintura, en la cual experimento con diversos estilos, desde una pintura impresionista de marcada influencia de Monet y una muy hermética post cezanniana, muy semejante a la del joven Marcel Duchamp, hasta un futurismo muy personal, lleno de diversos contrastes y gamas de colores que rozan lo infinito.

"New York". Oleo sobre lienzo.

Mención aparte merecen sus cuadros mecánicos, muy semejantes a las pinturas de vidrio de Duchamp, mas con un contenido irónico mucho más marcado que el de su compañero, pues son casi una burla a la ciencia positivista, a la causalidad que rige los principios mecánicos positivistas y a la mentalidad tradicional de que el orden es funcionalidad.

Parada amorosa. Oleo sobre carton

También experimento con las técnicas dadaístas, grupo del cual fue una de las figuras más importantes, en especial por sus poemas y sus nuevos experimentos visuales. En estos años hay muchos murales donde la escritura automática y el collage son protagonistas. También existen varías colaboraciones en el mundo del teatro, en especial con el diseño de escenarios y en la elaboración de obras surrealistas, varios proyectos con surrealistas como André Breton y Max Ernst Durante los últimos años de su vida se centró en la poesía, arte cultivado con gran esmero a lo largo de su vida y a la pintura de clara referencia Surrealista, y en donde la presencia de las figuras femeninas se hace cada vez más y más frecuente hasta su muerte en 1965.

L´oeil cacodylate. Diversas tecnicas sobre lienzo.

Lo que me gustaría señalar de este hombre tan singular es su individualidad, su capacidad de vivir con su originalidad y de ser independiente de todo y todos. Se ha dicho que él no fue “seguidor de nada ni nadie” y que jamás perteneció a ninguna vanguardia, sino que siempre respondió a su deseo de hacer lo que se proponía, sin pedir permiso a nadie ni depender de marchantes que le dijesen que debía pintar o no. En ese sentido siempre fue lo bastante valiente. Y marcó a muchísimos artistas que vendrían en el futuro, en especial a los artistas conceptuales, cuyas diferentes praxis, muchas en contradicción con la de los otros, les impedía ser reconocidos como individuos de un determinado grupo en concreto, tal como pasaba con los minimalistas, que eran reconocibles por el empleo de determinadas figuras geométricas y por el tener una praxis más o menos acordes entre ellos, que era el empleo de los mínimos elementos posibles. Esta individualidad también le hacían ver el mundo como una inagotable fuente de herramientas y medios que usaría para su arte. No solo la pintura naturalista, los medios como la fotografía o la escritura automática eran su signo; las matemáticas, las tautologías en la lógica, la psicología, el humor e incluso el ocultismo fueron para el fuente de constante flujo de ideas y herramientas para su arte. En resumen, Picabia representa todo loq ue el arte experimental defiende: una busqueda constante de herramientas de rigor para contribuir a mejorar el arte,constante planteamiento sobre su obra y la de los demás y un afan de superase a si mismo y a la mediocridad de su tiempo de reverencia, pero también Picabia se lanzó a sacar todo lo que pudo de la vida, no solo arte. Siempre irónico y esceptico, buscó una manera de vivir que su tiempo no llegaba a comprender y la moral de entonces le censuraba. tal vez pueda decir que se arrojó en todo lo que hizo, ya sea en la pintura o en la vida del día, ya que daba todo lo que él era en sí.

Grandes intersecciones II y III y el gran “Trazo azul”.

2009-10-01T08:42:00.000-07:00

Después del diario en miniatura hecho a bases de bocetos “Intersecciones, columnas, círculos, espacios lineales y otras ilusiones”, creo que le llamé así, mas no estoy nada seguro, en donde dibujé estas estructuras, las mejores, para mí, de esta serie. Así pues, utilizando un rotulador azul, otro negro y un lápiz de grafito HB y otro H, quería experimentar con estos resultados para conseguir efectos nuevos, en especial las relaciones con otros elementos organizadores del espacio, tales como planos, y ver el efecto que daban en un formato, proporcionalmente más grande al del dibujo original. Además, después de los resultados de las estructuras Gropius, las grandes composiciones de Pamplona y de los bocetos de “Intersecciones, columnas…”, me sentía lo suficientemente interesado para seguir investigando sobre las posibilidades experimentales que me otorgaba la línea, como primer y último experimento sobre los medios bidimensionales. Ahora me toca investigar con nuevos elementos y materiales, para tratar con más exactitud las ideas de espacio, tiempo y forma.
Así pues, estas composiciones fueron hechas para pensar sobre el Espacio y la Forma, y como la línea tiene esa capacidad conmutativa; es decir, que los mismos elementos son capaces de expresar conceptos distintos, mas manteniendo sus características originales; con planos y poliedros no podemos hacer esto, ya que al aumentar la dimensión en la que se trabaja, aunque sea más fácil entenderlo de manera analítica, se vuelve más complejo de analizar, llegando al punto de a veces volverse incompresibles o imposibles, creando confusiones y quebraderos de cabezas, negando dar información al espectador, únicamente acertijos imposibles. El tema del ritmo con composiciones lineales es también muy interesante de ver, pues permite ser mucho más flexible y variado que con otros elementos plásticos, pues hace más transparentes efectos tales como la deformación a causa de las perspectivas, que siempre afectan al conjunto de la pieza, y en especial, a su visualización, la cual hace armónica o no una construcción, la superposición de sus otros elementos y la estructura primordial de la obra.

Lápiz sobre papel. Medidas: 29x10 cm. Ejemplo de una intersección en conjunción con más de un elemento y de diversa dimensión. Así pues, se combinan, dentro de una base ortogonal isométrica, varios elementos, tales como un cuadrilátero lineal, vacio por dentro, y un “muro” cuya función es cumplida por un plano bidimensional, además de tres semicircunferencias isométricas (todavía no sé por qué no las llamo simplemente “elipses”) que convergen en una de las aristas de este espacio. Me gusta de este dibujo la capacidad experimental de la línea y el efecto de un elemento bidimensional con una línea en oposición, o en un plano paralelo a ella. Es siempre muy interesante.

Rotuladores azul, negro y lápiz sobre papel. Medidas: 18x7 cm. La intersección III situada sobre un espacio, en este caso, igual que el anterior, es una base ortogonal, lejana de las “habitaciones” que me cansé de dibujar anteriormente, que causaban los espacios Gauss-Oteiza. Ahora la línea, tiene esa capacidad de generar espacios de experimentación. Además dejando que el vacio interactúe de manera total. El elemento principal de la composición se trata de dos semicircunferencias isométricas colocadas de manera que más de dos puntos sean coincidentes mediante uuna inclinación del eje de construcción de la elipse, lo cual, aunque no sea del todo correcto en la manera en la que está dibujada, un aumento del perímetro de la curva del aproximadamente 12% (en realidad es de un 11,93568%, mas esta cifra se hace muy difícil para los cálculos exactos del dibujo, siempre aproximados.) hace que adquiera esa sensación de espacio y movimiento que buscaba.

Paralelo a estos dibujos, trabajé en otro aun más complejo, también empleando un caldereno complejo, que, utilizando como módulo y repitiéndose en forma de “intersección”, como el “Homenaje a Escher nº1”, mas ahora más simple en giros, no existen más que uno, que es siempre el mismo giro de 180º de la diagonal principal sobre la que se estructuran los elementos restantes de la composición, y es la que indica el sentido de los giros y del avance de la composición de la estructura.

Rotulador sobre papel. Medidas: 21x21 cm. “El trazo azul”, la composición de la que hablamos. Se ve como ya el espacio encuentra una dimensión más hacía lo horizontal, rompiendo con el estatismo de museo de obras anteriores. Lo importante de este trabajo era ver como la forma era capaz de definir un espacio, ajena a su función “bella” u “original”.

El trabajo, debido al color empleado por el color azul ftalo elegido para crear el dibujo definitivo, en un principio de color negro, mas me pareció más interesante para el efecto de perspectiva ir en degradé, seguir con el efecto de profundidad.

Marcel Duchamp y su inteligencia destructiva

2009-09-23T09:20:00.000-07:00

Duchamp es siempre citado por artistas de diferente campo de trabajo, mas todos coinciden en que su labor ha contribuido al desarrollo del arte moderno de una manera muy especial. Ha influido en más de tres generaciones de artistas, y aun se siguen percibiendo sus influencias, en especial en los artistas cansados de las técnicas de representación naturalistas clásicas. También todos aquellos que busquen en las matemáticas nuevos argumentos y herramientas que sirvan a la progresión del arte y nos aporte una actividad puramente gratificante y cuyo rigor sean semejantes al de cualquier ciencia, y no cuente con “chorreos emocionales” que sean perjudiciales para nadie.

Hagamos un breve repaso de su obra: desde muy joven muestra un amor incondicional por el artista más rompedor de finales del XIX: Claude Monet, bajo cuya influencia pinta varios paisajes campestres de su Francia natal, le siguen un periodo post cezanniano, cargado de simbolismo de influencia de Redon y después le llega mejor etapa; después de unos cuadros surrealistas, también cezannianos, no muy interesantes y mucho después de unas viñetas cómicas ingeniosas, consigue fusionar todas las vanguardias artísticas en sus cuadros llenos de dinamismo, como “Desnudo descendiendo una escalera”, probablemente la composición “cubista” (aunque no es del todo “cubista”, pues muestra elementos naturalistas, carácter futurista, modelo prerrafaelista y carácter dadá) más conocida de él, “El paso de virgen a novia”, “Nueve moldes masculinos”… Pero si hay que hablar de pintura hemos de referirnos a su obra magna, la mejor de toda su producción: “El gran vidrio”, el nombre que considero más apropiado para él, aunque técnicamente ahí que hacer mención a él como “La soltera desnudada por sus pretendientes, incluso.” Esa pieza de más de dos metros de cristal como soporte, en la cual utiliza elementos de todas sus obras pasadas que muestran una relación muy notable gracias al uso que Duchamp supo aprovechar de la fragmentación del soporte fracturado durante un traslado) y haber conseguido para relacionar plásticamente los elementos empleados, puesto que aparentemente no tenían ninguna proporción ni por la perspectiva, pues se encuentran todos en el mismo plano compositivo. Si nos pondríamos a seguir meditando en esta obra necesitaríamos varios minutos y muchos argumentos, algunos de los cuales están en contradicción los unos con los otros. La posterior elaboración de obras tan geniales como “¿Por qué no dejar estornudar a Rose Selavy?”, varias reproducciones de “La fuente” y la obra, teóricamente gemela, del “gran cristal”, la cual fue mostrada al público tras el fallecimiento, demasiado prematura tal vez, pues más de ochenta años de Duchamp apenas son nada para un genio de su nivel; debería haber vivido más de doscientos años para gozar de verdad con su arte, él y nosotros, mas esto son deseos míos, un poco ilusionistas tal vez, y nada más.

En todo su recorrido Marcel demostró ser un hombre de una inteligencia sin igual: él era agudo, irónico, sensible ante los detalles más pequeños de la realidad que son a veces los que contienen una historia y forma muy especiales, abierto ante la posibilidad de conocer a alguien, inmune al efecto de los prejuicios y siempre dispuesto a contribuir y hacer contribuir a sus amigos y familiares en su labor o en la de otros, haciéndoles partícipes de sus mejores momentos, éxitos y creaciones. Mas es destacable su falta de aprecio hacia todo aquello que se consideraba “lo verdadero”, “lo bello”, “lo profundo”, y en especial “por lo serio”. Artistas iconoclastas como rango principal, tales como Man Ray o Francis Picabia (ambos muy amigos de Duchamp, con el cual los dos compartieron momentos de originalidad, trabajo y amistad, pues fueron todos ellos amigos hasta el final de sus correspondientes vidas.) han reconocido ser “moderados” al compararlos con Duchamp, y no es de dudar. Todo trabajo en el Duchamp participa hay siempre una crítica o una manera distinta de hacer las cosas y en cómo y qué se piensa de manera tradicional. Eso lo vemos en su alter ego femenino, Rose Selavy; el hecho de hacer esto es que, dentro de los cánones de corrección artística, es que quería saber si podían sus actos ser considerados dentro de lo que es el ejercicio artístico, el cual es lo que fundamenta toda la estructura ontológica del arte, como bien defendía Acconci (alumno de Duchamp, por cierto.) Esto ya lo buscó en los ready-mades, método en el que seleccionaba un objeto cotidiano, tal como un escurridor, una percha, una placa publicitaria o incluso un orinal, y, mediante pocas y pequeñas, si no ninguna, modificaciones en su estructura, les da categoría de objetos artísticos; no como esculturas, ni como pinturas, sino como “obras”, simplemente creaciones de su inteligencia destructiva, capaz de fundir conceptos de clasificación que se consideraban inmutables desde siempre. Lucio Fontana y Donald Judd también se percataron de lo frágil, relativa y exigente que era esta división, y ambos también buscaron acabar con ellas; uno con cuadros perforados y el otro con esculturas multidimensionales, mas se aprecia como Duchamp ya les llevaba años de ventaja y de trabajo. Los “objets trouvés” surrealistas emplearon esta idea, mas no llegaron al rigor de Duchamp, y mucho menos a contribuir con esta destrucción. Aun en su irreverencia, estaba una base clásica e imposible de sustituir; para ellos la pintura era pintar y la escultura esculpir, y ya está. Por eso, aunque de manera casi subconsciente, Duchamp se acerca más al grupo de los constructivistas que al de los surrealistas, pues ellos también estaban inmersos en la destrucción de la “pintura de caballete” y en la investigación de nuevos métodos y medios escultóricos. A mí me gusta, cuando hablo con amigos sobre Duchamp, a los cuales les encantan entenderlo como un seguidor más de las locuras artísticas de Raymond Roussell, el creador de textos teatrales surrealistas muy inteligentes como “Impresiones de África”, recordarles que fue un ávido lector de la obra de Henri Poincaré, el científico y matemático más revolucionario de su tiempo, el cual desarrollo el álgebra y otras ramas de la matemática como la topología hasta límites desconocidos en aquella época, además de ser una de las figuras claves de la filosofía científica, pues en varios de sus escritos, tales como el “Valor de la ciencia” trata de dar y fundamentar con principios filosóficos su labor, además de realizar varias críticas a autores como Le Roy, que sostenían opiniones bastantes contrarias a la de Poincaré, aunque siempre con respeto y reconocimiento al trabajo de su objetivo. Así pues, se ve como la lectura de esta obra le hizo ir a Duchamp hacía objetivos más complejos y atractivos que los que había conseguido antes. Se habla de este periodo como “La ruptura”, no solo con toda su obra anterior, sino también con el resto de lo que se hacía en Europa y América en su tiempo. Este es el periodo de cuadros como “El rey y la reina rodeados de desnudos rápidos”, “El desnudo descendiendo las escaleras I y II”,” El molinillo de chocolate” y la preparación de sus magníficos cuadros innovadores como “La novia”, que ya son una fusión entre Surrealismo con cubismo y futurismo, además de plantear sus cuadros en cristal. Y no solo eso, el rigor que adquirió en el estudio de este autor le permitió ser aun más escéptico de lo que ya era, llegando a su visión del mundo del arte y de lo que la sociedad considera como correcto e incorrecto, y si pudo, destruirlo. Se ha dicho siempre que Duchamp fue el Leonardo da Vinci de su época: no solo por la cantidad de experimentos que realizó y la cantidad de géneros a los que dio el “pistoletazo de salida”, tal como el body-art, el Op-art, el “objet trouvé” surrealista y dadaísta y en otras “expediciones de perversión” tal como en la música (a la cual era muy aficionado), la literatura, con especial hincapié en la poesía, y en el cine ( donde colaboró muchas veces con Genet y Picabia.) sino porque la inteligencia de Duchamp siempre igual que la de el genio del Renacimiento, abierta, aguda y vacía de prejuicio, tal como dije antes y siempre dispuesta a destruir.

El dibujo de Hokusai.

2009-09-16T08:46:00.000-07:00

El dibujo tiene importancia para mí; escribí, creo que fue el número cinco o seis, no sé una de los primeros textos de opinión de mi vida, sobre la capacidad de Escher para dibujar todo tipo de estructuras, tanto matemáticas como de otra índole, y ahora, unos ocho mese después, quiero tratar el dibujo de Katsushika Hokusai, el mejor grabador de Japón del siglo XVII casi XVIII, al menos para mí y el más conocido. Su trabajo no es tan detallista como el de Hiroshige, que sentía por el detalle un amor incomprensible, mas es el más “minimalista” de ellos, y por ello, el más interesante de trabajar. Tuvo una gran técnica como dibujante zen, muchos retratos suyos están hechos únicamente con unos pocos trazos, de los cuales el 80% es la estructura principal del dibujo, la “caja” o los primeros trazos, los que sirven para hacerse una idea del trabajo antes de ponerse con los detalles. Es más, él publico un tratado donde ilustraba esta técnica de dibujo minimalista, que luego fue seguida por muchos dibujantes y artistas. Pienso en Robert Goldman o en Van Gogh, por ejemplo; dos artistas sin nada en común aparentemente, uno minimalista, famoso por sus series de dibujos de formas geométricas y el otro el padre del expresionismo y de la pintura moderna, estandarte en la defensa de la vida bohemia y figura de la genialidad humilde y trabajadora para los siglos de los siglos. Pero ambos conocían los métodos de dibujos japoneses de reducción y análisis, lo cual muestra la gran influencia que ha estos le supuso conocer las técnicas japoneses de dibujo y aguada, aunque Van Gogh fue siempre seguidor, en el color y los detalles, a Hokusai.
Y no es de extrañar; la mente de Hokusai para el arte fue algo más que una ayuda técnica, además de teórica (pues el dedicó gran parte de su carrera a elaborar unos esquemas que permitían diferenciar los colores según su intensidad y clasificarlos en familias luego.) sino que además fue un auténtico precursor de la pintura minimalista. Fijémonos en esas bellas vistas al monte Fuji, creo que son unas treinta y seis. En ellas, el uso de elementos es de mínimo a casi único. Hay dos grabados de esta serie que son los que más me gustan; uno, posiblemente su obra más popular y representativa de la xilografía japonesa, es el más que famoso dibujo de una ola gigante en una tormenta, que está a punto de llevarse a unas barcas de pescadores y al fondo de la composición, tal como si fuera un observador impasible de esta desgracia se encuentra el volcán. Todo en esta composición está armonizado; los tres elementos compositivos (la ola, el monte y las barcas de los pescadores) se encuentran situados en el mismo recinto visual, el centro del cuadro y una distancia igual a él, mas no se encuentran enfrentados unos con otros, sino que siguen un movimiento sinuoso y se desplazan hacia lo profundo. Por otra parte, el tratamiento de la ola es casi escultórica, ya que parece que la espuma de la está dibujada como si fuera una composición fractal, en donde reina la simetría, la repetición, el ritmo y la tridimensionalidad, además tiene resonancias con el resto de la composición pues una de las bases de la ola tiene la misma forma del monte, por lo que aquí juega con las formas repetidas para dar continuidad visual, algo muy vanguardista. También el tratamiento de las figuras humanas tiene algo muy especial; a simple vista, las barcas y las personas dan el efecto de polígonos de colores distintos superpuestos, pues apenas se notan miembros, cuerpos y rasgos humanos; las cabezas blancas se confunden con las gotas de espuma que salpica la ola gigante, y esto hace que recordemos a Calder, por ejemplo.

Aparte de esta celebridad, la obra “El viento del sur dispersa las nubes” ejemplifica muy bien lo que quiero decir. El dibujo representa únicamente el monte, enfrente de un cielo azul, en el cual hay únicamente un par de nubes que se alejan formando una pared totalmente blanca a la izquierda de la composición que se va deshaciendo con el viento en sentido ascendente. En esta composición podríamos dudar de su autoría si hubiese sido hecha en el siglo XX; podría tratarse de uno de los primeros cuadros minimalistas de Judd, pues el autor de este cuadro a conseguido, únicamente con cuatro colores y una única gran forma (la del monte, que es casi un triángulo perfecto) expresar una compleja perspectiva y llenarla de dinamismo y belleza. Fijémonos por ejemplo en cómo trata con una síntesis admirable la variedad de especies vegetales que reinan la base del monte y la multitud de tipos de rocas que aparecen en la cúspide; Hirosige se habría pasado horas, tal vez días y noches o meses, definiendo tallos, hojas, campesinos, grietas, etc. Mas Hokusai, utilizando dos manchas de tinta verde y marrón rojiza, casi siena tostada, consigue crear la sensación de profundidad y diversidad mediante los degrades que hace en cada superficie de color. Esos lavados en la tinta xilográfica hacen que el efecto atmosférico de la acuarela aparezca ahí, en ese maravilloso dibujo de vivos colores. Puede que Hokusai, además del precursor del minimalismo, sea el padre del informalismo y del arte experimental, mas mejor ni pensar en ello.
Mas estas obras no serían más que bellos pañuelos de seda si Hokusai no hubiese dominado el arte del dibujo con maestría; de él se conservan miles de dibujos, ya sean en papel, en cuadernos o en biombos; la capacidad de Hokusai de trabajar con formas muy sencillas fue lo que le otorgó su peculiar reconocimiento, lo cual demuestra que, sin un estudio formal previo, el color en la pintura no es más que “maquillaje”, engaño, “trucco” como dicen los italianos, el color siempre ha de responder y apoyar a la composición, y no enturbiarla y confundir al espectador; Hokusai decía que si el color no permitía que sus composiciones fuesen entendidas con facilidad, negaba usar tinta de cualquier color, y únicamente se conformaba con dibujar.

Podríamos pasarnos horas describiendo sus obras y escritos, tales como la serie de los jinetes, la de los animales e insectos y la de las plantas, mas todo lo dio hasta ahora volvería a aparecer y me repetiría mucho. Para acabar, solo me gustaría señalar un rasgo de la personalidad de Hokusai que le hace digno de ser considerado como maestro para muchos, y que Van Gogh asumió para sí; Hokusai dijo una vez que, a los ochenta años de edad, se había fijado que, tras una brillante carrera de más de cincuenta años, no sabía dibujar del todo bien, y que con la experiencia y el trabajo diario, a los noventa, haría cosas “interesantes”, a los cien “gran parte de lo que hiciese le gustaría” y que a los ciento diez “una sola línea tendría vida y capacidad de expresar” pero que hasta entonces se conformaba con “el dibujo que tenía en las manos”.

Enana blanca.

2009-09-15T10:37:00.000-07:00

Dibujo
Foto
La suerte no existe; Dios no juega a los dados con el universo.
Albert Einstein

Dibujos grandes de Pamplona.

2009-09-15T08:41:00.000-07:00

Revisando los trabajos de este verano ví que no había publicado los dibujos realizados en mi viaje a Pamplona, unicamente los bocetos "Intersecciones, circulos,..." y creo que nada más. Así pues, me gustaría enseñarros lo que hice ahí.

Debido a la escasez de tiempo, de material y como estaba centrado en la redacción muchos textos del blog y a la elaboración de la serie de bocetos de "Ilusiones sobre el papel", en este viaje a Pamplona no pude realizar grandes composiciones; casi todo mi trabajo fue escrito y en forma de bocetos. Además, como estaba experimentado con la linea y su capacidad organizadora y temporal, no pude dar unos primeros resultados fiables. De esta etapa solo hay dos dibujos importantes.

Uno de ellos se trata de un DIN A-4, hecho con materiales combinados, en este caso el lápiz de grafito HB con el rotulador de punta 0,6 de color negro. El objeto de estudio de esta composición era ver como dos calderenos muy complejos podían tratarse en perspectiva, y no situandolos en el mismo plano. El resulta es una composición muy interesante, de grandes ecos a las primeras esculturas de Calder

y a Mondrian, mas desde una tercera dimensión.

El otro trabajo, el cual llevo bastante tiempo de planificación, fue el otro dibujo: se trata de dos calderenos con los que juego con la simetría inversa en tres puntos. En el exremo izquierdo del dibujo aparece una construcción en forma de rejilla, la cual es un derivado del caldereno más grande de la composición "Homenaje a Gropius", mas desarrollado en horizontal y no en vertical. La otra estructura, otros dos calderenos iguales pero puestos en dos superficies distintas, lo cual aporta a la composición mucho dinamismo y originalidad, pues son elementos que nunca habían aparecido explicitamente en mi obra. Es un dibujo hecho totalmente a lápiz, con uno H para el primer dibujo, y otro HB, para repasar las lineas de la composición más importantes. Las medidas del soporte son de 25 cm por 18 cm.

También me apetecía averiguar como las estructuras lineales rompen con el estatismo de mi producción anterior, y se aproximan mucho más a esa estética minimalista que tanto he buscado y busco.

Los topicos geometricos de Egipto

2009-09-15T08:12:00.000-07:00

Rectas

2009-09-15T08:09:00.000-07:00

Magnetismo hacía Giacometti.

2009-09-15T08:04:00.000-07:00

Dedicado a todos los que trabajan en Auzolan (Pamplona).
Gracías por todo.

Retrato de Giacometti, obra de Gordon Park.

La obra de Giacometti me fascina desde hace mucho tiempo, aproximadamente hace cinco años en los que no he dejado de pensar en sus figuras espectrales y sus espacios extremadamente sencillos que ocultan muchas variables que la mente es incapaz de percibir, además de que su obra “Le palais a 4 heures du matin”, una estructura muy parecida a las de Calder (al cual conoció, por cierto, y estudió su obra) en cuanto al tema de la composición con rejillas tridimensionales y elementos de índole biológica (se aprecia unos cuerpos semejantes a los de unos animales prehistóricos, tales como una serpiente gigante o un pterodáctílido fósil, además de una figura de mujer tallada como si fuera un tótem indio o una figura de Mesoamérica antigua, perteneciente a un gran imperio precolombino, lo cual muestra su amor por la antropología y la Historia.) mas cuya comprensión necesita un ejercicio mental superior, pues no habita ese toque de realidad tangible que tanto es apreciada en Calder, pues aunque sus obras sean abstractas, siempre se percibe el contorno y la idea de lo que él quiere expresar, ya sea un dragón como un gato, o unos pétalos, siempre se percibe; en Giacometti esto no pasa, lo que en Giacometti genera una sensación que el artista pueda traducir en una obra, viene cargado con tanto simbolismo y complejidad que es muy difícil de sacar algo como absoluto verdadero, me tiene hechizado desde los doce años, pues la vi en una fotografía en una revista y, aun no sabiendo quien creó esa maravilla, no me la podía quitar de la cabeza.
Pero yo tengo con este artista una relación muy extraña. Cuanto menos pienso en él, más lo necesito, pues aporta muchas herramientas tanto artísticas como filosóficas que sustentan mi arte experimental, aunque el poco tiene que ver (esto no es del todo cierto, pero ya lo veremos con el tiempo.) con el mundo de las ciencias y del arte geométrico, al igual que lo que me pasa con Pollock. Yo creo, que de cierta manera Giacometti me tiene magnetizado. Y lo sé por esto. Hace poco, en mis vacaciones en Pamplona, me pasé por una librería, una de las mejores que tiene este sitio, tanto en variedad como en precio, en el casco viejo, llamada Auzolan. Buscando en las ofertas me encontré, lleno de polvo y un poco arrugado, sin apenas marcas de ser abierto, un libro de la editorial Poligrafía, con la principal obra de Giacometti, ni me lo pensé. Lo compré, merecía la pena por el contenido así como por el precio, y lo estoy disfrutando mucho, además de comprender por qué me tenía este genial autor hechizado, desde mi primera vez.
Este hombre es extraordinario. No solo por su disposición hacía el arte; poseía una curiosidad fantástica hacía todo tipo de cosas, al igual que Francis Bacon, el pintor, pues, aparte de la Historia, el arte y la biología le interesaba las matemáticas, la química y meteorología, además de la música, el cine y la fotografía (fue muy amigo de Genet y Man Ray, lo cual ilustra muy bien esto.) También sorprende su ética de trabajo; aunque perteneció a varios grupos artísticos (post cezannistas, cubistas, surrealistas, etc.) nunca dejo de lado su “investigación”, como él llamaba a su trabajo, y continuó sin interrupción en mejorar su estilo y sus obras. Es destacable su interés en la filosofía también, sin la cual él no podía crear, según dice en más de una entrevista. Esto también se percibe en la importancia que Giacometti daba a la capacidad del artista en “ver”, gracias a la cual podía entender el mundo, y esto es lo que consideraba lo más importante del ejercicio artístico, y no el resultado de la obra. No obstante, la genialidad de este gran hombre no guarda una proporción parecida a la complejidad de su trabajo y de su trayectoria. En la entrevista ¿Por que soy escultor? El pintor y escultor habla de que, en su incansable labor de “ver”, tuvo muchos problemas, hasta el punto de que, de una manera casi inmediata, perdió su capacidad de recrear un objeto de tres dimensiones y perdía la totalidad del conjunto de lo que estaba haciendo por culpa de los detalles. A mí me parece que, en realidad, el escultor ya estaba asqueado de las representaciones convencionales, y decidió experimentar ya con otros tipos de estilos y lenguajes, tales como el cubista o el surrealista, como destacan sus obras de los años 30, muy próximas a las obras de Calder y Miró, y las “cajas”, las cuales ya empiezan a dar una imagen de la obra futura de Giacometti. Y de ahí empezó con sus experimentos con figuras humanas, en un principio, muy pequeñas y luego muy alargadas, mas todas ellas reducidas hasta casi su expresión mínima, mas que se ajustaban a su estudio del movimiento a partir de figuras estáticas. Se ha dicho que estas figuras representan al hombre contemporáneo gracias al dinamismo que oculta su quietud, la complejidad de su simpleza. Además de que sirvieron a Alberto a desarrollar en profundidad su concepción de Tiempo y Espacio hasta un nivel muy sofisticado.
Para acabar con este pequeño recordatorio, en la misma entrevista que señalamos anteriormente, al final de ella, dice que ciencia y arte no solo sirven para lo mismo, “ver” y entender el mundo, sino que además ambas pueden complementarse. Ahora, algo que nunca he hecho, os pongo una imágene de él con su obra, pues me parece que se lo merece y esta imagen siempre me fascina.

Espacios lineales, columnas, círculos e ilusiones sobre el papel.

2009-09-14T07:33:00.001-07:00

Se me ocurrió empezar estas series al encontrarme una pequeña libreta de hojas perforadas cuya función, en un principio, era la de apuntar números de teléfonos y demás pijadas por el estilo, mas decidí darle un uso un poco menos banal y, mucho menos aun, trascendental. Así pues, en formatos muy reducidos (la superficie de trabajo mide aproximadamente 8 x 5,6cm en todos los casos) y usando solo un lápiz HB y un bolígrafo Bic azul, me lancé, sin apenas pensar en realizar posteriores mejoras en los resultados obtenidos, a hacer ciertas investigaciones sobre las capacidades de la línea como único elemento de investigación, pues, tras los resultados del proyecto del “Homenaje a Gropius”, me pareció que la línea aun reservaba muchas sorpresas al arte experimental, y no me equivoqué.
Así pues, el trabajo se puede dividir en cuatro apartados menores o sub apartados que, aunque distintos en cuanto a características y fines de estudios, tienen en común que el material artístico usado, el elemento de investigación, es la línea, y ella sola, sin necesidad de cuerpos bi o tri dimensionales para llegar a una conclusión, un resultado o una especulación al menos.

Estos cuatros sub apartados son:

Intersecciones: estos fueron los primeros trabajos que elaboré. En ellos, se aprecia un interés por los movimientos de un cuerpo unidimensional en movimiento circular interrumpido en un punto de encuentro con otros movimientos, produciendo un espacio y un ritmo muy interesante, a la vez de complejo.

La representación isométrica contribuye a aportar más movimiento al ya presente, y proporcionar una mejor comprensión de la obra, en especial de los métodos de construcción empleados.

Círculos: estos son los que más me gustan, en especial porque estuve observando pájaros en un parque de Pamplona mientras los hacía, pues me fascina, como a Balla y Depero, los movimientos a los que llegan a realizar sin más ayuda que sus alas, siendo una autentica proeza de la ingeniería natural y, en especial, de la evolución.

Me interesaba ahora, después de ver la capacidad de la línea en el grupo de dibujos anteriores para generar espacios, si estos podrían, con su efecto dinámico, crear formas con mucho ritmo y de aparente velocidad.

Columnas: el espacio, estudiado en las “Estructuras Gropius” me pareció que aun tenía muchas variables, sobre todo en la vertical.

Así pues, me propuse a hacer, mientras acababa el último dibujo de “Círculos”, esta serie de tres dibujos, en las que exploro la capacidad organizadora y creadora del espacio de la línea.

Espacios lineales: una pequeña versión de una variante de las estructuras Gropius fue la que me inspiró para crear una serie de dibujos, hechos solamente con trazos, y utilizando calderenos muy sencillos en fusión tridimensional.

La verdad, es que este trabajo nació por un nuevo interés por la obra de Da Vinci (como siempre su dibujos, únicamente sus dibujos; es lo que me gusta de Leonardo.) los paisajes abocetados de Hokusai, el gran maestro japonés, la obra de Giacometti, que aun sabiendo que el estatismo estaría siempre presente, sabía que el movimiento siempre estaría latiendo en la pintura y la escultura, y que era posible estudiarlo a partir del estatismo de esta, así como por una sensación del movimiento menos restringida, en la cual la idea de fluidez (tal vez de influencia zen) estuviese siempre presente, pues, hasta el momento, el estatismo a reinado mis composiciones, estorbándolas de alcanzar un nivel mínimo de dinamismo que permitiese una mejor comprensión de ellas, y quería cambiar esto mediante la únicamente que sé: con las matemáticas y un largo proceso de elaboración, pues estos dibujos son el resultado de más de 10 días de meditación antes de ponerse a hacer nada, pues me propuse “ver” (otra vez Giacometti, lo sé) antes de hacer, y hasta que no realicé los estudios necesarios para componer los calderenos, no hice absolutamente nada. El resultado fue esta pequeña muestra en miniatura, hasta el punto de tener que se me perdieran en mi maleta, de una gran serie de dibujos que podría realizarse solamente con este material apenas trabajado, en cuanto a presentación y técnica, y considerado como bocetos preparatorios o estudios de dimensiones reducida, mas este trabajo me permitió soltar la mano para resolver proyectos de mayor envergadura y preparar mi mente para otras cosas; es decir, me permitió “ver”, y como esta es la función del arte experimental, consideré como “acabados” todos estos trabajos.

El monóculo

2009-09-11T10:45:00.000-07:00

Construccion

2009-09-11T09:30:00.001-07:00